Vision

22.4 JAN ŠVANKMAJER_corti [3]

2010-01-30T04:21:00.000-08:00

...questa la terza parte della filmografia completa di Jan Švankmajer:

Cortometraggi [3]

"Jídlo" ("Food") [1992], mirabolante e dissacrante parabola incentrata sul consumismo e un’altra ideosincrasia švankmajeriana: il cibo.

ulteriori cortometraggi manifestano l’amore dell’artista per specifiche manifestazioni della cultura rinascimentale boema, nata dall'ibridazione del neoplatonismo ficiniano e le parafrenalie alchemiche pre-barocche, e che originò ingegni dell’eccentrico come l’italiano Giuseppe Arcimboldo, al cui stile sono evidentemente dovuti "Flora" [1989] e "Moznosti Dialogu" ("Dimension of Dialogue") [1982]

"Zamilované Maso" ("Meat Love") [1989]

"Do Pivnice" ("Down to the Cellar") [1983]

"Muzné Hry" ("Virile Games") [1988]

"Another Kind of Love" [1988]

"Tma/Svetlo/Tma" ("Darkness/Light/Darkness") [1989]

"Animated Self-Portraits" [1989]

n.b. per chi volesse approfondire le sue conoscenze su Jan Švankmajer, gli consiglio vivamente di leggersi, sul blog del mio amico "Occhio sulle espressioni", gli articoli corrispondenti, che considero alcuni dei migliori sulla rete inerenti lo stregone praghese.

trame from Alphabet City

SPONSORIZZANDO IL MIO SECONDO BLOG

2010-01-17T19:15:00.000-08:00

sponsorizzando il mio secondo blog...

...voglio semplicemente dirvi di diffondere la notizia, poiché è nato sulla rete un nuovo spazio indipendente che cercherò di rendere interessante il più possibile...

questa la presentazione:

"Turn Out The Lights" è un verso di "When The Music's Over" (1967), scritta da Jim Morrison, voce e anima dei Doors [in una live performance nell'immagine di sopra], a cui è appunto tributato questo modesto spazio sul web.

Nel seguente blog, io, Vision, posterò solo videoclips musicali, a casaccio, senza un ordine ben preciso, intenzioni filosofico-esponenziali o capacità di revisioni misteriose...

...quindi, in sostanza, quando non avrò un cazzo da fare, dipingerò i pezzi migliori del mosaico multiforme in cui si impregna uno dei connubi più affascinanti dell'arte moderna: quello tra musica e fotografia.

...naturalmente invito tutti i lettori/spettatori a seguire il blog, con commenti sensazionali ed emozionali...

22.3 JAN ŠVANKMAJER_corti [2]

2010-01-10T18:15:00.000-08:00

...ed ecco la seconda parte della filmografia completa di Jan Švankmajer:

Cortometraggi [2]

il conflitto tra la simulacralità dell’uomo, costretto a soccombere alla feroce vitalità degli oggetti, si evince da "Picknick mit Weissmann" ("Picnic with Weissmann") [1968] e "Zvahlav aneb Saticky Slameného Huberta" ("Jabberwocky") [1971]

"Tichý Týden v Dome" ("A Quiet Week in the House") [1969]
"Kostnice" ("The Ossuary") [1970]

"Don Sanche" ("Don Juan") [1970]
gli omaggi alla letteratura gotico-romantica e orrorifica, da "| Otrantský Zámek" ("Castle of Otranto") [1977], liberamente tratto dall’omonimo romanzo di Horace Walpole ai poeiani "Kyvadlo, Jáma a Nadeje" ("The Pit, the Pendulum and Hope") [1983] e "Zánik Domu Usheru" ("The Fall of the House of Usher") [1981]; anche se in in ogni opera di Švankmajer è trasfuso ed è palpabile l’influsso di letterati quali Lautréamont e il marchese De Sade.

n.b. da non dimenticare la compagna del regista, Eva Švankmajerová, talentuosa pittrice e sua collaboratrice in numerosi corti nonché lungometraggi quali "Alice" e "Faust".

trame from Alphabet City

22.2 JAN ŠVANKMAJER_bio+corti [1]

2010-01-09T16:59:00.000-08:00

"Il mondo si divide in due categorie di diversa ampiezza... quelli che non hanno mai sentito parlare di Jan Švankmajer e quelli che hanno visto i suoi lavori e sanno di essersi trovati faccia a faccia con un genio". (Anthony Lane)

"non mi piacciono i cartoni animati, preferisco ambientare il mio mondo immaginario nella realtà" dice surrealmente Jan in un intervista del 1984.

"il maestro europeo del cinema di animazione", Jan Švankmajer, regista, pittore, scultore e poeta, che ha ispirato artisti come Tim Burton, Terry Gilliam e i fratelli Quay, nasce nel 1934 nella città più misteriosa e affascinante al mondo... Praga.

Quello che io considero il surrealista per principio è paradossalmente la realtà in persona, che di visionario non ha un bel niente... non so se mi spiego... ma penso che stop-motion, argilla, ossa, 3D, bambole, chiodi, arcimboldi, terra, piante, fogli, ombre, pietre, cibo, marionette, tempere, 2D, occhi, piante, mani, spazzolini, lacci, cucchiai, orologi, scarpe e altri oggetti ed entità antropomorfe non siano altro che semplici --cose-- reali pensate in una visione surreale.

Ed è proprio questo modo di pensare che stupisce lo spettatore, costretto ad osservare una realtà impostagli dal regista ed a concentrarsi nell'alternatività delle --cose--.

Ebbene Švankmajer è un mago senza mantello, o meglio uno stregone senza cappello... sì... perché le sue opere ipnotizzano, stravolgono, disgustano, ti fanno incazzare, fanno paura, non parlano ma rispondono, ti mandano aff......

Non inquietatevi... Švankmajer se la ride comunque!!!

Ecco la prima parte della sua filmografia completa:

Cortometraggi [1]

"Poslední Trik Pana Schwarcewalldea a Pana Edgara" ("The Last Trick") [1964]; il primo e significativo approccio alla pellicola da parte del regista che si avvale delle potenzialità insite nel “montaggio delle attrazioni” per avanzare la sua scepsi condotta in seno al teatro di marionette, e a quello di fusione video-performativa della Lanterna Magika, da lui fondato e tutt’ora attivo nella capitale ceca.

in "Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll" [1965] e "Leonarduv Denik" ("Leonardo's Diary") [1972] sono evidenti gli influssi delle cinesinfonie di W. Ruttmann o di H. Richter.

"Hra s Kameny" ("A Game with Stones") [1965]

"Rakvickarna" ("Punch and Judy") [1966]

"Et Cetera" [1966]

"Historia Naturae, Suita" [1967]

un’atmosfera ancor più inquietante è poi ravvisabile nelle opere di Švankmajer concepite ascoltando gli umori malsani introiettati dalla coercizione di stampo ideologico-espressiva, la cui asfissiante ed esiziale ombra cala sui personaggi e le situazioni di "Byt" ("The Flat") [1969], "Zahrada" ("The Garden") [1968] e, ovviamente, "Konec Stalinismu v Cechách" ("The Death of Stalinism in Bohemia") [1990], tutte paradigmaticamente influenzate da una marcata volontà di riproporre gli stilemi del cinema buñeliano.

n.b. Segnalo "Il mondo di Jan Švankmajer", edito nel 2008 da Minerva RaroVideo, che raccoglie in un doppio disco 14 cortometraggi (1964-1989) del regista ceco, con interessanti contenuti extra: "Il mondo dell’animazione parla di Jan Švankmajer"; tra gli interventi, Barry Purves (uno dei massimi animatori di pupazzi della storia dell'animazione), Bill Plympton (grande gagman surrealista americano, due volte candidato all'Oscar), Bruno Solarik (Membro del movimento surrealista ceco) e Giovanni Russo (Fondatore di eMotion, direttore del festival Lucca Animation).

trame from Alphabet City

22.1 ČESKA ANIMATION

2010-01-07T18:17:00.000-08:00

Nel panorama storico e internazionale del cinema d'animazione, l'esperienza ceca è ritenuta all'unanimità una delle più importanti e fertili di sempre.

L'ex Cecoslovacchia è stata capace di creare una scuola di pupazzi animati celebrata e imitata in tutto il mondo e, allo stesso tempo, è riuscita ad esprimere grande talento nelle altre tecniche facendo dell'estrema varietà visiva, della critica sociale e dell'utilizzo del surreale i suoi punti di forza.

Proprio la suggestiva città di Praga, alimentata oggi come ieri da innumerevoli fermenti creativi, offre un'altissima qualità di menti e materiali artistici. Dopo il crollo della Cortina di Ferro, la capitale della Repubblica Ceca è diventata l'avamposto culturale dell'Europa dell'Est verso l'Occidente, tornando quel crocevia di arte, innovazione, idee che era sempre stata in passato. Meta ogni anno di sempre più imponenti flussi turistici, città antica e pregna di storia, ma ugualmente in grado di attrarre i giovani di tutto il mondo, Praga è il cuore pulsante della nuova Europa.

A Marzo del 2009, durante il Festival Internazionale del Film d'Animazione di Lucca Animation, c'è stata la miglior rassegna internazionale che sia stata mai fatta sull'animazione ceca.

La rassegna si divideva in 4 parti: "I Maestri di Praga: ieri", "I Maestri di Praga: oggi", "Jan Švankmajer" e "Jiří Barta"...

...ebbene, ripercorrendo queste sezioni e aggiungendovi Jiří Trnka, Vision vi porterà alla scoperta di Praga... come non l'avete mai vista!!!

post liberamente ispirato a Lucca Animation 2009

21.2 PRIIT PÄRN

2010-01-05T01:32:00.000-08:00

Priit Pärn, nato in Estonia nel 1946, è oggi conosciuto in tutto il mondo per le sue storie surreali e ricche di humor nero.

Il suo stile personalissimo, lontano dalle "carinerie" di disneyana memoria tanto quanto dallo stile più serioso e moralizzante di Rein Ramaat (con cui aveva iniziato la sua carriera), ha ispirato numerosi artisti anche al di fuori dei confini dei paesi dell'est: i famosi Rugrats del circuito Nickelodeon sono un evidente omaggio al suo inconfondibile tratto.

Dopo il suo film d'esordio del 1977, "Is the Earth Round", Pärn ha proseguito nella sua prolifica carriera con:

"Triangle" (1982);

"Time Out" (1984);

"Breakfast on the Grass" or "Eine murul" (1987);

"Hotel E" (1992);

"1985" (diretto insieme a Janno Poldma); The amazing true story of the invention of cinema, and the subsequent delay of all other inventions. Priit Pärn made this film in 1995, the 100th birthday of the cinematographe.

"Night of the Carrots" aka "Porgandite öö" (1998);

n.b. Dopo aver insegnato animazione all'Università di Turku, in Finlandia, Priit Pärn ha ricevuto il Lifetime Achievement Award della International Animated Film Association.

post liberamente ispirato a Castelli Animati / Priit Pärn

21.1 ESTONIAN ANIMATION

2010-01-04T17:44:00.000-08:00

Uno dei Paesi più all'avanguardia in Europa e nel mondo per modernità e forme organizzative; l'Estonia ha una storia da frontiera culturale tra l'Occidente e l'ex Unione Sovietica, della quale rappresentava un corridoio d'infiltrazione intellettuale data la vicinanza geografica ed etnica con la Scandinavia. Le caratteristiche di curiosità, eclettismo e apertura della cultura estone hanno così prodotto un cinema d'animazione oggi ancora relativamente giovane (al di là di alcuni esperimenti di stampo "disneyano" che non ebbero seguito negli anni Trenta, il primo film d'animazione moderno prodotto in Estonia è infatti il "Little Peter's Dream" di Elbert Tuganov, datato 1958), e che ha saputo svincolarsi dagli esempi russi e sovietici, assimilando al meglio il cinema occidentale e dandosi un carattere assolutamente originale e inconfondibile, tanto nella forma del film di pupazzi quanto nel disegno animato.

L'animazione estone, pur nella sua ampiezza di esiti, riflette una serie di costanti di base. L'elemento visivo, convogliato soprattutto in un design spesso estremamente inventivo, colorato e cangiante, ne è la chiave di lettura principale, unito a un tessuto sonoro molto sofisticato, che ha spesso un ruolo principe nei film (non per niente l'Estonia ha attuato quella che viene definita la «Singing Revolution», data l'importanza nazionalistica del patrimonio musicale e del festival relativo, che fu poetica e incruenta sede della resistenza anti-sovietica), e si rivela capace di rileggere il folklore musicale e i suoni battenti e ossessivi di stampo tribale, mixandoli alle suggestioni della musica elettronica. L'approccio estone al film di pupazzi risulta quindi molto più sperimentale di quello dei "cugini" della classica scuola cecoslovacca, legandosi a tecniche molto variegate (pixilation, animazione d'oggetti, découpage, miscugli tra 2D e 3D) e ad esempi più lontani (Gran Bretagna) o estremi (Svankmajer, Borowczyk, i fratelli Quay), mentre il disegno animato ha vissuto negli ultimi anni l'influenza carismatica di un gigante come Priit Pärn. Su queste basi s'innestano tanto temi legati alle fiabe e al folklore, all'ecologia, agli aspetti che riconducono l'Estonia al suo status di cultura nordica, finnica, quasi animista (l'Estonia è rimasta pressoché priva della presenza di una religione di Stato, e impervia alle penetrazioni del Cattolicesimo), quanto una forma incisiva di surrealismo e di riflessione simbolista sulle istanze e le storture della società contemporanea, che ha visto il passaggio della piccola nazione baltica dalla dittatura comunista straniera al capitalismo sfrenato, per quanto internamente imbrigliato in maniera più attenta che altrove.

from Lucca Animation 2008

20.4 ALEKSANDR PETROV

2010-01-03T03:12:00.000-08:00

Artista di fama mondiale, Aleksandr Petrov usa definire la tecnica con cui realizza i suoi lavori «la via più breve dal cuore all’opera animata». Dipinge le sue storie con le dita, ricorrendo al pennello solo in casi eccezionali: per un minuto di film è necessario dipingere circa mille “quadri”. Ciascuno di essi prende vita dalle modifiche apportate nel precedente in un costante divenire di forme, colori, ombre e luci. Dinanzi allo sguardo dello spettatore scene intense mutano una nell’altra quasi per magia, fondendosi in una composizione cinematografica di straordinaria bellezza. Attraverso l’incanto dell’animazione e un delicato romanticismo, Petrov ci racconta atmosfere e suggestioni di opere e motivi della letteratura classica.

...così l'associazione ASIFA Italia presentava circa un mesetto fa la partecipazione del regista russo al "Sottodiciotto Filmfestival" di Torino.

Nato nel 1957 a Prečistoe, distretto di Jaroslavl’, (Russia), Aleksandr Petrov è oggi il protagonista indiscusso dell'animazione russa. Frequenta i primi studi all’Istituto d’arte di Jaroslavl (dove oggi risiede e dove ha da poco aperto i propri studios), per poi passare al rinomato Istituto di cinematografia VGIK di Mosca, dove diviene allievo di Ivan Ivanov-Vano.

Queste le sue opere dai frames oleati:

"Korova" ("La mucca") 1989; Vasja vive in campagna con i genitori. Accudisce con amore la loro mucca e il vitellino appena nato. Ma un giorno il piccolo vitello, malato, scomparirà… Tratto dall’omonimo racconto di Andrej Platonov, è il primo cortometraggio del regista.

"Son smešnogo čeloveka" ("Il sogno di un uomo ridicolo") 1992; Dal racconto omonimo di Fëdor Dostoevskij. Il protagonista decide di suicidarsi, ma, poco prima dell’atto estremo, cade addormentato. Sogna di un mondo perfetto, dove tutto è pace e armonia. La sua presenza, però, corrompe quel magico equilibrio, suscitando terrore e odio. Un delirio? Un’allucinazione? Il film ha ottenuto numerosi riconoscimenti internazionali tra cui il Premio per il miglior cortometraggio al Festival di Annecy nel 1993 e il Premio speciale ASIFA.
"Rusalka" 1996; Ispirato all’omonimo dramma in versi incompiuto di Puškin e, più in generale, a una complessa figura della mitologia slava, la rusalka, ossia lo spirito di una fanciulla morta prematuramente o innaturalmente per suicidio – di solito annegamento – a causa di un amore infelice e riemersa nel mondo dei vivi in cerca di vendetta. Un vecchio monaco viene assalito dai fantasmi del passato e dal ricordo di una ragazza cui aveva fatto un grave torto, quando il suo giovane novizio viene sedotto da un’irresistibile ninfa del mare… Oltre a numerosi riconoscimenti, il film ha ottenuto il Gran Premio a Cinanima nel 1997 e la nomination all’Oscar nel 1998.

"Starik i more" ("Il vecchio e il mare") 1999; Dall’opera di Ernest Hemingway, le avventure in mare del vecchio pescatore Santiago tra speranza, coraggio e solitudine. Uno straordinario viaggio nel rapporto che lega l’uomo alla natura. Un’atmosfera di tensione e sentimenti profondi interpretata con magistrale genio pittorico. Premio Oscar 2000.

"Moja Ljubov’" ("Il mio amore") 2006; Tratto da una novella di Ivan Šmeliov del 1927: nella Mosca pre-rivoluzionaria dell’Ottocento, poco più di un villaggio, un ragazzino è alle prese coi primi palpiti e tormenti amorosi, diviso tra una matura donna-vampira e una dolce coetanea. Il film, dipinto a olio su lastre di plastica trasparente con le dita, poi illuminate da dietro e sovrapposte (20 per ogni fotogramma) a creare un effetto di incredibile movimento e intensità, ha richiesto tre anni di lavoro ed è stato candidato all’Oscar nel 2008.

trame from ASIFA Italia

20.3 YURI NORSTEIN

2010-01-02T19:24:00.000-08:00

Yuri Norstein è oggi considerato il più grande animatore russo di tutti i tempi...

Nato da una famiglia ebrea nel settembre del 1941 ad Andrejevka, un villaggio della provincia di Penza Oblas, ben presto dovette emigrare con la sua famiglia a nord di Mosca, dove si stanziò in un vecchio caseggiato. La sua infanzia fu molto travagliata, poiché si trovò a vivere il crudele regime stalinista, che più volte perseguitò la stessa famiglia Norstein; in seguito alla morte del padre, tipico operaio forzato, Yuri decise di dedicarsi completamente all'arte animata, abbandonando il suo lavoro (di progettazione di casse di imballaggio per mobili) e frequentando un corso di animazione presso la Soyuzmultfilm, il più importante studio d'animazione dell'URSS (fondato a Mosca nel 1935).

Qui lavora come animatore in quasi 50 films, prima di poter codirigere con Arkadi Tyurin nel 1967 la sua prima pellicola, "25th October- The First Day" ("25 ottobre - Il primo giorno"); rievocazione degli inizi della Rivoluzione d'Ottobre, attraverso l'uso di materiale iconografico dell'epoca, a partire dalle opere degli artisti d'avanguardia.

Nel 1970 è la volta di "The Battle of Kerzhenets" ("La battaglia di Kerzents"), codiretto con Ivan Ivanov-Vano; animando antichi affreschi, miniature e icone medievali, il film racconta la storia della vittoriosa resistenza della città di Kerzents contro i Tartari.

Gli anni Settanta sono invece il periodo più prolifico per il regista russo, che, insieme alla moglie Francesca Yarbusova (animation designer di grande talento), dirige opere ovunque riconosciute come esempi di talento e maestria: "The Fox and the Rabbit" - "La volpe e la lepre" (1973); una lepre viene scacciata di casa da una volpe prepotente, e trova l'aiuto di un gallo. "The Heron and the Crane" - "L'airone e la gru" (1974); l'indecisa danza di corteggiamento di un airone e una gru dalle idee poco chiare. La celebrazione in forma di fiaba romantica della solitudine e dell'incomunicabilità. "The Hedgehog in the Fog" - "Il riccio nella nebbia" (1975); un piccolo riccio, diretto a far visita all'amico orsetto, si perde nel bosco nebbioso e fra le seducenti visioni che nasconde. L'immaginazione come approccio alla vita.

Ma è nel 1979 che Yuri raggiunge il massimo della sua capacità di espressione artistica, facendo di un intruglio malinconico di puppet animation, découpage, olii ed altri espedienti da seppuku un'opera talmente inquietante, che la sua visione quasi disturba la quiete passiva dello spettatore, costretto a immergersi in un collasso di immagini su sottofondi musicali provocanti brividi non agghiaccianti ma ghiacciati (privi di emozioni). Ebbene questo ibrido innaturale, morfologicamente perverso, che ha dato vita a non poche contraddizioni da parte del Goskino (la Commissione statale di cinematografia dell'URSS, con funzioni prevalentemente censorie), fu considerato in occasione delle Olimpiadi dell'Animazione di Los Angeles (1984) il miglior film d'animazione di tutti i tempi. Sto parlando di "Skazka Skazok" - "Tale of the Tales" ("Il Racconto dei Racconti"), il cui titolo originale era "Il piccolo lupo grigio arriverà" (mutato in seguito ad insistenti costrizioni del Goskino).

Riassumere la trama (così come viene sottolineato su Komix.it) è un'impresa alquanto ardua, dato che la storia non segue un percorso razionale e le visioni e i ricordi che la compongono non sono mostrati secondo un chiaro ordine cronologico, ma si succedono secondo libere associazioni mentali: un piccolo lupo dagli occhi malinconici osserva un neonato succhiare il latte della madre che gli canta una ninna-nanna, un minotauro gioca a saltare la corda con una ragazzina, un bimbo mangia una mela in compagnia di grossi corvi in un paesaggio innevato, alcune donne mentre ballano un tango vedono scomparire uno ad uno i loro uomini chiamati a combattere al fronte.

L'ultima interminabile fatica di Norstein dovrebbe essere un lungometraggio ispirato a "Il cappotto", celebre racconto di Gogol, la cui realizzazione iniziata nei primi anni '80 è ad oggi ancora non finita, poiché sembrerebbe il fattore economico questa volta ad ostacolare il grande maestro russo, che però non demorde; anzi afferma indirettamente (ma volontariamente, a mio avviso) che questo sarà il suo capolavoro...

trame from Lo Spazio Bianco

LA FINE SI AVVICINA

2009-12-31T14:10:00.000-08:00

immaginatevi in un tornado infinito, tra sabbia e terra, detriti e cemento... pensate alla fine, quando arriverà?

...è passato un altro anno... e l'umanità si dirige inesorabilmente verso la fine decadente del provare umane emozioni...

...ed allora, più depresso che mai, Vision vi augura che possiate passare quest'ultimo dell'anno tra canne e foglie di bambù...

20.2 VLADISLAV STAREVICH

2009-12-30T19:48:00.000-08:00

Se Émile Cohl è il padre del disegno animato... allora Vladislav Starevich è il creatore della "puppet animation", cioè dell'animazione di figure tridimensionali.

Nato nel 1882 a Mosca da famiglia polacca, Vladislav, dopo esser cresciuto presso i nonni in Lituania, si appassiona agli insetti e pertanto ben presto decide di realizzare un documentario su di essi, ottenendo eccellenti risultati con coleotteri morti, animati per mezzo del passo uno (stop-motion).

Ed ecco che il mondo scopre la 3D animation (quella in cui sono i pupazzi a farla da padrona)... essa, presente in quasi tutti i lavori di Starevich (poiché sue sono anche sperimentazioni di cinematografia "dal vero"), diviene ben presto "famosa" in tutta la Russia, tanto da attirare l'attenzione dello Zar Nicola II... arriva la Rivoluzione d'Ottobre e il maestro russo espatria in Francia (prima a Parigi e poi a Fontenay-sous-Bois), dove darà vita ad un proprio studio cinematografico indipendente, in cui passerà tra fotogrammi e puppets gli ultimi anni della sua vita (1965).

Della sua molto prolifica produzione sarebbero molti i films da citare... ma in questo piccolo spazio sul web, ne segnaleremo solo alcuni:

"Piękna Lukanida" ("La Bella Lucanide"), narra l'avventurosa lotta tra due coleotteri maschi che si contendono l'amata femmina di Cervo Volante (Lucanus Cervus).
"Per Strekoza i Muravei" ("La Cicala e la Formica"), ispirato alla favola classica nella versione primo ottocentesca di Ivan Krylov.

"Miest Kinomatograficheskovo Operatora" ("La Vendetta del Cameraman"), protagonista ne è il signor Scarafaggio; questi, in viaggio per affari, si reca presso un teatrino di rivista, dove si apparta con una ballerina in una camera d’albergo, sconfiggendo con modi rudi la rivalità del signor Cavalletta, che, ferito nell’orgoglio, riprende con una cinepresa i due amanti appartati. Nel frattempo anche la Signora Scarafaggio, rimasta sola, intrattiene una relazione clandestina, ma è colta sul fatto al ritorno a casa del marito, il quale infuriato bastona l’amante. Per mostrarsi magnanimo decide però di perdonare la moglie e portarla al cinema, ignaro del fatto che l’operatore è il signor Cavalletta, il quale per vendicarsi sta proiettando il filmato fraudolentemente ripreso all’albergo. Viene così umiliato davanti a tutti, e per sottrarsi alle bastonate della moglie deve fuggire sfondando lo schermo.

n.b. questa è la sua opera più illustre ed importante.

"Les Grenouilles qui demandent un roi", tratto dalla favola di Esopo, cui farà seguito "La Voix du rossignol", colorato a mano e che vede sullo schermo come protagonista assieme ai pupazzi sua figlia Irina.

"Le Roman de Renard", realizzato tra il 1930 e il 1939, terzo lungometraggio animato sonoro della storia dopo "Peludópolis" di Quirino Cristiani del 1931 e "Il Nuovo Gulliver" realizzato nel 1935 in stop-motion in Unione Sovietica.

"Fatiche", un pupazzo che sarà protagonista di una serie di 5 "movies" per l’infanzia tra il 1933 e il 1937.

post liberamente ispirato a "2) La Nascita del Cinema d'Animazione - Ladislav Starevich"

20.1 RUSSIAN ANIMATION

2009-12-29T07:01:00.000-08:00

Ed eccoci in Russia, ultima tappa prima di lasciare l'Oriente animato...

...in questi 2 o 3 post che seguono sarò breve nel dirvi che l'animazione dell'ex URSS e dell'attuale Federazione Russa ha contribuito come protagonista, direi di quarto grado (dopo USA, Japan e France), allo sviluppo mondiale di quest'arte, della quale in futuro tante saranno le sorprese in cui dovremo imbatterci.

Ed allora partiamo, citando quella che vuol essere l'introduzione a "I Maestri dell'Animazione Russa" (cofanetto di 4 dvd edito nel 2005 dalla Terminal Video):

La scuola di animazione russa nacque nel 1912 quando il cameraman Vladislav Starevich produsse "La Bella Lucanide", film di animazione sugli insetti. Nel 1997, in un angolo da tempo dimenticato dell'archivio di stato, alcuni registi di documentari scoprirono altri film realizzati da Starevich che lo consacrarono come il vero padre dell'animazione russa. Nella serie "I Maestri dell'Animazione Russa" vengono presentati cortometraggi realizzati tra il 1963 e il 1990, tutti originariamente prodotti per il grande schermo e realizzati in modo artigianale. Molti hanno ricevuto le più alte onorificenze cinematografiche internazionali ("Tale of the tales" [1979] di Yuri Norstein è stato riconosciuto come miglior film di animazione di tutti i tempi dalle giurie dei Festival di Zagabria e di Los Angeles) . Altri hanno irritato il sistema di censura sovietico in misura tale da essere accantonati o programmati limitatamente nel periodo della Perestrojka. Un'occasione unica per gustare un esempio di animazione indipendente e militante, carica di ispirazione artistica e di denuncia sociale, legata alla fiaba e al fantastico ma anche alla condizione umana e a suoi valori.

Ebbene dovrebbero essere questi i registi contenuti nei frames dei 4 dvd: Yuri Norstein, Fedor Khitruk, Andrei Khrjanovsky, Lev Atamanov, Eduard Nazarov e Ivan Ivanov-Vano; ma noi ci limiteremo ad analizzare solo Vladislav Starevich, il padre dell'animazione russa, Yuri Norstein, ormai considerato il più grande di tutti i tempi, ed Aleksandr Petrov, la sorpresa, che stranamente non risulta essere presente in questo cofanetto.

n.b.: se ancora non avete questi 4 dvd, è ora che ve li procuriate!!!... non voglio essere insistente, ma 50 euri non sono poi così tanti!!!

19.1 KOREAN ANIMATION

2009-12-28T21:35:00.000-08:00

Cari lettori e spettatori che ogni giorno vi perdete tra le righe "post"rutturali di Vision... il nostro cammino interplanetario in Giappone è contestualmente terminato, almeno per ora, e quindi la vostra guida si appresta a portarvi in Korea alla scoperta di nuove frontiere animate...

Oggi l'animazione coreana sta progressivamente ritagliandosi uno spazio sempre più significativo nel mondo cartaceo inchiostrato di CG... ed è quindi mio dovere inventariarvi qui di seguito quelli che sono i prodotti "made in Korea" (naturalmente inediti in Italia) che più di tutti meritano un posto in questo blog:

"My Beautiful Girl, Mari" è un lungometraggio di 86 minuti, vincitore dell'"Annecy Animation Film Festival 2002", diretto da Seong-kang Lee. Ciò che abbia realmente fatto Lee per ottenere una tale prestazione grafica è a me ignoto, in quanto non si è mai visto un miscuglio di "cell animation", "3D animation" e "rotoscoping" talmente realistico da far risultare il cartone una "non"poesia, acquerellata da personaggi immersi in un viaggio immaginario.

La storia ha come protagonisti due ragazzi che, nel loro quotidiano girovagare, si imbattono in alcune biglie trovate in cima ad un vecchio faro e vengono trasportati in un bellissimo mondo fatto di magia e meraviglia. Qui i due si imbattono in Mari e scappano dalla loro quotidianità e dalle "fatiche" della loro vita rilassandosi e meravigliandosi del loro nuovo mondo.

"Elysium" è un "movie" diretto nel 2003 da Jae-woong Kwon, il quale a differenza del suo collega (sopra già citato) non ha del tutto convinto la critica occidentale. Causa ne è la Computer Graphics, sviluppata maccheronicamente, (basti vedere i volti dei personaggi, privi di microchip emozionali) e la trama, semplice e al tempo stesso eccessivamente complessa. Ma questo non è però un buon motivo per mettere in secondo piano la visione kwoniana.

La storia vede come protagonisti personaggi provenienti da ambienti differenti, sulla terra nell'anno 2113. Troviamo un militare, un ragazzino e un ragazzo consegna pizze alle prese con una cospirazione per distruggere il mondo. Questi, oltre i loro normali impegni, vengono riuniti insieme in un luogo lontano dalla terra, sul pianeta dove vivono gli Elysium, e chiamati come "cavalieri" a proteggere "l'arca". Nel frattempo ogni città sulla terra è ridotta a macerie da un improvviso conflitto di ambito extra-terrestre. Così i quattro "cavalieri", a bordo di futuristici robot alti diversi metri, si ritrovano a combattere contro i robot delle armate degli Elysium per sventare una grande cospirazione.

"Wonderful Days" è invece l'"Akira" coreano, in senso malato del termine, (ovvero l'"anime" coreano che per primo è stato accolto in Occidente come "un dramma futuristico"). Diretto nel 2003 da Moon-saeng Kim, è frutto di una mega-produzione di 10 milioni di dollari, che in soli 86 minuti sviluppa uno spirito decadente e paranoico alla giappomaniera.

La storia, ambientata in un futuro in cui la civilizzazione umana è stata annientata dalla guerra e dall'inquinamento, presenta soltanto poca gente che ha avuto il potere e la tecnologia si scampare al disastro. Quella gente ha costruito l'ultima città umana chiamata "Ecoban". Poichè la relativa fonte di energia è la sostanza inquinante, la gente di Ecoban progetta di distruggere gli abitanti di Marr per ottenere più sostanza inquinante. Contro il progetto di Ecoban si schiera un giovane che desidera ripulire i cieli dalle nubi, per mostrare il cielo meraviglioso alla ragazza che egli ama.

"Empress Chung" è un lungometraggio animato diretto nel 2005 da Nelson Shin, veterano dell'animazione (Simpson, Spider-Man, Batman, Hulk, Fantastici 4, Transformers). Sono ben 7 gli anni che hanno portato alla realizzazione della seguente pellicola, impregnata di un non so che di leggendario; la prima presentata contemporaneamente in Corea del Sud e Corea del Nord, due parti di una stessa nazione divisa da tempo immemorabile.

La storia si rifà ad un vecchio racconto popolare coreano. L'ambientazione è quella del 18° secolo. L'intera vicenda gira intorno a Shim Chung, figlia di Shim Hakku, un vecchio impiegato governativo onesto e leale che lavora per il re. Un giorno questo si rifiuta di unirsi ad un gruppo di ministri corrotti che intendono prendere il potere e spodestare il re, così danno fuoco alla casa e il vecchio Shim Hakku perde la sua vista e gran parte della sua famiglia, ad eccezione della piccola Chung, diventando anche povero a causa della perdita del suo lavoro. Quattordici anni più tardi ritroviamo, in un piccolo villaggio di pescatori, la piccola Chung con suo padre Hakku. La vita del villaggio peggiora per la comparsa, in mare, di un mostro che impedisce ai pescatori di andare a svolgere il loro lavoro, così la devota Chung si offre volontaria per placare la collera del mostro e, nello stesso tempo, cercare di avere in dono dagli dei il ritorno della vista per il padre. Da quì inizia la grande avventura della giovane Chung, tra nuovi amici, guerre e tanto altro ancora.

trame from Animation Italy

LETTERA A BABBO NATALE...

2009-12-25T00:05:00.000-08:00

...Auguri di un Felice NATALE!!!

18.2 BYOUSOKU 5 CENTIMETER

2009-12-23T17:51:00.000-08:00

"Byousoku 5 Centimeter" (anche conosciuto come "5 Centimeters Per Second") è il capolavoro di Makoto Shinkai, che in 60 minuti diviso 3 ("Il capitolo dei fiori di ciliegio", "Cosmonauta", "5 centimetri al secondo") esprime la sua arte, mescolandola poeticamente con petali di ciliegio.

Perfezione... è la parola appropriata per identificare questo viaggio visivo in una malinconia artistica, in cui i disegni sono anima del mondo affascinato dalla separazione paranormale di due individui. Amore e allontanamento... tematiche che la psiche niitsuiana sviluppa nel migliore dei modi, annaffiandole di fiori e di nuvole. I disegni non sono umani (forse fotocopie di menti extraterrestri), le musiche sono sublimi, i colori dovrebbero provenire da pastelli inchiostrati di sillabe stilnoviste... mah non posso credere che tutto ciò che vedo sia frutto di questo Makoto... chi è in realtà Costui?

La trama è tanto semplice quanto genialmente articolata: Takaki e Akari sono due giovanissimi studenti delle scuole elementari, amici da sempre. Tra i due però nasce e via via cresce sempre più un forte rapporto che va consolidandosi e diviene molto più che una semplice amicizia.

L'intesa continua fino a quando Takaki deve trasferirsi improvvisamente per andare a frequentare una scuola di Tokyo mentre Akari deve cambiare abitazione e si stabilirà d'ora in avanti nella prefettura di Tochigi.

Questo è il primo passo dell'allontanamento dei due; in seguito comunque, dopo un altro incontro, si scambieranno promesse e messaggi, mentre vivranno le proprie vite nello scorrere inesorabile del tempo.

E' proprio il tempo, unito alla lontananza, a lasciare che le loro strade si dividano.

"Byousoku 5 Centimeter" (movie)

director, screenplay, storyboard, art director, sound director, producer, 3DCG work, camera, cinematography, color design, editing: Makoto Shinkai

year pr.: 2007

time: 62'-col.

episodes: 3

trama from Jigoku

18.1 MAKOTO SHINKAI

2009-12-23T10:47:00.000-08:00

Makoto Shinkai nasce il 9 Febbraio del 1973 a Nagano col nome di Makoto Niitsu (poi cambiato nel precedentemente già citato). Questi fin da adolescente si dedica con impegno alla sua passione artistica: ovvero il mondo degli "anime e manga" nipponici, e dopo aver frequentato la facoltà di letteratura giapponese all'università... comincia seriamente ad imboccare quella strada non asfaltata che lo porterà, prima da solo, poi con la sua troupe di fiducia, a confrontarsi con il resto del mondo animato, da cui sarà subito accettato come nuovo protagonista del nuovo Giappone.

Il maestro spirituale di Shinkai è stato Miyazaki, che pur non intervenendo concretamente nell'educazione artistica del giovane allievo ha però lasciato le sue indelebili tracce, che infatti ben si notano nelle opere di Shinkai, ormai identificato dai suoi fans (e non) come erede della magia miyazakiana.

Oggi, all'età di 36 anni, il giovane erede ha all'attivo tre cortometraggi: "Other Worlds" (1991), "Egao" (2003), "Neko no Shūkai" (2007); due OAV: "Lei e il suo Gatto" (1999), "La Voce delle Stelle" (2002); due lungometraggi: "Beyond the Clouds, the promised place" (2004), "Byousoku 5 Centimeter" (2007).

n.b. "Egao" e "Neko no Shūkai" vogliono essere due spot televisivi della NHK.

Di seguito la filmografia di Makoto Shinkai. Per comprenderla al meglio potete seguire questo specchietto:

"directors - collaborators, title, year production, time (kind - episodes)"

n.b. la "x" sta per "ignoto" e i "..." indicano continuità.

Per qualunque dubbio potete contattarmi, mediante commento.

Makoto Shinkai, "Other Worlds", 1991, 1'-col. (movie)
Makoto Shinkai, "Lei e il suo Gatto", 1999, 5'-col. (OAV)
Makoto Shinkai, Steven Foster, "La Voce delle Stelle", 2002, 25'-col. (OAV)
Makoto Shinkai, "Egao", 2003, 2'-col. (special)
Makoto Shinkai, "Beyond the Clouds, the promised place", 2004, 91'-col. (movie)
Makoto Shinkai, "Neko no Shūkai", 2007, 1'-col. (special)
Makoto Shinkai, "Byousoku 5 Centimeter", 2007, 62'-col. (movie - 3 ep.)

IBLARD JIKAN

2009-12-18T08:14:00.000-08:00

"è un'esperienza nuova, anzi nuovissima... mai vista e pensata prima del 2007"

In quest'era in cui la CG tenta di dominare e le matite stanno progressivamente consumandosi, ci ha pensato lo Studio Ghibli, su idea di Hayao Miyazaki, a inventare una lampada che non si avvita, una successione di dipinti che prendono vita in una damigiana senza tappo. Ebbene non so come possa aver fatto quel pazzo di Naohisa Inoue a "costringere" il maestro giapponese a dipingere questa poesia visiva senza parole, ma con sole note impregnate su tavole da Kiyonori Matsuo... chissà se in futuro si parlerà di quest'opera come l'inizio della svolta o la fine del (non)nulla...

Ed ecco che ci pensa il sottoscritto a portarvi su Vision... in prima visione italiana... "Iblard Jikan" (cosa non ti aspetti)...

17.1 OTHER JAPANESE MOVIES

2009-12-17T09:21:00.000-08:00

"Dracula" (special)

directors: Akinori Nagaoka, Minoru Okazaki

year pr.: 1980

time: 94'-col.

Nella città di Boston, Dracula incontra la bella Dominy, se ne innamora e la sposa anche se ella è destinata a Satana, suscitando l'ira vendicativa di quest'ultimo. Il figlio Janus morto durante il battesimo, rinasce per volontà di Dio per dare la caccia al padre. Ma alla ricerca di Dracula ci sono tre individui, il prof. Harker, Jenny e Frank Drake, decisi ad ucciderlo ad ogni costo...

"Kenshin Samurai Vagabondo: Memorie Del Passato" (OAV)

director: Kazuhiro Furuhashi

year pr.: 1999

time: 30' ep.-col.

episodes: 4

La storia di come il giovane Shinta diventi prima l'assassino Battosai e poi il samurai Kenshin, protagonista dell'omonimo manga, è magistralmente narrata, con dolore e poesia, mescolando introspezione psicologica e feroci combattimenti a colpi di katana. Rispetto alle usuali vicende di Kenshin, è stata del tutto eliminata la componente umoristica ed è stato adottato un character design più adulto, perfettamente in tono con le vicende narrate, con animazioni di buon livello, che si accompagnano ad una regia piuttosto ispirata. Il tutto ulteriormente impreziosito da una eccezionale colonna sonora, che contribuisce in maniera determinante a coinvolgere e commuovere lo spettatore...(da recuperare assolutamente!!!)

(from SpazioFilm)

"Final Fantasy: The Spirits Within" (movie)

directors: Hironobu Sakaguchi, Motonori Sakakibara

year pr.: 2001

time: 106'-col.

La dottoressa Aki Ross, perseguitata da un incubo ricorrente, è impegnata nella ricerca di una possibile arma di difesa contro l'invasione della Terra da parte di una pericolosissima specie di alieni molto simili a dei fantasmi, i Phantoms, il cui contatto è letale. Contagiata anche lei da questi alieni si unisce ad una squadra militare, capitanata da Gray Edwards e chiamata "deep eyes", che si vedrà costretta ad andare contro la volontà del generale Hein, quando questo opta per una soluzione drastica che potrebbe distruggere completamente la Terra...

"You're Under Arrest: The Movie" (movie)

director: Junji Nishimura

year pr.: 1999

time: 90'-col.

Sono le 8:45 e Natsumi è già in ritardo di un quarto d'ora, un importante appuntamento di lavoro l'aspetta; non c'è tempo da perdere e allora via a tutto gas sul motorino, in barba al codice della strada... Natsumi pensa di farla franca ma una poliziotta in auto la segue finché, complice un gatto che attraversa la strada non proprio nel momento migliore, la fuga di Natsumi si conclude miseramente con una scivolata e con una salata multa per le innumerevoli infrazioni commesse. È così che Natsumi Tsujimoto conosce Miyuki Kobayakawa e nonostante l'inizio non sia dei migliori fra le due ragazze nascerà una profonda amicizia, visto che l'appuntamento di Natsumi è... al commissariato di polizia di Bokuto. Natsumi e Miyuki non sembrano convinte di poter lavorare insieme ma...

(from Cartoon Party)

"Parasite Dolls" (OAV)

directors: Kazuto Nakazawa, Naoyuki Yoshinaga, Yasuhiro Geshi

year pr.: 2003

time: 85'-col.

L'anno è il 2034. Nelle labirintiche metropoli del futuro, uomini ed androidi convivono non sempre pacificamente. Per questa ragione la polizia ha istituito un corpo speciale denominato Branch, il cui compito è monitorare l'attività degli androidi, meglio noti come Boomer. Il gruppo è formato dal caposezione Takahashi, dal suo ex compagno di studi Buzz, dalla bellissima Angel, dal genio dell'informatica Myers, dal boomer Kimball e dalla giovane recluta Michaelson. Le loro indagini li portano ad investigare su una misteriosa droga che sembra far impazzire i Boomer, su un serial killer di prostitute androidi ed infine sui folli progetti di un politico senza scrupoli...

(from SpazioFilm)

"xxxHOLiC Il Film: Sogno di una notte di mezza estate" (movie)

director: Tsutomu Mizushima

year pr.: 2005

time: 60'-col.

Una giovane donna chiede a Yuko di investigare sulla sua casa, nella quale non può più entrare per qualche misterioso motivo. Nella stessa casa è in corso un'asta per collezionisti fanatici, a cui è stata invitata anche Yuko. Questo sembra essere il vero motivo per cui la strega si trova in questa villa, mentre la presenza di Watanuki e Domeki viene attribuita alla missione che devono svolgere. Nel frattempo, uno dopo l'altro, i collezionisti cominciano a scomparire, e ogni notte accadono strani avvenimenti...

"Melanzana - Un'estate in Andalusia" (movie)

director: Kitaro Kousaka

year pr.: 2003

time: 45'-col.

Lo stile Ghibli è inconfondibile. La qualità MadHouse è indiscutibile. Kousaka può essere una sorpresa, ma in fondo non lo è. Supervisore e direttore delle animazioni per oltre un ventennio in quello studio in cui letteralmente "si crea la magia" nella terra del sol levante: lo Studio Ghibli. La storia che da vita a questo mediometraggio è tratta direttamente dal manga di Kuroda, una storia che ha poco, anzi nessun sapore della terra del sushi e porta sullo schermo sapori ma anche odori di una terra a noi più vicina: l'Andalusia. La cultura di uno sport tutto europeo, le tradizioni locali e le vicende personali rappresentano i punti cardini dell'intera storia. Questo giorno per la piccola località del sud della Spagna è speciale. La "vuelta", il giro di Spagna, passa proprio per le vie cittadine ma l'esaltazione è solamente per Pepe, il corridore professionista che è nato e cresciuto proprio in quelle vie. Il giorno è importante anche perché il fratello di Pepe, Angel, si sposa con l'ex fiamma del ciclista, Carmen. Questioni personali dunque si mischiano a problemi d'ambito lavorativo. Quella squadra ciclistica di cui lui è gregario infatti vorrebbe sacrificarlo, ma la sorte vuole che...

(from Animation Italy)

"Spirit of Wonder - Scientific boys club" (OAV)

director: Takashi Anno

year pr.: 2001

time: 90'-col.

episodes: 4

Anno 1958. Il club dei giovani scienziati celebra i 50 anni dalla fondazione. Gordon Cooper e Shepard, non più giovani, decidono di realizzare il sogno che li ispira fin da ragazzini: sbarcare su Marte. Un libro scritto dalla figlia di Gordon "La teoria della corrente eterea" potrebbe trasformare quel sogno in realtà...

"La ragazza che saltava nel tempo" (movie)

director: Mamoru Hosoda

year pr.: 2006

time: 98'-col.

Makoto Kanno è una ragazza all’ultimo anno delle superiori, non intelligente ma neppure stupida, poco portata nei lavori manuali ma neppure del tutto imbranata, che se la cava grazie ad una buona dose di fortuna quotidiana. In una delle giornate più sfortunate della sua vita - un evento per un tipo fortunato come lei e che crede nella propria buona sorte - trova nel laboratorio di chimica uno strano oggetto a forma di noce. In seguito, tornando a casa, si rompono i freni della sua bici proprio innanzi ad un passaggio ferroviario, lasciandola andare a tutta velocità contro il treno in corsa . Senza capire bene come, l’istante prima di morire, si è però catapultata indietro nel tempo ed ha evitato il mortale incidente. Da qui scoprirà di aver acquisito la capacità di viaggiare nel tempo e ne farà uso ed abuso cercando di gestire al meglio la sua vita ed evitare situazioni imbarazzanti o fastidiose. Frattanto...

(from Animeye)

"Mind Game" (movie)

director: Masaaki Yuasa

music director: Shinichiro Watanabe

year pr.: 2004

time: 104'-col.

Gioco della mente, mente che gioca, giochi di mente, gioco de-mente. Queste sembrerebbero essere le definizioni più appropriate per descrivere in qualche modo l’incredibile, folle "Mind game", film d’animazione giapponese realizzato dalla casa di produzione indipendente STUDIO 4°C che ha curato, fra l’altro, le animazioni di Steam Boy di Ôtomo e il progetto d’animazione legato a "Matrix" ovvero "Animatrix".

Uscito nelle sale nipponiche nell’estate del 2004 e adesso commercializzato in DVD con annesse interessanti interviste agli autori, il film è qualcosa di assolutamente unico anche nel pur così variegato mondo dell’anime giapponese. E’ un game appunto, un giocare prima di tutto con gli stili, con il concetto stesso di animazione, uno straripare di immagini e di idee: a momenti surreali di sapore quasi toporiano si alternano scene brevissime di una tristezza e di una caducità tutta giapponese. Il regista Yuasa Masaaki (già autore...(vi consiglio vivamente di continuare a leggere!!!)

(from NeoNeiga)

"Tekkonkinkreet" (movie)

director: Michael Arias

year pr.: 2006

time: 111'-col.

Treasure Town, metaforica città del Giappone, in un'epoca imprecisata, che dal tipo di auto in circolazione potrebbero essere gli anni sessanta. Sullo sfondo di una città che muta velocemente anche per opera della yakuza e di oscuri e cinici faccendieri stranieri, la lotta per la sopravvivenza ed il predominio di due giovanissimi fratelli orfani, Nero (Kuro) e Bianco (Shiro), che hanno nella strada il loro regno ed in una casa sul mare il loro sogno. Messi alle strette da Il Serpente, un imprenditore forestiero senza scrupoli che ha al suo servizio tre misteriosi ed imbattibili sicari, e che vuole trasformare Treasure Town in un immenso luna park mangiasoldi, i due fratelli sono costretti a separarsi. Bianco viene preso sotto la loro custodia da due poliziotti, mentre Nero, nell'affrontare la minaccia del Serpente, conosce la parte più oscura e violenta di sé, Il Minotauro, rischiando di perdersi per sempre. Sarà proprio l'amore fraterno a salvarlo dalla dannazione...

"Kakurenbo: Nascosti nel buio" (movie)

director: Shuhei Morita

year pr.: 2004

time: 25'-col.

C'è una strada in un'oscura e desolata città. Quando tutte le luci si spengono, seguendo un percorso particolare, si può arrivare in un posto accessibile soltanto ai bambini dove ha inizio un gioco. Il "Kakurenbo" (Nascondino) è però un gioco pericoloso, si dice infatti che i bambini che ne prendono parte spariscano uno ad uno...

"Pale Cocoon" (OAV)

director: Yasuhiro Yoshiura

year pr.: 2006

time: 23'-col.

E' un futuro lontano quello in cui troviamo il nostro pianeta completamente ricoperto da una ciclopica e opprimente struttura artificiale. Un futuro tanto lontano che si è persa la memoria di quando si è verificata la sconosciuta catastrofe che ha costretto l'umanità a rifugiarsi nelle profondità del bozzolo metallico che ora rappresenta la sua abitazione e che un tempo era un pianeta dai colori ben più vivaci della luce pallida e estraniante che ora lo caratterizza. E' alla ricostruzione di questo passato oramai ignoto e perduto che gli Archeologi lavorano negli strati superiori della struttura, nella continua ricerca, ricostruzione e catalogazione di brandelli di dati informatici: ultime vestigia di un mondo che non è più. Testi, Audio/video a volte... e immagini: un esplosione di colori e paesaggi ormai sconosciuti che fanno bella mostra di loro in netto contrasto col circondario nella postazione di Ura, forse l'unico addetto ancora...

(from AnimeClick)

IN 10.000 SU VISION!!!

2009-12-07T05:33:00.000-08:00

un traguardo tanto atteso è stato finalmente superato...

...grazie ai 10.000 bencapitati che in questi 9 mesi hanno popolato le pagine di Vision... e a tutti i viaggiatori del web che ogni giorno trascorrono parte del loro tempo internettista tra i fotogrammi del mio blog!!!

n.b. giusto per dare due numeri, facendo altrettanti calcoli, risulta che il traffico web giornaliero è di 36 visitatori e 71 pagine viste (davvero non male!!!)

thanks...thanks...thanks...

16.4 OTHER JAPANESE TV SERIES

2009-12-01T10:29:00.000-08:00

"FLCL" (OAV)

directors: Kazuya Tsurumaki, Masahiko Otsuka, Shouji Saeki, Takeshi Ando

fellow mechanical design director: Hideaki Anno

year pr.: 2000

time: 30' ep.-col.

episodes: 6

La nostra storia inizia con l'arrivo di una strana ragazza sulla vespa nella città di Mabase. La ragazza in questione è Haruhara Haruko, che sembra stia cercando qualcosa di molto importante per lei; ma per torvare questo qualcosa colpisce sulla fronte chiunque si trovi sul suo cammino, con il suo basso viola. Una delle vittime di Haruko (o "Donna Vespa", tale è il nome che le viene affibiato in città) è il dodicenne Nandaba Naota, il quale viene colpito sulla testa mentre stava passeggiando con la sua amica Samejimi Mamini.

Dopo quella botta a Naota iniziano a crescere strani bozzi sulla testa, che fanno di certo pensare a qualcosa di innaturale. A complicare la vita del ragazzo...

(from Flcl)

"Cyborg 009" (TV 1)

director: x

original creator: Shotaro Ishinomori

year pr.: 1968

time: 25' ep.-col.

episodes: 26

L'organizzazione del Fantasma Nero trama nell'ombra (e dove se no?) piani per conquistare il mondo. A tale scopo produce e vende armi micidiali tra le quali i cyborg, uomini tramutati in macchine, spietati ed efficaci. Creatore di queste creature è il professor Gillmore. Le perle della sua collezione sono 9 cyborg, ciascuno con le sue peculiarità. Ma...come nelle favole, un giorno il professor Gillmore e le sue creature si ribellano al giogo del Fantasma Nero ed iniziano a combatterlo dando vita ad uno scontro senza tregua di cui non vi anticipo il finale, comunque intuibile...

(from lukaweb)

"Prendi il mondo e vai" (TV)

director: Gisaburô Sugii

year pr.: 1985-1987

time: 26' ep.-col.

episodes: 101

La vicenda di "Touch" nasce dal triangolo d'amore fra Tatsuya, Kazuya e Minami, tre studenti delle scuole medie. Tatsuya e Kazuya Uesugi (in Italia, Tom e Kim) sono fratelli gemelli e fin da piccoli passano buona parte della giornata insieme alla coetanea vicina di casa Minami Asakura. Col passare del tempo, però, il sentimento iniziale di amicizia che lega i tre ragazi muta in qualcosa di più profondo, tanto che Minami, anche se si affretta sempre a negare, è ormai ritenuta da tutti la ragazza di Kazuya così che Tatsuya, nonostante provi anch'egli qualcosa per Minami, è costretto ad arrendersi all'evidenza. In realtà...

(from Cartoon Party)

"L'ape Maia" (TV 1)

directors: Hiroshi Saitô, Mitsuo Kaminashi, Seiji Endô

year pr.: 1975-1976

time: 30' ep.-col.

episodes: 55

Dopo la nascita, Maia, una piccola ape dai capelli ricci e biondi, verrà affidata alle cure di un'ape adulta, Cassandra. Essendo molto curiosa Maia si allontana dall'alveare e inizia a scoprire il mondo a modo suo in compagnia del suo migliore amico Willi, un piccolo fuco. I due amici inseparabili visiteranno posti nuovi e magnifici, con l'aiuto di altri insetti tra cui: Flip, una cavalletta, e Alessandro, un topo, che li aiutano sempre, Kurt lo scarafaggio, Tecla il ragno e Max il lombrico...

"Belle e Sebastien" (TV)

director: Kenji Hayakawa

year pr.: 1981-1982

time: 30' ep.-col.

episodes: 64

E' la storia del piccolo Sebastien, un ragazzino che vive insieme al nonno in un piccolo paesino sui Pirenei. Sebastien è un ragazzo che malgrado le attenzioni del nonno sente molta tristezza a causa della lontanaza della madre che lavora in un circo e che quindi è soggetta a continui spostamenti. Un giorno Sebastien trova un bellissimo cagnone bianco, che chiamerà Belle. Ben presto capisce che quel docile cane è ricercato dalla polizia in quanto...

(from Cartoni Online)

"Freedom" (OAV)

director: Shuhei Morita

storyboard, character design, mecha design: Katsuhiro Otomo

year pr.: 2006

time: 30' ep.-col.

episodes: 7

Takeru è un pilota da strada (goloso di tutti i tipi di cup noodles) che nel 2267 vive - come la maggior parte dell'umanità - sulla Luna, dentro un'enorme cupola megalopoli detta Eden, 226 anni dopo un terribile cataclisma che ha devastato la civiltà sulla Terra. In seguito alla scoperta di alcuni segreti celati dietro la costituzione della nuova società lunare, il ragazzo e la sua banda diventano dei fuggitivi ricercati...

(from Deastore)

"Pokémon" (TV 1)

directors: Masamitsu Hidaka, Norihiko Sudo

year pr.: 1997-2002

time: 25' ep.-col.

episodes: 276

E' la storia di Ashe, l'allenatore di Pokemon, e dei suoi amici Misty, Brock e dell'immancabile Pikachu. Devono riuscire a vincere il maggior numero di medaglie al fine di poter partecipare al torneo finale della Lega di Johto. Ma devono stare attenti ai loro avverasari del Team Rocket, che tentano in tutti i modi di ostacolarli. Nonostante tutto, Ashe conquista l'ambita Medaglia Piana e grazie al suo Pokèdesk, un manuale in grado di dargli tantissime informazioni sui Pokemon, conoscerà altri nuovissimi personaggi. Come Miltank, un Pokemon simile ad una mucca, il cui latte guarisce i Pokemon feriti, Pineco simile ad una pigna, Bayleef...

(from Cartoni Online)

"Ken il guerriero" (TV 1)

directors: Toyoo Ashida, …

year pr.: 1984-1987

time: 25' ep.-col.

episodes: 109

La storia di Ken il guerriero, meglio noto come Ken Shiro, è ambientata in un desolante mondo post-atomico, dove in seguito ad un devastante conflitto mondiale l'umanità è regredita ad un livello di violenza bestiale, dove i valori come l'amicizia e l'amore sono quasi inesistenti. Ma la Divina Scuola di arti marziali Hokuto è l'unica a custodire ancora gli ideali della lealtà e del rispetto e Ken Shiro ne incarna tutta la sua filosofia, oltre alle sofisticate tecniche di combattimento che...

(from Cartoni Online)

"City Hunter" (TV 1)

director: Kenji Kodama

year pr.: 1987-1988

time: 30' ep.-col.

episodes: 51

Ryo Saeba è un'abilissimo tiratore con la sua fida pistola, un tipo serio, un detective... a prima vista non si direbbe un Don Giovanni... e invece non si lascia scappare mai l'opportunità di uscire con ogni ragazza che incontra! Per quanto riguarda l'ambito professionale, Ryo lavora con Kaori Makumura, sorella del suo ex socio ormai defunto, che convive anche con lui nello stesso appartamento. Ryo è sempre pronto a correre in aiuto di chiunque ne sia disperatamente in cerca (specialmente se si tratta di una bella ragazza...) per poi...

(from Cartoon Party)

"Carletto, il Principe dei Mostri" (TV)

directors: Masaaki Osumi, Eiji Okabe, …

year pr.: 1968-1969

time: 30' ep.-col.

episodes: 50

La serie racconta la storia del piccolo Carletto il principe del Paese dei Mostri, di un lontano pianeta chiamato Mostrilandia, dove si trovano tutti i mostri della fantasia. Il re di Mostrilandia ha aperto una ambasciata in Giappone all'interno di un vecchio castello abbandonato, pertanto ha inviato sulla terra suo figlio Carletto, in compagnia del Conte Dracula, Frankenstein e l'Uomo Lupo. Il Conte Dracula non succhia il sangue delle persone, ma è ghiotto di succo di pomodoro, Frankenstein, detto Frankie è...

(from Cartoni Online)

"Basilisk" (TV)

director: Fumitomo Kizaki

year pr.: 2005

time: 24' ep.-col.

episodes: 24

Nel Giappone medievale, i clan ninja di Iga e di Koga sono vincolati da un patto di non aggressione, firmato dopo quasi quattrocento anni di guerra dal signore feudale Hanzo Hattori nell'era Tokugawa. Nonostante questa situazione, i due eredi di queste casate, Oboro di Iga e Gennosuke di Koga, sono seriamente decisi a sposarsi, dopo aver ottenuto anche il permesso dai loro parenti. Il patto di non aggressione viene però spezzato dal membro più anziano dei Tokugawa, Leyasu, lo shogun, che decide...

"Wolf's Rain" (TV) / "Wolf's Rain" (OAV)

La storia è ambientata in un futuro prossimo, quando la terra si prepara ad affrontare una nuova glaciazione, cosa che porterà all'estinzione di parecchie specie animali. Fra queste ci sono i lupi, ridotti oramai a pochi esemplari che però hanno sviluppato della capacità straordinarie, infatti sono dotati di una intelligenza pari a quella umana e possono assumere le sembianze degli uomini, cosa che li consente di confondersi fra la popolazione. Molti di loro si sono abilmente integrati nella città di Freeze City e nascondono la loro vera identità, ma non Kiba, un lupo fiero e ribelle, che non accetta l'idea...

(from Cartoni Online)

directors: Tensai Okamura, Koji Sawai / director: Tensai Okamura

year pr.: 2003 / year pr.: 2004

time: 30' ep.-col. / time: 30' ep.-col.

episodes: 26 / episodes: 4

"L'Uomo Tigre, il campione" (TV 1) / "L'Uomo Tigre II" (TV 2)

La storia dell'Uomo Tigre è quella di Naoto Date, un orfano cresciuto nell'istituto "Chibikko House", che con l'inganno viene preso da una organizzazione malavitosa chiamata "La Tana delle Tigri". Il loro scopo è quello di addestrare i ragazzi alla lotta libera e al wrestling, con dei metodi crudeli e cinici allo scopo di renderli così feroci da poter guadagnare sulle loro vittorie nei vari combattimenti. Gli allenamenti sono delle vere e proprie torture, con lotte all'ultimo sangue e combattimenti contro animali feroci, in modo che possa emergere il vero campione, per "selezione naturale". Naoto Date riesce a superare tutte le tremende prove e diventa il primo lottatore della "Tana delle Tigri". Per nascondere la sua vera identità durante i combattimenti si nasconde il volto con una maschera di Tigre e si fa chiamare "Tigerman", "L'Uomo Tigre". Inizialmente...

(from Cartoni Online)

director: Takeshi Tamiya / directors: Kozo Morishita, ...

year pr.: 1969-1971 / year pr.: 1981-1982

time: 23' ep.-col. / time: 30' ep.-col.

episodes: 105 / episodes: 33

16.3 OTHER JAPANESE TV SERIES

2009-11-29T07:42:00.000-08:00

"Mimì e la nazionale di pallavolo" (TV)

directors: Yoshio Takeuchi, Eiji Okabe, Fumio Kurokawa

year pr.: 1969-1971

time: 30' ep.-col.

episodes: 104

Tutto ha inizio quando Mimì Ayuhara e la sua migliore amica Midori, che giocano nel Fujimi (la squadra della scuola), vengono scelte per entrare a far parte della Nazionale Juniores, impegnata nel campionato Mondiale che si svolgerà in America. Ad informare le due giovani amiche è il loro allenatore Ongo, il quale non mancherà di incoraggiarle in vista del faticoso periodo di allenamenti che dovranno affrontare nel Liceo di un'altra città. Nella nuova scuola Mimì e Midori ritrovano due care amiche, Caterina e Maddalena, e fanno la conoscenza di Sonia: giocatrice di pallavolo tanto brava quanto superba! Ma ancor peggio scoprono che il loro allenatore e Diego Nacchi (il Mister), temutissimo per i suoi metodi durissimi: egli infatti metterà a dura prova le giocatrici, sottoponendole ad allenamenti estremamente faticosi, che assorbono gran parte della giornata delle ragazze. Un giorno Mimì e Midori...

(from Cartoni Online)

"NANA" (TV)

directors: Morio Asaka, Ryosuke Nakamura, Tsuyoshi Matsumoto

year pr.: 2006-2007

time: 30' ep.-col.

episodes: 47

La storia racconta la vita di due ragazze accomunate dallo stesso nome Nana (che in lingua giapponese significa "sette"), dalla stessa età e dalla stessa malinconia, pur con delle personalità decisamente differenti.

Nana Komatsu è una ragazza di 20 anni, allegra, romantica e sognatrice, che ha avuto delle brutte esperienze sentimentali, in quanto è stata fidanzata con Asano, un uomo già sposato e molto più grande di lei. In seguito Nana (soprannominata Hachi), iscrittasi alla Scuola di Specializzazione delle Belle Arti, conosce Shoji, un ragazzo che gli viene presentato dalla sua amica Junko, con il quale instaura una bella amicizia. Con il passare del tempo in Shoji nasce un sentimento d'amore nei confronti di Nana, che però sembra ignorarlo. Intanto...

(from Cartoni Online)

"Occhi di Gatto" (TV 1)

director: Yoshio Takeuchi

year pr.: 1983-1984

time: 30' ep.-col.

episodes: 36

Protagoniste sono le tre sorelle Kelly, Sheila e Tati proprietarie di un ristorante chiamato "Occhi di gatto". Tuttavia le ragazze hanno una doppia vita e la notte, armate di raffinati congegni e di tute acrobatiche, svolgono abilmente la professione di ladre. Il loro scopo è quello di entrare nei musei o nelle gallerie private al fine di rubare importantissime opere d'arte. A dare loro la caccia ci pensa il detective Matthew, un acerrimo nemico che il più delle volte rimane con un palmo di naso di fronte alla scaltrezza di Kelly, Sheila e Tati; ma non sa un particolare molto importante: che la sua amata Sheila è proprio una delle tre ladre...

(from Cartoni Online)

"C'era una volta... Pollon" (TV)

directors: Takao Yotsuji, Hidenori Yamaguchi, Tamiko Kojima, …

year pr.: 1982-1983

time: 25' ep.-col.

episodes: 46

Pollon è una simpatica ragazzina, figlia del dio Apollo, che vive insieme a tutte le divinità mitologiche sul monte Olimpo. La sua massima aspirazione è quella di diventare una vera dea. E' buona e generosa, e cerca di aiutare sempre tutte le persone che si trovano in difficoltà o che hanno qualche problema, sia Dei che umani; ma la sua non completa padronanza dei poteri e la sua ingenuità la portano a combinare un sacco di guai, suscitando le ire di Giove, il re dell'Olimpo, e producendo l'effetto contrario. Anche se un pò stravolte e viste in chiave umoristica, potremo conoscere alcune vicissitudini della storia della mitologia greca. Ci sarà una storia ambientata nell'Ade, conosceremo le ire della dea Atena, la statua del pigmalione, il mitico Atlante che regge il mondo, Apollo, Zeus, Mercurio e tanti altri personaggi mitologici...

(from Cartoni Online)

"Ranma ½" (TV)

directors: Tomomi Mochizuki, ...

year pr.: 1989-1992

time: 30' ep.-col.

episodes: 161

Si tratta della storia di Ranma Saotome, un ragazzo di circa sedici anni che durante un allenamento di arti marziali con suo padre Genma, cadde in una delle Cento Sorgenti Maledette situate in una regione della Cina; da quel momento, secondo un'antica leggenda, si trasforma in una ragazza ogni qualvolta viene a contatto con l'acqua fredda. L'antidoto per questa sua trasformazione è l'acqua calda, infatti, dopo essersi bagnato con questa, ritorna ragazzo. Anche suo padre, dopo essere caduto in un'altra sorgente, deve subire una trasformazione ogni volta che viene a contatto con l'acqua fredda, in questo caso si trasforma in un panda gigante. La leggenda delle Cento Sorgenti Maledette si perde nella notte dei tempi: pare che in ciascuna di queste Sorgenti in passato annegarono diverse persone e animali, pertanto, se un malcapitato cade in una di queste fonti, assume l'aspetto della creatura che perse la vita in quel luogo, perché avviene una fusione tra le due anime. Infatti...

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"Sampei, il ragazzo pescatore" (TV)

directors: Yoshikata Nitta, Eiji Okabe

year pr.: 1980-1982

time: 30' ep.-col.

episodes: 109

Sanpei Mihira è un ragazzo di circa tredici anni che ha la grande passione per la pesca e in ogni episodio cerca di apprendere il maggior numero di tecniche e segreti per diventare un perfetto pescatore, grazie all'aiuto di suo nonno Ippei e del suo maestro Gyoshin. Quello che interessa maggiormente a Sampei non sono tanto le dimensioni del pesce pescato, ma la disciplina interiore per potersi migliorare.

Negli episodi troviamo sopratutto il tema dell'ecologia e del rispetto della natura: come quando Sampei spiega all'irruente Gonbe come pescare senza danneggiare la fauna del fiume. L'obiettivo di Sampei è anche quello di arrivare a pescare il leggendario pesce Takitaro, che tutti dicono sia inafferrabile. Sampei incontrerà...

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"Spicchi di cielo tra sbaffi di fumo" (TV)

director: Kôzô Kuzuha

year pr.: 1995

time: x

episodes: 33

Il protagonista è Romeo, un ragazzino di 10 anni che vive in un paesino della Svizzera, ai confini con l’Italia. La sua famiglia attraversa un periodo di crisi economica, dovuta alla siccità, che non consente a suo padre di pagare i debiti con la vendita del suo raccolto. Romeo, in compagnia del suo inseparabile ermellino Piccolo, tutte le mattina si sveglia all’alba per suonare le campane della chiesa, per poi dirigersi ai campi e dare una mano a suo padre Roberto, nel duro lavoro quotidiano. Purtroppo la pioggia non arriva e l’erba è talmente secca, che basta poco per provocare un incendio. Tuttavia Romeo...

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"Slam Dunk" (TV)

director: Nobutaka Nishizawa

year pr.: 1993-1996

time: 22' ep.-col.

episodes: 101

La serie è la storia di Hanamichi Sakuragi, un ragazzo di 16 anni rissoso e sfortunatissimo in amore. Un giorno nella Scuola Superiore Shohoko conosce la bella Haruko Akagi, una giovane ragazza appassionata di basket. Al fine di conquistare il cuore di Haruko, il ragazzo si cimenta in questo sport e preso da un raptus di arroganza sfida addirittura il capitano del club di basket della scuola, rimediando però una solenne figuraccia. Malgrado tutto Hanamichi riesce ad entrare nel club, insieme ad un altro ragazzo, introverso, ma decisamente formidabile nel gioco del basket: Kaede Rukawa, del quale Haruko è perdutamente innamorata. In tutte queste puntante entusiasmanti, oltre alla rivalità nei confronti di Rukawa, vedremo...

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"Il Tulipano Nero" (TV)

directors: Masaki Osumi, Yoshiyuki Tomino

year pr.: 1975

time: x

episodes: 39

A dire il vero il titolo italiano più corretto sarebbe stato "La Stella della Senna", in quanto è il nome della vera protagonista del cartone; mentre "il tulipano nero" è l'eroe mascherato che nel corso degli episodi avrà sempre minore rilevanza. Ciò che unisce "Lady Oscar" al "Tulipano nero" è l'ambientazione storica relativa al periodo della rivoluzione francese, ma mentre la storia di Lady Oscar ha come sfondo gli intrighi di corte della reggia di Versailles, il Tulipano nero e la stella della Senna combattono da subito per la difesa del popolo contro le prepotenze dei nobili...

(from Cartoni Online)

"Piccole donne" (TV 1)

directors: Fumio Kurokawa, Nobushiki Yamazaki

character design: Yoshifumi Kondô

year pr.: 1987

time: 30' ep.-col.

episodes: 48

La storia si svolge durante la guerra di secessione americana e ha per protagoniste le quattro sorelle della famiglia March: Meg, Jo, Beth e la piccola Amy. Le ragazze vengono seguite dalla loro madre Mary March, una donna saggia che desidera educare le sue figlie nel migliore dei modi. Un giorno George March, il padre delle ragazze, ritorna dal fronte della guerra, dopo aver conseguito una licenza a causa di una ferita al braccio. Felice per il suo rientro a casa, decide di organizzare una scampagnata con la sua famiglia. Le ragazze di divertono a raccogliere fiori e ad arrampicarsi sugli arlberi, ma è proprio qui che Jo scopre dei soldati sudisti in avascoperta. Dopo questo episodio George decide di ritornare a combattere con i nordisti, per difendere la sua famiglia e la sua terra. Durante la guerra...

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"Digimon Adventure" (TV 1)

director: Hiroyuki Kakudou

year pr.: 1999-2000

time: 30' ep.-col.

episodes: 54

Sette ragazzi sono in gita scolastica in un campo di montagna vicino a Tokyo. Improvvisamente una nevicata li costringe a ripararsi in una baita. Alla fine della bufera i ragazzi escono dall'edificio e si trovano davanti ad un'aurora boreale che li sbalordisce. All'improvviso nel cielo si forma un vortice e da esso cadono sette piccoli bolidi lucenti che, dopo essersi schiantati a terra, risalgono in aria fino a che i digiprescelti non li prendono e una gigantesca onda verde li risucchia facendoli arrivare a Digiworld.

Appena arrivati fanno la conoscenza con i loro compagni: Tai...

"Yu-Gi-Oh!" (TV 1)

directors: Hiroyuki Kakudou, Kunihisa Sugishima

year pr.: 1998

time: 30' ep.-col.

episodes: 27

Yugi è un ragazzo timido e buono che con alcuni suoi amici, Joey, Tristan e Téa, si diverte nel gioco delle carte fantasy chiamato "Duel Monster" che prevede la lotta fra due mostri. Al termine della lotta fra le due creature, il vincitore viene nominato il re dei giochi, che in gergo viene chiamato Yu-Gi-Oh. Yugi, che ama risolvere indovinelli ed enigmi, viene a conoscenza di un antico gioco di carte risalente al periodo degli egizi chiamato "Millennium Puzzle". Questo gioco gli è stato presentato dal nonno che gestisce anche un negozio di giocattoli e quindi di carte. Yugi riesce a risolvere il segreto dell'antico "Egyptian Millennium Puzzle" e si trasforma in Yami Yugi, un potente spirito di un antico re egiziano: il più potente Yu-Gi-Oh. Partito per un viaggio al fine di diventare King of Duelists, combatterà...

(from Cartoni Online)

RINO GAETANO

2009-11-28T05:29:00.000-08:00

Salvatore Antonio Gaetano viene al mondo a Crotone, in Calabria, il 29 ottobre del 1950. Lì, inizia a respirare l'aria di una città che gli resterà per sempre nei polmoni. A dieci anni, segue a Roma i genitori, impiegati come portieri di uno stabile in via Nomentana. L'estro crescente di un artista in piena formazione inizia a colpire l'ambiente capitolino. I suoi studi da geometra vengono distratti dal palcoscenico e dai primi approcci alla chitarra. La passione per il teatro (nel "Pinocchio" di Carmelo Bene interpreterà la volpe) come strumento di comunicazione è letteralmente surclassata dall'espressione sotto forma-canzone. Comincia ad esibirsi nello storico Folkstudio di Roma dove conosce molti tra quelli che in seguito saranno suoi "colleghi", come Antonello Venditti e Francesco De Gregori. Il suo scopritore sarà però Vincenzo Micocci (colui che negò nel '78 un'audizione ad Alberto Fortis e al quale lo stesso Fortis dedicò le invettive di "Milano & Vincenzo" e "A Voi Romani").

Nel 1973, la It licenzia i due singoli "I love you Maryanna" e "Jaqueline", incisi da Gaetano con lo pseudonimo di Kammamuri's. L'esordio nel mondo della discografia non è poi così felice. Neppure il suo primo album "Ingresso libero", dato alle stampe nel 1974, riesce ad attirare l'attenzione del pubblico e degli addetti ai lavori. Eppure, il destino gli avrebbe sorriso ben presto. Forse l'Italia non è ancora pronta per la sua sottile ironia, per il suo amore sincero per la vita, per la sua gentile e cortese denuncia. "Tu, forse non essenzialmente tu", vitale passione per l'amore, "Ad esempio a me piace il sud", nel ricordo incancellabile della sua Calabria, e "Supponiamo un amore" sono solo l'inizio di un graduale distaccamento di Rino Gaetano dal cantautorato italiano degli anni 70.

Dodici mesi più tardi, i padiglioni auricolari dei più accorti iniziano a essere stuzzicati dal colore dei suoi testi. Nel 1975, infatti, il singolo "Il cielo è sempre più blu" attira l'attenzione su di lui, nonostante il brano non sia stato mai incluso in nessuno dei suoi sei album. La canzone nasce inizialmente divisa in due parti (probabilmente per l'eccessiva durata per un solo lato del 45 giri), solo successivamente riunite nella "extended version" che tutti conosciamo, di otto minuti e venti. Il testo è un tipico saggio del songwriting di denuncia di Gaetano: "Chi vive in baracca/ chi suda il salario/ chi ama l'amore chi sogni di gloria/ chi ruba pensioni/ chi ha scarsa memoria".

Passa poco, trascorre solo un altro anno, ed ecco un nuovo lavoro. "Mio fratello è figlio unico" segna finalmente l'ingresso di Gaetano nell'olimpo dei cantautori italiani. L'open-track omonima, struggente ballata in bilico tra affetti familiari e denuncia sociale, vanta uno dei testi più ironici e toccanti della scena italiana di quegli anni. Apparenti frasi nonsense come "mio fratello è figlio unico perché è convinto che Chinaglia non può passare al Frosinone" o "perché non ha mai criticato un film senza mai prima vederlo" o "perché è convinto che nell'amaro benedettino non sta il segreto della felicità" diverranno delle strofe cult più per le generazioni successive che per quelle dell'epoca. Ma "Mio fratello è figlio unico" è soprattutto un amaro j'accuse che svela l'animo politico del cantautore crotonese: "E' convinto che esistono ancora gli sfruttati, malpagati e frustrati/ mio fratello è figlio unico sfruttato represso calpestato odiato". Nel disco non mancano anche brani delicati e sognanti come "Sfiorivano le viole", "Cogli la mia rosa d'amore" e "Al compleanno della zia Rosina".

Passati i primissimi anni di carriera e il semianonimato, il giovane Gaetano si incammina verso una sincera e tangibile maturazione, senza lasciare, però, che la candida poesia degli esordi rifugga i brani di "Aida", suo terzo lavoro pubblicato nel 1977. Aumenta il numero dei musicisti, dei collaboratori e migliora la produzione. Un altro album vario, più veloce e ritmato dei precedenti. "Spendi Spandi Effendi" ed "Escluso il cane" sono il degno prosieguo delle passate incisioni, nel solco di un sarcasmo sempre tagliente e mai volgare. "La Festa di Maria", con una chitarra popolare-spagnoleggiante, preannuncia un corposo interesse per queste ritmiche. "Standard", invece, volge lo sguardo al più semplice e pulsante rhythm'n'blues.

La ruvidezza delle corde vocali di Gaetano, unitamente a un'aria sempre più scanzonata e divertita, trovano un decisivo supporto nell'esibizione sanremese. Il cantautore di Crotone sale sul palco del Festival nel 1978 vestito in camicia a righe rosse, frac, cilindro e scarpe da ginnastica, e con "Gianna" conquista il terzo posto dietro ai Matia Bazar e Anna Oxa. E' la consacrazione.

Sempre nel 1978, viene pubblicato "Nuntereggae Più". L'omonima canzone (con la partecipazione di Lino Banfi, anche se Bruno, l'amico di sempre di Rino, giura di essere lui a esclamare "nuntereggaepiù" a ogni strofa del brano) è un colossale sberleffo a ritmo di reggae contro tutto e contro tutti, da Gianni Agnelli alla P2, dalle P38 a Berlinguer (praticamente un sacrilegio nell'epoca in cui tutta l'intellighenzia era devota al Pci), dal giornalismo proto-padano di Gianni Brera allo scandalo della spiaggia di Capocotta (dove venne trovata morta Wilma Montesi dopo un festino a base di stupefacenti in una altolocata residenza, frequentata da importanti politici e noti facoltosi dell'epoca). Il brano viene inciso anche su 45 giri in lingua spagnola, con il titolo di "Corta la cuerda", insieme a "E cantava le canzoni", divenuto per l'occasione "Y cantabas las canzonas". "Gianna", invece, raggiunge la Germania dove, tradotta in lingua tedesca, scala le classifiche sino al ventiduesimo posto, mentre in Italia (accompagnata dalla blueseggiante b-sides "Visto che mi vuoi lasciare"), si piazza al primo posto e vi resta per tutto il mese di marzo.

"Nuntereggae Più" è il disco della svolta. Il pubblico aumenta e Gaetano lascia la It per approdare alla major Rca, con la quale nel 1979 produce il suo quinto album "Resta vile maschio, dove vai?", aperto dal salace brano omonimo firmato da Mogol. Importanti arrangiamenti ritmici, onnipresenti archi e fiati, caratterizzano questo disco. Alcune versioni, tutt'ora in circolazione, recano un errore di stampa: in copertina c'è scritto "Contiene Hai Maria". Il riferimento è, ovviamente, alla canzone "Ahi Maria", altro grande successo del cantautore crotonese, che riprende la sua passione per le ritmiche spagnoleggianti, e decide di inciderla anche in lingua iberica. Non manca il ricordo del suo soleggiato Sud, dolcemente baciato dalle onde del mare, mentre i pescatori ritirano le reti in barca, perché "Anche questo è Sud". E brilla uno dei gioielli satirici del suo repertorio: l'irriverente ballata "Nel letto di Lucia", dove il giaciglio dell'amata diventa un caravanserraglio di ministri, scaldapoltrone, reggimoccolo, colonnelli, sanfedisti, vecchi santi e chiromanti: "Falsifichi assegni cambiando grafia nel letto di Lucia/ dipingi scommetti e ti scordi la via nel letto di Lucia/ guarisce d'incanto la tua malattia nel letto di Lucia/ il prossimo anno ci porto tua zia nel letto di Lucia/ non trovi mai nebbia penombra o foschia nel letto di Lucia/ vorrei ritrovarti vorrei fossi mia nel letto di Lucia".

Gateano entra in una importante fase della sua carriera. Il successo non sembra voler distrarsi e voltargli le spalle. Ancora un passo avanti per il trentenne di Crotone, che resta, però, saldamente ancorato alle sue radici. Sempre nel 1979, registra "Solo con io", inedito mai apparso in un singolo, ma inserito nelle raccolte "Gianna e le altre" e "Superbest". Dopo poco, appare una seconda versione della canzone, più lunga di soli undici secondi e contenuta, unicamente, in "La Storia". Pubblicata postuma, insieme a "Solo con io", è anche "Le beatitudini", registrata nel 1980 e presente in "Gianna e le altre" e "La Storia".

Tornando agli album ufficiali, nel 1980, "E io ci sto" rappresenta l'ennesima conferma del genio compositivo del cantautore calabrese. "Ti ti ti ti" è una dedica a tutti coloro i quali, ascoltando la canzone, sorrideranno sulle note di "a te che ascolti il mio disco forse sorridendo/ giuro che la stessa rabbia sto vivendo/ siamo sulla stessa barca io e te". Accostate all'esordio "Ingresso Libero", le tracce del suo ultimo album appaiono splendida filiazione e degno proseguimento di un cammino artistico che non ha temuto, neppure per in un istante, di arrestarsi, fossilizzandosi.

Nei primi mesi del 1981, il successo lo conduce in tournée con Riccardo Cocciante e il New Perigeo di Giovanni Tommaso. Dalle date del 4, all'Auditorium di Pistoia, e del 5 marzo al Palasport di Novara, nasce "Q Concert", Ep con quattro brani: "Ancora insieme", "A mano a mano", "Aida" e "Aschimilero". "A mano a mano" e "Ancora insieme", quest'ultima in versione live, sono state successivamente inserite anche in "Margherita e le altre", raccolta doppia di Riccardo Cocciante, pubblicata nel 1998.

Nel corso dello stesso anno, Gaetano registra insieme con Maria Monti l'inedito "Al bar dello sport (ovvero sogghigni e sesso)" e "Confusione, gran confusione ovvero il processo", con la Monti, Lucio Dalla, Anna Oxa, Nino Buonocore, Ivan Cattaneo, Perigeo Special e Jenny Sorrenti. Entrambe le canzoni sono parte del concept-work "Alice".

Gli archivi della Rai, inoltre, custodiscono presumibilmente una vera chicca. Nel 1981, infatti, negli studi della Rai, Rino Gaetano e Anna Oxa interpretano un brano composto da Mogol e Battisti, dal titolo "Il leone e la gallina". La notte del 2 giugno dello stesso anno, mentre percorre Via Nomentana a Roma, all'altezza di via XXI Aprile, Rino Gaetano va incontro a una tragica morte. La sua Volvo 343 si schianta contro un camion. Cinque ospedali ne rifiutano il ricovero. La sua salma viene sepolta al cimitero del Verano di Roma. Ironia della sorte, una delle sue prime canzoni del periodo del Folkstudio, "La ballata di Renzo", narrava la storia di un giovane che, a seguito di un incidente automobilistico, non trovava un ospedale che riuscisse a ospitarlo... Rino Gaetano avrebbe dovuto sposarsi pochi giorni dopo.

L'industria discografica provvederà a ricordarlo sfornando raccolte a ripetizione. Nel 2003, esce "Sotto i cieli di Rino", che non aggiunge nulla alla precedente "La Storia" del 1998, se non una discutibile versione remixata de "Il cielo è sempre più blu", a cura di dj Molella, che suscita l'irritazione della maggior parte dei fan del cantautore di Crotone.

Per l'ironia e l'intelligenza dei suoi testi, per il suo songwriting schietto e graffiante, Rino Gaetano merita davvero un posto accanto ai più grandi esponenti della canzone italiana. Il suo universo è affollato di santi che salgono sul rogo "vestiti d'amianto"; di donne immaginarie che filano la lana e fiutano tartufi; di cieli blu e di notti stellate, di amabili puttane e detestabili politici d'ogni schieramento. Irride e commuove, con l'anarchica eccentricità dei poeti cantastorie. L'Italia delle P38 e della strategia della tensione, nelle sue canzoni, diventa un paese surreale, diviso tra fiaba e dramma, passioni sentimentali e contraddizioni sociali. Un paese che Gaetano ha sempre amato, ma che quasi mai l'ha voluto comprendere.

di Emanuele Tirelli

from Onda Rock

Discografia:

Studio

1974 - Ingresso libero (It)

1976 - Mio fratello è figlio unico (It)

1977 - Aida (It)

1978 - Nuntereggae più (It)

1979 - Resta vile maschio, dove vai? (RCA)

1980 - E io ci sto (RCA Italiana)

Compilations

1990 - Gianna e le altre...

1993 - Aida '93

1996 - Superbest

1998 - La storia

2003 - Sotto i cieli di Rino

2005 - Sotto i cieli di Rino-special edition

JOHN DENVER

2009-11-24T07:29:00.000-08:00

Suo padre, Henry Deutschendorf, Sr., era un ufficiale dell'aeronautica americana ed istruttore di volo di origine tedesca. Durante la sua infanzia si spostò spesso negli Stati Uniti, dal Sud-Ovest al Sud.

Da adolescente, ricevette da sua nonna una chitarra acustica Gibson 1910, e dimostrò presto la sua abilità cominciando a suonare nei clubs quando frequentava il college. In seguito adottò il cognome "Denver" in omaggio alla sua città preferita.

Uscito dalla Texas Tech University nel 1964, si spostò a Los Angeles in California e si unì al Chad Mitchell Trio, un gruppo folk music. Lasciò il gruppo, allora conosciuto come Denver, Boise e Johnson, nel 1969 per perseguire la carriera da solista, e realizzò il suo primo LP, "Rhymes and Reasons".

L'album non ebbe particolare successo, ma conteneva, "Leaving, On A Jet Plane", che divenne un #1 portato al successo da Peter, Paul and Mary due anni dopo. Registrò altri due albums nel 1970: "Whose Garden Was This?" and "Take Me to Tomorrow".

Nel 1971 l'album "Poems, Prayers and Promises" ne decretò il successo su scala nazionale. L'album conteneva infatti la canzone "Take Me Home, Country Roads", che ascese al secondo posto nella Billboard charts. Il successo venne confermato dall'album successivo, "Rocky Mountain High". Per tutti gli anni 70 Denver sfornò una serie di album fortunatissimi, conditi da una serie di partecipazioni televisive (registrò addirittura un album insieme ai Muppets). Nel 1977 lo stato del Colorado lo insignì anche del titolo di poeta laureato. Negli anni 80 e 90, pur senza raggiungere le vendite del decennio precedente, la popolarità di Denver rimase molto alta in tutti gli Stati Uniti. Parallelamente alla carriera musicale, Denver portò avanti una serie di campagne ambientaliste e umanitarie.

Accanto alla musica, John Denver coltivava una grande passione per il volo. Pilota esperto, possedeva più aerei. Il 12 ottobre 1997 precipitò mentre era ai comandi del suo Rutan Long-EZ.

Esistono molte versioni riguardanti la dinamica dell'incidente, ma nessuna di esse è mai stata confermata.

from Wikipedia

Curiosità: il singolo "Take Me Home, Country Roads" (sotto riportato) è presente nell'"anime" "Whisper of the Heart" dello studio Ghibli, in cui la protagonista adatta il testo in giapponese.

MASSIMO BUBOLA

2009-11-23T10:33:00.000-08:00

In molti lo ricorderanno come autore di alcune tra le più belle canzoni di Fabrizio De André, da "Andrea" a "Fiume Sand Creek" fino a "Don Rafaè". Qualcun altro ricorderà le sue collaborazioni con Fiorella Mannoia (la celebre "Il cielo d'Irlanda"), Gang, Mauro Pagani, Cristiano De André. Ma sono in pochi a conoscere il Massimo Bubola cantautore, approdato con "Diavoli e Farfalle" al suo nono album. Eppure la sensibilità di questo raffinato cantautore veronese non è comune nel panorama odierno del rock italiano.

"Mi interessa il lato più oscuro dei sentimenti umani - spiega il cantautore veneto -. Racconto storie di amore e morte, invidia e tradimenti, vendette e sconfitte. Mi piace armonizzare gli opposti, bene e male, dannazione e redenzione. E cerco sempre di comporre canzoni con una coscienza sociale, che affondano in qualche modo le radici nelle realtà. Spesso, ad esempio, prendo piccoli fatti di cronaca e cerco di trasportarli in una dimensione epica". Non era, in fondo, quello che ha sempre fatto Fabrizio De André? "Certo, non ho difficoltà ad ammettere che Fabrizio per me è sempre stato un maestro - dice Bubola senza nascondere la sua commozione -. Lui incarnava una tradizione di cultura così profonda... E avevamo ancora tanti progetti artistici insieme. Ora che è caduto come un soldato, qualcuno raccoglierà il suo scudo e la sua corazza. Anche se nessuno può avere la presunzione di considerarsene l'erede".

Massimo Bubola e Fabrizio De André erano amici, oltre che collaboratori dai tempi di "Rimini" (1978). Insieme hanno trascorsi lunghe giornate nella fattoria in Gallura, dove il cantautore genovese riuniva la sua personalissima "tribù". Ma oggi il ricordo è ancora troppo fresco e doloroso. "No, non posso raccontare il rapporto che mi univa a Fabrizio. Posso parlare della sua musica, del suo insegnamento, così importante anche per i giovani. Posso dire che, anche per merito suo, ho capito che per essere realmente "rivoluzionari" bisogna conoscere bene i classici, e che è meglio una bella canzone d'amore di una brutta canzone politica".

Proprio una di queste canzoni d'amore, "Andrea", segnerà il massimo exploit internazionale della ditta Bubola-De André, con inaspettati successi di vendite in Austria e Germania. "Già - spiega Bubola - perché all'estero sono in pochi a conoscere la musica italiana d'autore. Colpa spesso di perversi meccanismi della macchina discografica. Ma qualche volta siamo anche noi musicisti italiani ad avere un ingiustificato complesso d'inferiorità. Per la mia esperienza, posso dire di aver conosciuto Bob Dylan, Michael Stipe, Lou Reed e di aver ricevuto molti complimenti. Ho visto da parte loro molta curiosità per la scena italiana".

Proprio dall'incontro con Lou Reed è cominciata la "gestazione" di "Diavoli e Farfalle". "Ci siamo visti a Conegliano, in Veneto, durante un festival letterario. Abbiamo parlato a lungo di musica e di cultura. Lui osservava in particolare che noi italiani siamo figli del Rinascimento, e che da quel periodo dobbiamo attingere storie e ispirazione".

Per festeggiare i 25 anni di carriera, Bubola ha pubblicato "Il cavaliere elettrico" (2001), doppio album live frutto di registrazioni effettuate tra il marzo '97 e il dicembre 2000. Il disco contiene venti canzoni tra cui "Il cielo d'Irlanda", "Marabel", "Maria che ci consola", altre scritte con Fabrizio De André come "Fiume Sand Creek", "Franziska", "Andrea", "Avventura a Durango", "Una storia sbagliata" e "Hotel Supramonte". "Il cavaliere elettrico" spiega il cantautore, "ripercorre 25 anni della canzone d'autore italiana toccando quasi tutti i generi del rock, dal tex-mex al rock-blues, dal country al rock-folk fino alle plain ballad". Per presentare l'album, il cantautore veneto inizierà una tournee che lo porterà in varie città italiane.

"Il cavaliere elettrico" giunge dopo il successo di "Diavoli e Farfalle", un melange di ballate dolorose e blues travolgenti, riflessioni intimiste e leggende senza tempo. Un disco in cui "ogni lacrima è una storia, ogni lacrima ha una storia", come Bubola cantava già in "Marabel". Canzoni legate a piccoli drammi quotidiani e a grandi storie epiche, che contengono - come nel singolo d'apertura "La ballata dei luminosi giorni" - riferimenti romantici a Tristano e Isotta, Eloisa e Abelardo, a Calibano, simbolo dell'abbrutimento umano, e a Prospero, emblema della magia e dell'innalzamento dell'uomo.

Ma è soprattutto lo spirito di Shakespeare a dare forza alle liriche. Una forza che non teme di dare voce al vecchio corrotto e al negromante, alla balia volgare e all'assassino. E non manca anche una "murder ballad" alla Nick Cave, dedicata all'uxoricida di EmmyLou, che ama follemente la donna che ha ucciso. "Detesto l'amore superficiale delle canzoni pop - racconta Bubola -. Per questo cerco ispirazione nei sentimenti forti e oscuri di Shakespeare, che considero l'uomo più rappresentativo della cultura occidentale. Credo infatti che la sua opera racchiuda in sé tutti gli opposti e tutte le contraddizioni dell'animo umano. E nessuno come lui è riuscito ad apparire classico e moderno al tempo stesso".

E la musica di Bubola? È una miscela universale, che spazia dalle sonorità classiche al folk celtico, dal blues alla canzone popolare, dalla "ballata della redenzione" alla Cohen alle distorsioni acide dei Sonic Youth. Dominano in particolare le chitarre, elettriche e acustiche, ma dietro di loro emergono prepotenti le tastiere, l'organo Hammond, il piano, la batteria. "Il risultato finale - conclude l'artista veronese, che si definisce "un cantante con band" - è frutto di un affiatato lavoro di gruppo, con la Eccher Band, la formazione che mi accompagna da sempre. Loro ormai conoscono a memoria i miei gusti e posso dire che sono riusciti a creare un suono ormai inconfondibile".

"Il cavaliere elettrico vol. III" (2002) è il terzo capitolo del progetto live, con le canzoni accomunate dalla tragicità (il sottotitolo è infatti "storie scure").

Nel 2004 esce, coprodotto con Michele Gazich, il nuovo album in studio, "Segreti Trasparenti". Un buon disco, che alterna ballate di matrice tradizionale come "La sposa del diavolo" e la delicatissima "Jetta ‘a luna" (scritta in napoletano), a canzoni di grande forza introspettiva, come "Stai con me". In più spicca un nuovo inno folk: "La Fontana". La traccia finale, "Tornano i Santi", è arricchita anche dalla presenza di Mark Olson (fondatore dei Jayhawks) e della cantautrice Victoria Williams.

di Claudio Fabretti

from Onda Rock

Discografia:

Studio

1976 - Nastro giallo (Produttori associati)

1979 - Marabel (Philips)

1981 - Tre Rose (Ricordi)

1982 - Massimo Bubola (Cgd)

1989 - Vita morte e miracoli (Ricordi)

1994 - Doppio lungo addio (Mercury)

1996 - Amore e guerra (Cgd)

1997 - Mon Tresor (Cgd)

1999 - Diavoli e farfalle (Cgd)

2001 - Giorni dispari (Eccher)

2004 - Segreti trasparenti (Eccher)

Lives

2001 - Il cavaliere elettrico vol I & II (Eccher)

2002 - Il cavaliere elettrico vol III (Eccher)

2002 - Niente passa invano (Eccher)

UZEDA

2009-11-20T10:44:00.000-08:00

Il gruppo nasce nel 1987, e dopo vari concerti in tutta Italia, firma il primo contratto discografico con l'etichetta romana A.V. arts; con questa registrerà due album: "Out of Colours" del 1989 e "Waters" del 1993. Proprio in questo ultimo lavoro, e specialmente nell'ultimo brano "Big shades and tides", si nota un mutamento del sound adesso indirizzato verso il noise rock. In questi anni, gli Uzeda incontrano il chitarrista degli Shellac, Steve Albini, che produrrà il secondo album della band.

Nell'autunno del 1994, la band firma un nuovo contratto discografico per la casa discografica Strange fruit. In quello stesso anno, gli Uzeda registrano le Peel sessions negli studi di Londra della BBC, nel programma di John Peel; il gruppo è l'unica band italiana, insieme alla Premiata Forneria Marconi, a partecipare al programma. Il disco avrebbe dovuto essere costituito inizialmente da sette tracce, ma in realtà se ne contano in totale sei.

Nel 1995 Giovanni Nicosia lascia il gruppo, e gli Uzeda firmano un nuovo contratto discografico per la Touch and go/Quarterstick Records. Viene pubblicato nello stesso anno "4", il cui titolo è alquanto emblematico; il gruppo è formato adesso da quattro componenti, l'album è il quarto lavoro ed è formato da quattro tracce. Tre anni dopo, nel 1998, esce un nuovo lavoro intitolato "Different Section Wires", dalle sonorità più decise e scarne. Dopo il tour di "Different Section Wires", il gruppo prenderà una pausa che durerà ben otto anni.

Agostino Tilotta, insieme a Damon Che - batterista dei Don Caballero - e a Giovanna Cacciola, continuano la loro attività musicale formando i Bellini, pubblicando due album intitolati "Snowing Sun" del 2002 e "Small Stones" del 2005.

Davide Oliveri e Raffaele Gulisano compongono insieme a Gianna Nannini l'album "Aria" e le musiche per il cartone animato "Momo alla conquista del tempo" di Enzo D'Alò, regista del più famoso "La gabbianella e il gatto".

Dopo la lunga pausa, gli Uzeda tornano sulle scene pubblicando il 12 settembre 2006 il loro sesto lavoro, chiamato "Stella", sempre su etichetta Touch and go/Quarterstick Records.

Nel 2007 Giovanna Cacciola partecipa all'EP dei giapponesi Mono "The Phoenix Tree" come voce recitante nella traccia "Black Rain".

from Wikipedia

Discografia:

Albums

1989 - Out of colours

1993 - Waters

1994 - The Peel sessions

1998 - Different section wires

2006 - Stella

1995 - 4

TRE ALLEGRI RAGAZZI MORTI

2009-11-19T13:01:00.000-08:00

Il chitarrista e fumettista Davide Toffolo iniziò a suonare alla fine degli anni settanta, quando Pordenone, più che altro per la sua vicinanza alla base militare statunitense di Aviano, divenne una delle città più rilevanti per il punk rock italiano. Questo grazie ad un movimento di giovani musicisti pordenonesi chiamato Great Complotto, dal quale usciranno una miriade di piccoli gruppi punk rock e new wave che però avranno quasi tutti breve vita. Tra questi anche i Futuritmi (1983-1990), nella cui formazione, oltre a Toffolo, militava anche Gian Maria Accusani, leader dei Prozac+. I Tre allegri ragazzi morti nacquero, in questo clima particolarmente attivo, per iniziativa di Toffolo e del batterista Luca Masseroni (in arte Luca Casta), ai quali si unirà, per il terzo EP ("Si parte"), il bassista Enrico Molteni. Dopo la pubblicazione di tre singoli, perlopiù ignorati dalla critica, uscì il primo LP del gruppo, "Piccolo intervento a vivo", un album che unisce al suo interno registrazioni live di canzoni già presenti nelle precedenti pubblicazioni, e tracce in studio inedite. L'album richiamò l'attenzione di alcune case editrici, tra cui la BMG Ricordi, che mise la band sotto contratto per il successivo LP, "Mostri e normali". Il sodalizio con l'etichetta durò molto poco, poiché subito dopo i TARM aprirono una loro etichetta personale, La Tempesta, con la quale pubblicarono "Il principe in bicicletta", un EP scaricabile esclusivamente dal sito ufficiale, e i seguenti album in studio.

Nell'ottobre 2005 la band si reca in tour in Uruguay e Argentina, con altri gruppi friulani (Arbegarde, Kosovni Oopadki e Kraski Ovcarji). Nel 2008 la band compare durante un'esibizione in "Come Dio comanda" di Gabriele Salvatores, partecipando anche alla colonna sonora.

La band ha deciso di non donare la propria immagine ai media e di immaginarsi dentro la matita di Davide Toffolo, popolare disegnatore di fumetti, e di nascondersi inoltre dietro maschere/teschio divenute feticcio e simbolo dell'immaginario evocato dai testi e soprattutto dagli spettacoli live, al punto di pregare il pubblico di non scattare fotografie quando levandosele mostrano il viso. Per le poche interviste rilasciate a televisioni più o meno famose si coprono ancora il volto con la medesima maschera.

L'etichetta discografica La Tempesta attualmente pubblica i lavori dei TARM e quelli di altri artisti come Il Teatro degli Orrori, Giorgio Canali, Moltheni e Le luci della centrale elettrica.

A partire dal settembre del 2008, Davide Toffolo lancia sul mercato tre fumetti (pubblicati da Coconino Press) che contengono tutta la serie della sua invenzione più geniale: "Cinque Allegri Ragazzi Morti" (compreso il finale inedito della serie), ognuno dei quali contenente un CD della band di Pordenone. Il Primo CD è il best of dal 2000 al 2007, il secondo contiene delle rarità, il terzo invece "Mondo Naif" album d'esordio della band (1994).

from Wikipedia

Discografia:

Albums

1999 - Mostri e normali

2001 - La testa indipendente

2004 - Il sogno del gorilla bianco

2007 - La seconda rivoluzione sessuale

Live

1997 - Piccolo intervento a vivo

Singles, Demo and EPs

1994 - Mondo naif

1995 - Allegro pogo morto

1996 - Si parte

2001 - Il principe in bicicletta

Compilation

2002 - Le origini

SUBSONICA

2009-11-19T06:35:00.000-08:00

I Subsonica sono nati nella realtà alternativa di Torino, quella dei centri sociali e dei Murazzi. E sono diventati in breve tempo una delle band italiane più promettenti. A un hip-hop di base abbinano una tendenza alla contaminazione con il rock e con una dance per certi versi vicina al trip-hop britannico stile Massive Attack.

I Subsonica si sono formati nel '96 all'ombra dei Murazzi del Po, un quartiere turbolento ma ad alta densità musicale, dove pullulano i locali notturni e i centri sociali. Su queste sponde ha transitato buona parte della musica italiana del dopo-posse. E qui, negli altoparlanti dei club, ogni sera risuona ethnic-music: dal reggae al crossover, dal raggamuffin all'hip hop. Contagiata dalla nuova musica elettronica e dalle sperimentazioni dub ascoltate nei centri sociali all'ombra della Mole, la band ha deciso di miscelarle con formule più convenzionalmente pop. Dai Murazzi, quindi, il grande passo dei Subsonica verso le platee di tutta Italia, anche grazie alla preziosa opera creativa di Casacci, che oltre ad essere il chitarrista del gruppo è anche uno tra i produttori italiani più in voga.

Ascoltano musica psichedelica dei Pink Floyd e quella elettronica dei Chemical Brothers. Oltre a guardare film di fantascienza. "Durante le trasferte in pullman ne approfittiamo anche per leggere, soprattutto libri di Gibson e Sterling - dice Max Casacci, chitarrista e ideologo dei Subsonica - ma vediamo anche molto cinema. Siamo influenzati da tutto l'immaginario fantascientifico da "Blade runner" a "Matrix" a "Ghost in the Shell", la cui colonna sonora è la sigla d'apertura del nostro live. Un'altra cosa che ci piace molto è la fantascienza italiana di serie B come per esempio "A come Andromeda" di Lucio Fulci.".

Ma i Subsonica ormai vanno oltre. Partecipano anche ai dibattiti sui nuovi linguaggi giovanili, come è avvenuto qualche tempo fa nella sede romana dell'enciclopedia Treccani. E non solo. Loro e altri cantautori italiani sono stati coinvolti nell'operazione di Oscar Mondadori che mira a pubblicare testi scritti dagli artisti della musica. "Ci piace mettere in luce alcuni aspetti della nostra città, Torino, far affiorare le relazioni che legano la musica al territorio, narrare storie tra fiction e cronaca, immaginando anche una colonna sonora adeguata". Un obiettivo che Samuel, la voce della band, Boosta, alle tastiere, Pierfunk, al basso, Ninja, alla batteria, e Max hanno già cercato di raggiungere in "Microchip emozionale". "L'album mette in evidenza le due anime del gruppo - spiega ancora Max - Da un lato vivendo a Torino c'è una realtà meccanica e tecnologica di cui la nostra musica risente molto. Accanto a questa esiste un elemento umanizzante quale è la melodia. La città, negli ultimi anni, con il tramonto dell'utopia industriale, ha saputo riscoprire la vita: per esempio sono stati aperti molti luoghi d'incontro".

La loro formula nasce da un compromesso tra il pop da classifica e la sperimentazione tipica di una band alternativa. Una miscela inusuale di pop, reggae, soul e dance. Ma i Subsonica non temono le critiche da parte del pubblico più intransigente: "Non abbiamo paura di andare al di la' della barricata - dicono - e pensiamo che dovrebbero farlo anche gli altri, pur ricordandosi di tornare sempre a casa.".

Sono arrivate così anche le collaborazioni con altri artisti. Nel '97 Antonella Ruggero li volle per registrare una nuova versione di "Per un'ora d'amore" per l'album "Registrazioni moderne", mentre in "Microchip emozionale" è presente il brano claustrofobico "Discolabirinto", scritto insieme a Morgan (Bluvertigo), alle prime luci dell'alba, dopo aver trascorso una folle nottata torinese. Il video realizzato per questo pezzo ha una particolarità: le due band, dando uno sguardo al mondo ovattato dei sordomuti, assicurano che si può ascoltare a "zerovolume".

Sanremo poteva diventare per i Subsonica un terreno scivoloso. Ma la band è molto soddisfatta dei risultati ottenuti all'ultimo Festival ("Ci ha potuto vedere gente che non era mai venuta ai nostri concerti"). E ad aumentare la soddisfazione, c'è anche l'exploit della loro attività su internet. Il loro sito web è stato creato da Ninja in persona, che ha così finalmente potuto sfruttare la sua laurea in ingegnere informatico. La band cerca di tenerlo aggiornato il più possibile. "Abbiamo privilegiato molto lo spazio dell'interattività con le persone che lo visitano - afferma l'ideatore - attraverso cose come la bacheca, la chat o l'e-mail". L'indirizzo è www.subsonica.it.

"Una Polaroid un pò livida di questi ultimi anni, di quanto accaduto nel 2001": così i Subsonica descrivono invece "Amorematico", il loro terzo album. L'enigmatico titolo, inventato dal cantante Samuel, è la crasi dei termini amore, automatico ed ematico. Dopo il disco di platino di "Microchip Emozionale" e la partecipazione all' edizione 2000 del Festival di Sanremo, definitivamente sdoganati dalla scena underground al mainstream, i Subsonica sentono la pressione. "Una pressione - spiega Samuel, l'altra mente della band - che prima abbiamo patito, ma da cui ci siamo liberati tuffandoci nella nostra città alla ricerca di ispirazione: perché Torino, per noi, è un avamposto molto importante di sensazioni da raccontare". Il risultato è un album che gli stessi Subsonica definiscono "introspettivo, attraversato da una sottile inquietudine, una vena livida in cerca di decongestione": che arriva, puntuale, a fine cd, con l' ipnotica coda di deep house totalmente affidata al dj Roger Rama.

"Amorematico" è soprattutto un disco di canzoni, con molto spazio a sezione ritmica, arrangiamenti e testi. "È un disco di oggi - spiega Max - con una ricerca di cucitura di tappe fondamentali del suono italiano dagli anni 70, quando maestri come Morricone dettavano legge con la 'stilosità' del loro sound". L' album si apre col brano "Nuvole rapide", già inserito nella colonna sonora del film "Santa Maradona" dell'amico regista Marco Ponti. Soundtrack cui i Subsonica hanno contribuito anche col loro progetto parallelo Motel Connection, un esperimento formato clubculture ideato da Samuel e dal fuoriuscito Pier-funk. Il nuovo singolo che accompagna l' uscita del disco, invece, è "Nuova ossessione", un pezzo dall'andamento ironico e trascinante, scandito da una battuta disco realizzata in collaborazione coi Krisma, storico duo dub-pop italiano. Il testo, che parte dal racconto di un' infatuazione amorosa, si presta a una duplice lettura fino alla dissertazione sulla manipolazione delle ossessioni, considerate meccanismo di controllo di massa. L' ossessione per l' oggi dei Subsonica diventa palese in brani come "Sole silenzioso", dedicata alle giornate genovesi del controG8, e "Gente tranquilla", incentrata sulle stragi in famiglia. Ospite di quest'ultimo pezzo il rapper marocchino Rachid, che sgrana versiin arabo incarnando "la belva silenziosa, il capro espiatorio, l'uomo nero, l'incubo".

"Controllo del livello di rombo" (2003) cattura dal vivo sei anni di storia della band torinese.

Nel 2005 i Subsonica proseguono con "Terrestre" sulla strada del disco agita-masse, anche un po' politicizzato, come del resto si era intravisto nel precedente episodio ("Gente tranquilla", "Sole silenzioso"). Sono cambiate alcune cose: il gruppo di Torino, che era uno dei fiori all'occhiello della Mescal, la più importante label indipendente del nostro paese, è passato alla Emi.

La novità più eclatante è il ritorno delle chitarre e di una strumentazione più tradizionalmente rock, a scapito di un'elettronica sempre presente, ma decisamente limitata. La partenza di "Corpo a corpo", con una strofa rappata molto aggressiva, seguita da una linea di basso incisiva e convincente, sembra promettere bene, ma già quando si arriva alla scialba "Vita d'altri" si ha la sensazione che i tempi di "Microchip Emozionale" siano finiti per sempre. Un sospetto, in verità, già avuto ascoltando l'orrendo singolo "Abitudine", ma che si trasforma perfino in stupore quando si arriva a "Gasoline", prima canzone in inglese (e si spera ultima) dei torinesi. Un beat iniziale carino (niente di fantascientifico, intendiamoci) viene sepolto da un cantato trascinato che vorrebbe essere accattivante, ma risulta abbastanza triste e patetico.

I Subsonica del disagio e degli amori metropolitani di fine anni 90 si riaffacciano prepotenti in "Incantevole" (il brano migliore) e nella successiva "L'odore", l'unico pezzo aggressivo dell'album. Dopo la cavalcata trip-hop da tangenziale di "Alba a quattro corsie" e l'ottima "Salto nel vuoto", i nostri mettono di nuovo un piede in fallo con "Giorni a perdere": riff dei Sonic Youth più stanchi e giri di hard-rock triti e ritriti. Peccato anche per la ninna nanna acustica finale "Dormi", che cancella il poco di buono fatto in precedenza (l'inizio elettronico di "Amantide").

Troppi alti e bassi, poca convinzione e una pericolosa tendenza al nu-metal all'italiana compromettono un disco sostanzialmente privo di idee, in cui molti brani sembrano scritti solo per trascinare il pubblico ai concerti. E qualcuno spieghi ai Subsonica che una canzone come "Tutti i miei sbagli" si scrive una volta sola.

Nel 2007 "L'Eclissi" segna un ritorno al passato fieramente elettronico della band, ma ne acuisce il carattere retrofuturista: sound algido, cyberpunk, ma intarsiato di citazioni ed echi del passato.

I beat squadrati e dirompenti riprendono il dominio, ma è la chitarra l'"eminenza grigia" dell'album. Discreta, essenziale, cesella consapevoli cliché che finiscono immediatamente rifratti, replicati come moduli del pattern ritmico. Ne ho scritto da poco in riferimento a Why?: l'essenza di tanta arte di oggi sta nel suo rapporto col passato. Il recupero del passato passa attraverso riprendere lo stilema disco più stereotipato ("Nei nostri luoghi"), figure morriconiane ("La Glaciazione"), sciabolate funk-punk ("Quattrodieci") o baldanzose sincopi ska ("Piombo").

Mancano le canzoni a presa immediata, eppure gli stessi pezzi che di primo acchito sembravano scialbi scoprono una faccia da techno-cavalcate irrefrenabili ("La glaciazione", "Il centro della fiamma"), riempipista dal ritornello a colpo sicuro ("Veleno", "Quattrodieci", "Piombo"), lenti da trip in levare ("Alta voracità", "Alibi"). Stupisce poi la cura certosina del suono, prodigo di glitcherie, minimalismi vari, pulsazioni secche, frenetiche e impeccabili sferzate elettroniche.

A rovinare il quadro provvedono ad ogni modo i testi: goffi esercizi di ermetismo, inducono il sospetto che dietro alla loro pretesa profondità non ci siano che sentimentalismi tanto-al-kilo ribolliti in salsa hi-tech.

di Clara Martinelli, Claudio Fabretti

from Onda Rock

Discografia:

Albums

1997 - SubsOnicA

1999 - Microchip emozionale

2002 - Amorematico

2005 - Terrestre

2007 - L'eclissi

Lives

1998 - Coi piedi sul palco - EP

2003 - Controllo del livello di rombo

2006 - Terrestre live e varie altre disfunzioni

RAGE AGAINST THE MACHINE

2009-11-18T08:26:00.000-08:00

Se mai c'è stata una band che ha saputo unire l'impegno sociale al divertimento, il fuoco attivista della giovane età alla matura e personale presa di coscienza del momento storico, questo gruppo erano, almeno fino agli inizi degli anni Novanta, soltanto i Clash di Joe Strummer. Scendendo qualche gradino in termini di freschezza e probabilmente di credibilità, qualcuno potrebbe ancora oggi indicare in Bruce Springsteen, REM e U2 altri eventuali artisti impegnati, in grado di muovere gli animi degli ascoltatori all'azione.

Ma è sulla linea dei londinesi Clash che dobbiamo affiancare uno dei maggiori fenomeni rock dei Novanta, in grado di inserirsi prepotentemente in un trend musicale, proveniente dalla cosiddetta scena crossover californiana, ormai pronto a emergere prepotentemente dalle strade di Los Angeles, e di sconvolgere, nel bene e nel male, la storia del rock degli ultimi anni: i Rage Against The Machine sono stati uno dei maggiori nomi del panorama crossover e, a conti fatti, nu metal, oltre che uno dei gruppi fondamentali degli ultimi quindici anni.

Per raccontare la storia dei Rage Against The Machine, scegliamo di partire dal novembre 2000, quando George W. Bush viene eletto per la prima volta presidente degli Stati Uniti d'America, e Zack De La Rocha, leader carismatico della band, annuncia lo scioglimento dei Rage Against The Machine a causa del totale fallimento degli obiettivi - evidentemente politici - fissati dal gruppo stesso il giorno della loro nascita, nove anni prima. In realtà i motivi sono questi e anche altri, che analizzeremo successivamente seguendo il corso degli eventi, ripartendo quindi dal 1991.

La rabbia contro la macchina è un caso anomalo sotto ogni punto di vista. E' forse la prima band a raggiungere un certo livello di popolarità prima di aver firmato un contratto discografico e, fatto ancor più curioso, non nascono come una formazione live, che si crea un proprio pubblico concerto dopo concerto, fino a trovare qualche generoso estimatore che li metta sotto contratto: i Rage Against The Machine registrano il loro primo demo senza mai essersi esibiti dal vivo. E innescano il passaparola passando il demo ai loro amici, e solo in seguito vendendolo ai loro primissimi concerti, raggiungendo in pochissimo tempo le cinquemila copie vendute. Una sorta di primato.

D'altronde la musica che presentano i Rage Against The Machine nel 1991 non può che attecchire con successo in una Los Angeles ben distante dalle sirene del grunge, scossa piuttosto dall'imprevisto scioglimento dei Jane's Addiction, simbolo e germoglio fino a quel momento di un movimento underground vivo come a Seattle, ma ancora lontano dall'essere inquadrato dai canali mediatici che hanno fatto della città del Washington la Mecca del rock di quegli anni. Una scena opposta all'immagine che davano di Los Angeles i Guns n' Roses e i sogni di successo made in Hollywood. Si tratta di crossover, termine ormai volgarmente combinato al cosiddetto nu-metal, ossia una miscela impura di varie esperienze formanti una nuova struttura, in alcuni casi con originalità e spiccato senso artistico, in altri, come del resto anche e maggiormente per quanto riguarda il Seattle-sound, un mero esercizio stilistico in copia carbone, compresi i contenuti delle canzoni. Già i contenuti, forse proprio questi eleveranno i Rage Against The Machine sopra le altre numerose entità che campeggieranno su magazine, radio e Mtv dallo sparo di Cobain in poi.

Ma torniamo alla musica. In coda ai crediti di ognuno dei quattro album dei Rage Against The Machine c'è scritto: "No samples, keyboards or synthesizers used in the making of this recording"; ciò suona puritano e allo stesso tempo non credibile, se non si assiste fisicamente a una performance live del gruppo, dove intorno a una sezione ritmica essenziale, generalmente mai sopra le righe, si inseriscono il rap rabbioso e in crudo linguaggio slang di Zack De La Rocha - figlio di un artista di strada che non ha raggiunto il successo di Basquiat - e il geniale corredo di effetti scratch, noise, flanger, wah-wah, ecc. unito alla matrice zeppeliniana dei riff della chitarra di Tom Morello, nato nel quartiere di Harlem a New York, sangue misto afro-italo-irlandese, ovvero uno degli ultimi autentici "guitar hero".

Il primo omonimo album "Rage Against The Machine" edito dalla Epic nel 1992 è un fulmine a ciel sereno nel panorama rock del periodo, unendo agli omaggi a Jimmy Page - fra le altre, "Wake Up" è un evidente re-editing di Kashmir - il rap polemico dei Public Enemy e, come precentemente accennato, la lezione crossover ormai in voga nei circuti underground di cui maggiori esponenti erano certamente Fishbone, Living Colour e a un livello già più popolare, Red Hot Chili Peppers e Faith No More da San Francisco. E' un album sensazionale, che contiene alcuni dei maggiori inni dei Rage Against The Machine, quali "Bullet In The Head" (la prima canzone mai incisa dalla band), "Know Your Enemy" (titolo poi rubato da profeti minori) e soprattutto "Killing In The Name", probabilmente la canzone simbolo del gruppo, con un testo semplice e implicitamente rivoluzionario nel vero senso del termine.

L'album fa furore e scalpore allo stesso tempo: la censura infatti perseguita la presunta pericolosità di un gruppo sovversivo come lo furono i Doors oltre vent'anni prima. Saturday Night Live, celebre programma televisivo della Nbc, che in quegli anni ospitava tutti i ribelli del rock campioni di vendite come Nirvana, Smashing Pumpkins e Stone Temple Pilots, censura la performance dei Rage Against The Machine che avevano disposto sul loro palco una bandiera americana rivolta al contrario. A Philadelphia, i quattro membri della band salgono sul palco del Lollapalooza completamente nudi in segno di protesta contro la famigerata fondazione dell'etichetta "Parental Advisory Explicit Lyrics", e per quattordici lunghissimi minuti restano in piedi sotto il suono nauseante del feedback della chitarra. Un lungo tour insieme agli allora sconosciuti Tool e ai Fishbone arriverà anche in una Europa non ancora pronta a concedere lo stesso interesse che la band aveva raccolto oltreoceano.

Quando altri gruppi made in LA rivisitano in chiave funk-metal quanto di buono avevano fatto gli artisti della generazione precedente, i Rage Against The Machine restano lontano dalle scene, attendendo con pazienza le nuove invettive di Zack, forti di un sound a oggi ancora lontano dall'essere clonato. Solo nel 1996 giunge il seguito di Rage Against The Machine, prodotto da Brendan O'Brien, si chiama "Evil Empire" ("Impero del male"), da una citazione del 1982 dell'ex presidente Ronald Reagan che così definiva al termine della guerra fredda l'Unione Sovietica. E' un album che gode di un favorevole e immediato riscontro da parte di critica e pubblico, grazie all'ormai consolidato status del precedente lavoro, ma che in realtà risulta essere ben più complesso e deviante del disco d'esordio, mancando tuttavia della quantità numerica di inni di cui invece questo constava. Infatti, solo le iniziali "People Of The Sun" e "Bulls On Parade" (il cui storico riff in effetto wah-wah diventa un altro dei punti più elevati raggiunti dalla band) sembrano avere quel potenziale melodico che imperversava in ognuno dei dieci vecchi brani. All'interno del disco hanno però spazio divagazioni varie ed eventuali di un Morello forse eccessivamente accondiscendente verso se stesso, ma ugualmente in grado di guidare la band verso un linguaggio del tutto unico e fondamentalmente incomparabile. "Tire Me" viene premiata con il Grammy Award come miglior performance hard-rock; lo stesso accadrà l'anno dopo per "People Of The Sun", e l'anno successivo ancora per "No Shelter", uno dei vari brani concessi nel tempo a colonne sonore di film più o meno interessanti ("The Crow", "Godzilla", "The Matrix", in particolare). Il fenomeno è ormai leggenda vivente, e le battaglie politiche che nel loro piccolo i Rage Against The Machine portano all'ordine del giorno ottengono spesso un buon riscontro mediatico e popolare, tanto da coinvolgere un sempre maggior numero di sostenitori sensibili ai casi di Leonard Peltier e Mumia Abu-Jamal, giusto per citare due delle maggiori campagne sostenute da De La Rocha e compagni.

A livello pragmatico, il problema dei Rage Against The Machine resta però l'assoluta lentezza in fase di composizione del loro cantante, che impiega mesi e mesi a trovare la giusta ispirazione per ogni nuovo monologo in linguaggio slang da sovrapporre alla formula ormai consolidata degli altri tre strumentisti. E' del 1999 "The Battle Of Los Angeles", l'ultimo album di inediti, che svetta al numero uno di Billboard come fosse l'ultima raccolta di successi dei Backstreet Boys. E' un lavoro meno ambizioso dei precedenti, ma che ne consolida pienamente le strutture, usufruendo di un sound più ricco di sfumature e allo stesso tempo basico ed essenziale alla causa. Brani come il singolo "Guerrilla Radio", vincitore di un altro Grammy, "Calm Like A Bomb" (poi ripresa in un altro episodio della serie Matrix) e "Mic Check" ci ripresentano una band in forma come non mai, carica e decisa a colpire a fondo. Croce e delizia del sound guidato da Morello sono i riff in perfetto stile Led Zeppelin, che, seppur intervallati dai suoni fuoriusciti dalla tavolozza di effetti della chitarra e della fantasia dell'artista, non muovono mai dalla stessa formula la struttura delle canzoni dei Rage Against The Machine, che tuttavia risultano comunque più efficaci che mai a livello melodico e innodico. Per il video di "Sleep Now In The Fire", i Rage Against The Machine organizzano un sit-in di fronte all'entrata di Wall Street a New York, impedendo l'apertura della Borsa fino al sopraggiungere della polizia sul luogo del misfatto.

La massima popolarità del gruppo coincide coi suoi primi scricchiolii durante il planetario tour di questo album, quando voci di divergenze artistiche fra Zack e il resto della band iniziano a minare un'unione di intenti ora apparentemente non più così salda. Torniamo quindi all'inizio della storia, Gore e Bush si sfidano nell'eterna battaglia fra democratici e repubblicani, i Rage Against The Machine pubblicano il terzo singolo e video da "The Battle Of Los Angeles", "Testify", dove le figure dei due candidati si fondono in un'unica persona, e programmano un concerto che poi risulterà definitivo in un palazzetto di fronte alla convention dei repubblicani di Bush, che, come sappiamo, vincerà le elezioni. L'ultima battaglia è persa.

Zack vuole che gli sia concesso del tempo per un album solista, gli altri, tenuto anche conto della scarsa prolificità del loro cantante - siamo alla vigilia del 2005, l'album non è ancora uscito - , si oppongono fermamente minacciando lo scioglimento della band. De La Rocha coglie la palla al balzo, e dichiarando falliti gli obiettivi del gruppo, scioglie ufficialmente i Rage Against The Machine. C'è appena il tempo per l'edizione di "Renegades", un album di cover, ovviamente con sfondo integratore politico, registrate nel corso del 2000 e in alcuni casi completamente riarrangiate rispetto alle illustri originali. Bob Dylan, The Stooges, Afrika Bambataa, Cypress Hill sono alcuni degli artisti omaggiati nelle dodici canzoni corrette e personalizzate secondo l'inconfondibile stile Rage Against The Machine, seppur con una produzione ridondante e a volte non funzionale ("Kick Out The Jams" degli Mc5 risulta spiacevolmente rallentata, mentre l'interpretazione di "Beautiful World" perde drasticamente il carattere ironico della canzone dei Devo) da parte di Rick Rubin.

Tom Morello, Brad Wilk e Tim Commerford non perdono tempo, e mentre Zack bivacca fra collaborazioni eccellenti quali Dj Shadow e Trent Reznor nella preparazione del suo ambizioso album solista, si guardano attorno in cerca di un nuovo cantante in grado di permettere loro un pronto ritorno sulle scene. La scelta cade su Chris Cornell, che sciolti i Soundgarden nel tentativo per ora fallito di seguire le orme lasciate dal breve percorso di Jeff Buckley, non può non accettare l'offerta di un trio ancora piuttosto affermato, prima che la sua carriera prenda una piega irreversibile verso l'anonimato cantautorale. A causa di problemi fra case discografiche, dissidi fra i due diversi management (Cornell fino a questo punto era sempre stato tutelato dall'ormai ex-moglie Susan Silver), il gruppo provvisoriamente denominato Civilian viene sciolto e riformato più di una volta nel corso delle registrazioni delle prime canzoni, sempre sotto la cura di Rick Rubin.

Qualche mese più tardi, quando ormai tutte le comunità di file-sharing offrono i demo delle canzoni dei Civilian, le parti in causa trovano un accordo e riparte il progetto, stavolta sotto nome Audioslave. Ne nasce un album omonimo, comprendente le rivisitate canzoni del demo Civilian, che pur mostrando una buona e indiscutibile carica hard-rock tipica del sound Rage Against The Machine, lascia scontenti sia i fan dei Soundgarden, sia quelli della band di Los Angeles. Gli stessi difetti riscontrabili in "Renegades", all'epoca non ancora imputabili in modo deciso essendo in quel caso delle cover, riemergono più forti che mai. Se Cornell è oggi più attento all'aspetto melodico delle sue liriche, la musica che lo accompagna risulta rallentata e satura, non potendo correre dietro ai vocalismi sincopati del rap di Zack De La Rocha. Si aggiungono al malcontento generalizzato la nuova immagine dello shouter di Seattle, che dal vivo dimostra come le operazioni alle corde vocali lo abbiano irrimediabilmente danneggiato, e la perdita della semantica interventista presente nelle canzoni dei Rage Against The Machine. L'album conquista tuttavia le nuove schiere di teenager in cerca di sano hard-rock, e vende piuttosto bene nel continente Nordamericano.

Anacronistico, per nulla utile alla causa, ma ancora una volta di qualità, arriva nei negozi il primo live dei Rage Against The Machine, "Live At The Grand Olympic Auditorium", registrato il 12 e 13 settembre del 2000, ossia le ultime due date della storia del gruppo. Inutile soffermarsi sulla onesta qualità delle registrazioni, oltre che della simbologia del fenomeno Rage Against The Machine, qui immortalato anche in video nel degno finale del proprio percorso; l'album raccoglie sedici canzoni in una sorta di "best of" dal vivo.

di Danny Stones

from Onda Rock

Discografia:

Albums

1992 - Rage Against the Machine

1996 - Evil Empire

1999 - The Battle of Los Angeles

2000 - Renegades

Lives

1998 - Live & Rare (rilasciato solo in Giappone)

2003 - Live at the Grand Olympic Auditorium

PEARL JAM

2009-11-14T04:08:00.000-08:00

La storia dei Pearl Jam parte da lontano, esattamente dal 1984, quando il bassista Jeff Ament, insieme con Mark Arm (futuro leader dei Mudhoney), forma i Green River, uno dei gruppi che maggiormente hanno influenzato il rock di Seattle degli anni '80, ai quali si aggiunge, l'anno seguente, il chitarrista Stone Gossard. Nel 1987 i Green River si sciolgono, e dalle loro ceneri prendono vita i Mother Love Bone, composti da Andy Wood, Stone Gossard, Jeff Ament, Bruce Fairweather e Greg Gilmore. Dopo l'Ep "Shine" del 1989, il gruppo ha in preparazione l'album di esordio, "Apple", ma il 16 marzo 1990 muore per overdose di eroina il cantante Andy Wood. Il disco uscirà ugualmente postumo per la Polydor, ma, nonostante il contratto con una major, i componenti della band, distrutti dal tragico evento, decidono di abbandonare il progetto. Dopo alcune esperienze musicali poco impegnative, Ament si ritrova con Gossard, e i due, insieme al chitarrista Mike McCready (da poco conosciuto) e a Matt Cameron (il batterista dei Soundgarden), incidono un nastro contenente il materiale che di lì a poco sarebbe diventato la musica dei Pearl Jam. Nel frattempo Dave Krusen rimpiazza Cameron alla batteria e il demo finisce nelle mani di Jack Irons, ex drummer dei Red Hot Chili Peppers, il quale lo consegna a Eddie Vedder, un amico che lavora a una pompa di benzina a San Diego e passa il tempo libero facendo surf e cantando nei Bad Radio, una band locale.

Nel giro di pochi giorni Vedder scrive le parti vocali e i testi dei brani (quelli che diventeranno "Alive", "Footsteps" e "Once") arrivatigli da Seattle, e nell'arco di pochissimo tempo, dopo la reazione entusiasta dei mittenti, parte per la città del grunge, dove, altrettanto celermente, avviene la stesura dei brani di "Ten", il primo album del gruppo. Inizialmente la band decide di chiamarsi Mookie Blaylock, come un famoso giocatore di basket, ma quasi subito il nome si trasforma in Pearl Jam, in riferimento a una particolare marmellata allucinogena che la nonna di Vedder (Pearl, appunto) preparava con il peyote per il marito indiano, secondo i canoni e la tradizione dei popoli precolombiani (il titolo dell'album "Ten" richiama, tuttavia, il primo nome del gruppo, essendo dieci il numero di maglia con cui giocava Blaylock nei New Jersey Nets).

Prima dell'esordio vero e proprio dei Pearl Jam, nel 1990 Vedder, Ament, McCready e Gossard prendono parte, su invito di Chris Cornell e Matt Camenron dei Soundgarden al progetto Temple Of The Dog, concepito in memoria dello scomparso Andy Wood. Inoltre i Pearl Jam partecipano, nel 1991, sia come comparse che come autori della colonna sonora (insieme, tra gli altri, a Soundgarden, Alice In Chains, Mudhoney, Screaming Trees e Smashing Pumpkins), al film "Singles, l'amore è un gioco" di Cameron Crowe, una pellicola sui "modesti patemi della gioventù di Seattle, a metà strada tra il grunge e lo yuppismo riveduto", come è stata autorevolmente definita.

Tra il marzo e l'aprile dello stesso anno vengono effettuate le riprese di "Ten", il primo disco dei Pearl Jam (Krusen lascia il gruppo poco tempo dopo, rimpiazzato prima da Matt Chamberlain e poi definitivamente da Dave Abruzzese). L'album, a differenza della maggior parte di quelli dei loro "cugini grunge" (che hanno reso celebre l'etichetta indipendente Sub Pop) esce per la Epic (Sony), per via dei contatti che Ament e Gossard hanno mantenuto con Michael Goldstone (prima Polydor, poi passato alla Sony) dai tempi dei Mother Love Bone.

Il disco, probabilmente il migliore dei Pearl Jam insieme a "Vs", potrebbe essere definito un capolavoro del rock reazionario, tante sono le tracce evidenziabili delle influenze che la band ha assimilato dai musicisti del passato: il drumming pesante, alla maniera di John Bonam, i soli di chitarra di hendrixiana memoria, la voce di Vedder, che suona come una sorta di riedizione anni '90 di quella di Jim Morrison (non a caso Vedder sarà invitato dai superstiti Doors nel 1993 per interpretare, dal vivo, "Roadhose blues", "Light my fire" e "Break on throught"). Non solo: anche gli Who (uno dei gruppi preferiti di Vedder, dei quali dal vivo spesso il gruppo esegue svariate cover) e il Neil Young più "elettrico", considerato giustamente un autore grunge "ante litteram", fanno sentire la loro presenza nel sound della band. Il giornalista Allan Jones, riferendosi a "Oceans", il brano più delicato e malinconico del disco, trova nella voce di Vedder addirittura tracce del lirismo di Tim Buckley, e immagina la song come l'ideale proseguimento di "Starsailor". Forse un accostamento un po' azzardato, ma non completamente campato in aria.

Indubbiamente l'esordio dei Pearl Jam si discosta in maniera massiccia dai lavori degli altri gruppi di Seattle: nulla a che vedere con la furia punk dei Nirvana o con l'heavy suond di Alice In Chains e Soundgarden, per citare le band più rappresentative. Si può affermare che i Pearl Jam sono il lato hard rock seventies (ma non solo, nella loro musica sono rintracciabili anche "citazioni" di artisti come U2 e Rem) del fenomeno grunge, che, d'altronde, è un movimento che si contraddistingue principalmente per la sua origine geografica e per il malessere di fondo, tipico della disillusione post anni '70, che esprimono i suoi adepti, più che per le caratteristiche formali della musica che ne è l'espressione.

Tutto ciò non toglie meriti all'esordio dei Pearl Jam: infatti, pur non presentando grandi innovazioni formali o sperimentazioni, "Ten" è un disco che, tramite brani rock ottimamente concepiti, sa trasmettere, anche nei momenti più hard, proprio l'atmosfera malinconica e disillusa, a volte quasi depressa, tipica della poetica grunge. Anche per quanto riguarda i testi di Vedder, vale lo stesso discorso. Seppur a volte vi siano riferimenti a vicende realmente accadute ("Jeremy" e "Why go"), e quindi emerga una sorta di impegno sociale della band, le denunce delle liriche dei Pearl Jam sembrano fini a se stesse, solo una amara constatazione dei fatti seguita da un timido accenno di ribellione, ma fondamentalmente sono nichiliste ed espressione di impotenza e rassegnazione. Il discorso è ancora più accentuato quando oggetto dei versi di Vedder sono riflessioni più intimiste, spesso ermetiche, o storie che in qualche modo traggono spunto dalle sue travagliate vicende adolescenziali (la celebre "Alive", per esempio).

"Ten" catapulta i Pearl Jam nell'olimpo del rock nel giro di pochi mesi, con un numero di copie vendute davvero notevole, anche in considerazione del fatto che la sua uscita coincide (ma qual è la causa e quale l'effetto?) con l'esplosione del grunge, e segue di poco la pubblicazione di "Nevermind" dei "cuginetti" Nirvana.

Nella primavera del 1993 i Pearl Jam tornano in studio per la registrazione del loro secondo lavoro, "Vs". Con il nuovo produttore Brendan O'Brian (che ha lavorato, tra gli altri, con Aerosmith, Stone Temple Pilots, Red Hot Chili Peppers e Black Crows), cambia l'approccio con lo studio di registrazione: i brani vengono suonati praticamente live, con il minor numero di takes possibili e sovraincisioni ridotte all'osso. Il risultato è evidente: "Vs" suona molto più crudo e vigoroso, meno artefatto. Nei brani più pesanti ("Go", "Animal", "Blood") continuano a sentirsi le influenze dei guru del rock vecchio stampo (tra cui, oltre ai soliti Led Zeppelin e Hendrix, anche Stooges e MC5), ma compaiono anche alcune ballate che richiamano in modo piuttosto evidente i Rem. ("Daughter", "Ederly woman behind the counter in a small town"). L'album (inizialmente pubblicato solo in vinile) vende, dal momento della prima stampa in CD, un milione di copie in una settimana.

"Vitalogy" (1994) è il terzo album del gruppo ed è la logica continuazione di "Vs", essendo identica la formula utilizzata per la sua produzione. Per un verso è il disco più heavy dei Pearl Jam ("Last exit", "Not for you", "Spin the black circe", "Whipping"), per l'altro presenta alcune ballate nello stile di quelle contenute nell'album precedente ("Nothingman", "Better man", "Immortality"). All'interno di "Vitalogy" c'è spazio anche per alcuni momenti "sperimentali", come "Pray, to", "Bugs" (in cui Vedder si cimenta con la fisarmonica), ma soprattutto "Hey foxymophandlemama, that's me", un brano di otto minuti formato da un delirante collage di voci e rumori, decisamente il momento più psichedelico della carriera dei Pearl Jam. La pubblicazione dell'album coincide con l'abbandono del gruppo da parte del batterista Dave Abruzzese, poi sostituito dal già citato Jack Irons, ex Red Hot Chili Peppers.

Nel 1995 i Pearl Jam registrano insieme a Neil Young, con il quale hanno già suonato dal vivo svariate volte, "Mirror ball". Il disco, tuttavia, esce a nome del solo canadese, per problematiche legate alla burocrazia delle case discografiche e Vedder, McCready, Ament, Gossard e Irons vengono citati solo come musicisti di accompagnamento all'interno del book dell'album, senza che si faccia menzione del nome Pearl Jam. "Mirror ball" solo è un disco per appassionati di Neil Young e Pearl Jam.

"No code", il capitolo successivo della discografia della band, è dell'anno successivo e si distingue per il tentativo dei Pearl Jam di scrollarsi di dosso il sound tipico che li ha caratterizzati fino a questo momento. Ma il risultato è un lavoro a volte troppo frammentario, privo di amalgama. Si può dire che è un disco riuscito a metà, con, di volta in volta, strizzate d'occhio al punk ("Lukin"), al country rock à la Neil Young, con il quale non a caso i Pearl Jam hanno lavorato l'anno precedente ("Smile", "Red mosquito"), addirittura a una sorta di glam rock britannico ("Mankind", composta e cantata da Stone Gossard). D'altro canto l'album contiene alcune buone composizioni, una su tutte la bellissima "Present tense", uno dei massimi vertici artistici raggiunti dai Pearl Jam in tutta la loro carriera, un concentrato di malinconia, delicatezza, disperazione e poesia.

Il disco successivo, "Yield", è datato 1998 e segna un ritorno al sound più classico del gruppo, con forse una cura diversa per i suoni, a tratti più "puliti", più "moderni" del solito. Da menzionare, quali brani degni di nota, "Brain of J.", "Faithfull", "Pilate", "Do the evolution" e "M.F.C.". E' invece imbarazzante la somiglianza esistente tra il singolo "Given' to fly" e "Going to California" dei Led Zeppelin.

"Yield" è l'ultimo album dei Pearl Jam che valga la pena prendere in considerazione. Se è vero che la band non ha mai osato più di tanto per rinnovare il suo sound, che già di per sé non trabocca di originalità, è altrettanto indiscutibile che fino a questo momento della loro carriera i cinque paladini del grunge avevano saputo proporre dell'ottimo rock, soprattutto perché ispirati in fase compositiva. Venuta meno tale ispirazione, con il passare degli anni, i Pearl Jam hanno gradualmente sempre più scimmiottato se stessi, mantenendo la forma della loro musica ma perdendone la sostanza. Sostanza che è del tutto svanita con l'ultimo disco menzionato. I lavori successivi, a parte "Live on two legs", un disco nato dalle registrazioni del tour mondiale del 1998 (a partire dal quale Matt Cameron, ex Soundgarden, prende il posto di Irons alla batteria), non sono altro ciò che uno (in maniera del tutto disillusa) poteva aspettarsi dalla band ed è puntualmente arrivato.

"Binaural", uscito nel 2000, e "Riot act" del 2002, due album assolutamente mainstream, nulla aggiungono alla storia dei Pearl Jam, se non un rinnovato e più esplicito (ma non nuovo) impegno politico della band, che emerge dalle liriche dell'ultimo loro capitolo ("Bu$hleaguer" su tutte).

Da ricordare la particolare trovata di fare uscire, alla fine del tour mondiale che ha seguito "Binaural", tutti i concerti integrali tenuti dal gruppo in tale arco di tempo, come fossero una sorta di bootleg ufficiali. D'altronde i Pearl Jam si sono sempre saputi vendere bene e hanno cercato di rendere originale ogni loro uscita, a partire dalla cura e dal particolare formato delle copertine dei loro dischi e dalle pubblicazioni "a sorpresa" degli album (come avvenne per "Vitalogy"), per finire con l'assolutamente lodevole lotta con la Ticketmaster, l'agenzia che gestisce in modo quasi monopolistico l'organizzazione degli spettacoli musicali che si tengono negli Stati Uniti, contro il prezzo elevato dei biglietti dei concerti, che costò alla band l'annullamento di un intero tour.

Tra tragiche morti come Andy Wood, Kurt Cobain e Layne Staley, e scioglimenti inevitabili come quello dei Soundgarden, i Pearl Jam sono rimasti, insieme ai Mudhoney, gli unici testimoni del movimento grunge, nato, cresciuto (o meglio bruciato) e spirato a Seattle a cavallo tra gli anni 80 e gli anni 90.

Nel 2006 esce l'omonimo "Pearl Jam". Niente orientalismi stavolta, niente spoken-word o stravaganze sperimentali alla Tom Waits: al loro posto un sound platealmente chitarristico, sanguigno, energico, vitale, feroce, abrasivo. La posta in gioco simbolica è il futuro dell’America “post 11-09”, la vittoria “dimezzata” in Iraq e le troppe scelte sbagliate fatte sinora dall’amministrazione.

Possiamo dividere arbitrariamente l’album in una prima parte dedita al ritorno in auge delle atmosfere di "Ten" e "Versus", con le elettriche sferraglianti in prima linea, e una seconda più eclettica, in cui spesso la rabbia si stempera in arrangiamenti e interpretazioni differenti. Del primo ciclo fa parte il tris d’apertura: “Life Wasted”, “Worldwide Suicide” e “Comatose” sono calci nel culo selvaggi, antagonismo punk sorretto da una possente e compatta ritmica. “Severed Hand” e “Marker In The Sand” dimostrano invece di saper cambiare le carte in tavola: la prima illude nella parte iniziale (con i nastri al contrario), ma è un falso allarme, perché il riff di chitarra è in agguato e muterà ancora, tra wah-wah e contromelodie di McCready; la seconda stravolge l’ostinato tribale della batteria e apre nel ritornello una finestra melodica irresistibilmente “innodica”. Deliziosa, com’è del resto la successiva “Parachutes”, pop acustico sospeso tra Beatles ed Elliott Smith, morbida e soffusa, con un organo hammond di sottofondo.

La seconda tranche esordisce con due episodi trascurabili (“Unemployable” e “Big Wave”, rispettivamente mid-tempo alla Rem e hardcore sfrenato, entrambe da rispedire al mittente) per poi cedere alla ballad “Gone”, che ha struttura affine alla mitica “Betterman”: partenza solitaria con la chitarra arpeggiata e cavalcata con il gruppo al completo. Dal vivo promette faville, su disco non decolla facilmente. Ascoltato il mini-tributo a "Mirror Ball" di “Wasted Reprise” (cinquanta secondi di organo a canne) e l’altro filler (“Army Riserve”) l’album volge al termine: il congedo è affidato a “Come Back”, vibrante di passione soul dedicata a un’ipotetica compagna scomparsa (emotivamente si muove sulla falsariga di “Black”), e quindi “Inside Job”, lungo e maestoso rock elettro/acustico punteggiato di pianoforte, con un bel crescendo che si protrae per ben sette minuti.

L’“avocado album”, come è stato ribattezzato a causa della copertina, in cui il frutto esotico fa bella mostra di sé su sfondo azzurro, non sarà il risultato più esaltante raggiunto sino ad oggi, ma rimane comunque prova discografica più che sufficiente, superiore per spessore effettivo al confuso e deludente "Riot Act" e al debole "Binaural".

Nel frattempo Eddie Wedder si concede un riuscitissimo intermezzo solista, firmando la colonna sonora di "Into The Wild", pluripremiato film di Sean Penn, tratto dal bestseller omonimo di Jon Krakauer sull'esperienza di Christopher McCandless.

I Pearl Jam sono ormai un gruppo vecchio. Anzi, per vecchi. Come direbbe Cormac McCarthy. Vecchi ragazzi (degli anni 90), s'intende. Ma pur sempre invecchiati. E non bene. Ma neanche tanto male. Così così, diciamo. Anche per questo, oltre che per un fisiologico calo dell'ispirazione dopo quasi vent'anni di militanza, i loro ultimi lavori palesano uno standard abbastanza immobilistico, manierato, conservatore. Perché hanno principalmente due motivi d'essere: ospitare i vecchi fan alloggiandoli in sonorità datate e rassicuranti e immettere nuovo carburante da incendiare nel motore inesausto delle loro tournée mondiali, dimensione nella quale il gruppo riesce ancora a dare il meglio di se, giustificando nel tempo la propria costanza e linearità.

"Backspacer" (2009) denota una certa continuità rispetto all'approccio ruvido e diretto del predecessore ma, smaltita la sbornia d'indignazione civile contro l'amministrazione Bush, i toni si fanno meno accesi e vibranti, le gradazioni più soft, l'umore generale più disteso ed edonista. E' rock classico con qualche escrudescenza punk, qualche anabolizzazione hard, la solita predisposizione al pathos, qualche episodio cantautorale.

L'opener "Gonna See My Friends" con quel riff stentoreo e familiare è una botta street-rock, magari un po' triviale ma adrenalinica. Poi anche "Got Some", "Johnny Guitar" e "Supersonic" insistono e sviluppano, con risultati non proprio esaltanti, quest'ebbrezza rock'n'roll da "American Graffiti". Sempre meglio di "The Fixer", comunque, spuntatissimo singolo con fregole sintetiche vagamente new wave (!?).

La scrittura si risolleva quando la palla torna di nuovo tra le mani di Vedder che pennella due acquerelli acustici niente male - la bucolica "Just Breathe" e la sofferta "The End" - e in quelle di McCready con la fluente vena soft-rock di "Force Of Nature". Per il resto, niente di nuovo sul fronte occidentale: "Amongst The Waves" e "Unthought" sono strade che gli abbiamo già visto percorrere, mentre "Speed Of Sound", un accorato mid-tempo col piano e l'organo in evidenza e le chitarre in sordina, punta (quasi) tutto sullo charme dolente e carezzevole del cantato.

di Paolo Avico

from Onda Rock

Discografia:

Albums

1991 - Ten

1993 - Vs.

1994 - Vitalogy

1996 - No Code

1998 - Yield

2000 - Binaural

2002 - Riot Act

2006 - Pearl Jam

2009 - Backspacer

2006 - Live at Easy Street

Lives

1998 - Live on Two Legs

2004 - Live at Benaroya Hall

2007 - Live at the Gorge 05/06

Compilations

2003 - Lost Dogs (raccolta di B-side)

2004 - Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003

NIRVANA

2009-11-12T08:27:00.000-08:00

I Nirvana sono il gruppo più rappresentativo del movimento grunge. In pochi anni e con una manciata di album all’attivo, sono riusciti a imporsi come la vera leggenda della scena di Seattle, riuscendo a interpretare l’umore di un’intera generazione e trasformando l’alternative rock in un fenomeno di massa. Il sacrificio del loro leader, Kurt Cobain, ha certamente alimentato il mito, ma l’impatto della musica dei Nirvana sugli anni ’90 è indiscutibile e si può paragonare per certi versi a quello avuto dagli Rem e dagli U2 sul decennio precedente.

Le radici della band sono individuabili nell'ambiente dei loro colleghi Melvins. Ispirandosi a loro, Kurt Cobain (canto e chitarra), Chris Novoselic (basso) e Chad Channing (batteria) formano i Nirvana e iniziano a suonare usando proprio la strumentazione di seconda mano dei Melvins. In realtà, nessuno dei tre è di Seattle: Cobain è nato a Hoquiam (Washington), Novoselic e Channing sono californiani. Ma i loro dischi, insieme a quelli di Pearl Jam e Soundgarden, trasformeranno questa piccola città del Nord-Ovest degli States in una fabbrica di successi miliardari.

Dopo aver pubblicato il 45 giri “Love Buzz/Big Cheese” per l'etichetta simbolo della scena cittadina, la Sub Pop Records, i Nirvana esordiscono a 33 giri con Bleach (1989). Cobain si rivela subito l’anima del gruppo. Le sue capacità compositive, in bilico tra John Lennon e Sid Vicious, emergono da pezzi come “About A Girl”, una ballata che preannuncia l'esistenzialismo e la vena desolata del suo stile, ma anche da prototipi grunge come “School”, “Blew” e la cover “Love Buzz” che fissano subito i parametri del sound Nirvana degli anni a venire. Un sound duro e spigoloso, che mescola il blues-rock sporco di Rolling Stones e Stooges con la tradizione hard-rock (dai Led Zeppelin agli Aerosmith) e con il fervore hardcore di Husker Du e Pixies. Il disco e la successiva tournée garantiscono alla band un buon successo e la incoraggiano a proseguire, malgrado già affiorino i problemi di salute psico-fisica del suo leader.

Ingaggiato alla batteria Dave Grohl (Warren, Ohio), il trio firma con la major Geffen e, nel settembre 1991, pubblica "Nevermind". Prodotto da Butch Vig e mixato da Andy Wallace, è un disco destinato a entrare di diritto nei classici di sempre.

Pochi album, nella storia del rock, hanno infatti saputo incarnare con la stessa intensità gli umori e le ansie di un'intera generazione. Eppure Kurt Cobain, a registrazioni ultimate, non era soddisfatto.

Non perdonava a Gary Gersh e a Andy Wallace, rispettivamente discografico e produttore, di aver voluto mettere le mani sul materiale, accentuandone dinamica e profondità, e smussandone gli angoli. Stava commettendo un errore colossale. Proprio l'equilibrio, infatti, è il segreto di questo lavoro, capace di mescolare con le giuste proporzioni hard-rock e melodia, asprezza del suono e nitidezza degli arrangiamenti, furia punk iconoclasta e malinconia esistenziale. La peculiarità dei Nirvana è di saper associare al sarcasmo nichilista del punk un talento melodico sconosciuto a gran parte delle formazioni che emergono nello stesso periodo. E poi ci sono i testi: una perfetta fusione fra musica e vita, in grado di creare una simbiosi mitica fra artista e pubblico che tocca il suo apice in “Smell like teen spirit”, il grido rabbioso che apre l'opera e rimarrà negli annali a simboleggiare lo spirito, apatico e sarcastico, di un'intera generazione (lo rivisiterà anche in un'interessante versione "sensuale" Tori Amos).

Rinunciando in parte alla durezza del precedente “Bleach”, Cobain dà sfogo ai suoi demoni in una serie di ballate nevrotiche, che ricordano da vicino quelle del suo grande maestro, Neil Young. Ascoltare per credere pezzi come “In Bloom”, “Lithium” e “On A Plain”, che donano al disco un tormentato vigore. Ma a conquistare il pubblico sono anche l'autobiografica “Come As You Are”, il lamento acustico di “Polly”, il bisbiglio moribondo di “Something In The Way”. L'album (quasi 10 milioni di copie vendute, contro le 30mila dell'esordio) diventerà uno dei maggiori successi discografici di tutti i tempi, senza alienare tuttavia ai Nirvana le simpatie delle frange più "dure e pure" del loro pubblico. L'urlo di Cobain, quasi distaccato, ma al tempo stesso vivo e struggente, diventa in breve tempo uno dei simboli più potenti del rock di fine secolo. E la musica di Seattle porta alla luce un'altra America, popolata di giovani disadattati e inquieti che, da underground, assurgono improvvisamente a fenomeni di costume.

Nel dicembre 1992 la Geffen pubblica "Incesticide", raccolta di rarità registrate alla BBC, singoli inediti su album e versioni alternative. Poi, nel settembre del 1993, dopo una serie di speculazioni sullo stato di salute di Cobain, esce "In Utero". Prodotto da Steve Albini, guru della scena alternative e del punk più duro, il disco viene inciso in due sole settimane. È una miscela di canzoni rabbiose e desolate (“Rape Me”, “Serve The Servants”, “Pennyroyal Tea” e, soprattutto, “All Apologies”, ripresa poi anche da Sinéad O’Connor) e di esagitate esplosioni rumoristiche al limite della cacofonia (“Scentless Apprentice”, “Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle”, “Milk It” e l'autoironica “Radio Friendly Unit Shifter”). Molto più debole di “Nevermind”, l’album riflette soprattutto l’odissea personale di Cobain, sposatosi nel frattempo con Courtney Love delle Hole. E’ la testimonianza di un cupo, inguaribile senso di impotenza e fatalismo.

Il disco ottiene un buon successo di vendite, anche se aliena in parte al gruppo le simpatie di quella "Mtv generation" che li aveva consumati come l’ennesima “sensazione” del momento. Ma proprio su Mtv i Nirvana ripropongono, in un’affascinante chiave acustica, molti dei loro successi, incidendo il fortunatissimo "Unplugged in New York". Testimonianza di un concerto del novembre 1993, l’album svela l’anima sofferente delle canzoni di Cobain. Spogliati degli orpelli hard-rock, i brani dei Nirvana si rivelano struggenti confessioni di un incurabile disagio esistenziale. Un’atmosfera di tragedia imminente pervade le rivisitazioni di “Pennyroyal Tea”, “All Apologies”, “Come As You Are” e “About A Girl”. Ma a dare nerbo al disco sono anche alcune cover come “The Man Who Sold The World” di David Bowie, “Lake Of Fire” e “Oh Me” dei Meat Puppets e una straziante versione del classico di Leadbelly “Where Did You Sleep Last Night”. Nello stesso periodo, la Geffen pubblica anche la videocassetta “Live! Tonight! Soldout!”, una storia musicale nervosa e ironica dei Nirvana ricostruita con spezzoni di interviste e filmati amatoriali alternati ad alcune esibizioni dal vivo. La dimensione più selvaggia ed elettrica dei concerti della band di Seattle sarà invece testimoniata dal live "From the muddy banks of Wishkah".

Ma il successo non servirà a guarire il biondo idolo punk di Seattle. Come prima di lui Jimi Hendrix e Jim Morrison, anche Kurt Cobain porterà ad estreme conseguenze la sua autodistruzione. Dopo lunghi e dolorosi mesi dedicati a un tour europeo, l'8 aprile 1994 il leader dei Nirvana si toglie la vita con un colpo di pistola, consacrandosi per sempre al culto dei fan. Nel suo messaggio d’addio, un epitaffio: “It’s better to burn out than to fade away”, “meglio bruciarsi che svanire a poco a poco”. E’ un verso di "My my, hey hey", la canzone del suo maestro Neil Young. Un anno dopo, il cantautore canadese renderà omaggio alla memoria del suo discepolo dedicandogli "Sleep With Angels".

Neanche Kurt Cobain sfuggirà purtroppo all'immancabile operazione commerciale post-mortem, che porterà alla "riesumazione" del suo ultimo brano prima del suicidio, "You Know You're Right", allo scopo di vendere qualche copia in più dell'antologia "The Best Of Nirvana" (tredici classici della formazione di Seattle). E su altri presunti 109 brani inediti, nascosti in qualche cassaforte, è già iniziata la battaglia legale tra Courtney Love, Krist Novoselic e Dave Grohl. "Capisci, ci sono un sacco di soldi di mezzo", ha ammesso la Love. Ma è solo l'ennesimo litigio sulle briciole dei defunti nella storia del rock.

di Claudio Fabretti

from Onda Rock

Discografia:

Albums

1989 - Bleach (Sub Pop Records)

1991 - Nevermind (Geffen Records)

1993 - In Utero (Geffen Records)

EPs

1992 - Hormoaning (Geffen Records)

Compilation

1992 - Incesticide (Geffen Records)

Lives

1994 - MTV Unplugged in New York (Geffen Records)

1996 - From the Muddy Banks of the Wishkah (Geffen Records)

OFFLAGA DISCO PAX

2009-11-11T08:21:00.000-08:00

Offlaga Disco Pax. Italianissimi, nonostante il nome astruso. Emiliani, per la precisione.

Enrico Fontanelli (moog, casiotone, basso, basi), Daniele Carretti (chitarra, basso) e Max Collini (voce, testi).

Vincitori del Rockontest 2004, prima dell'uscita di questo album si erano già fatti una fama "underground" grazie a una serie di performance in tutt'Italia che ha loro permesso di non far passare inosservata questa prima pubblicazione ufficiale, per Santeria.

"Socialismo tascabile" è un album strano, di cui è davvero difficile parlare, innanzitutto perché più che proporre un'unica via, lascia ampio spazio alla discussione, alla faticosa ricerca di capire cosa c'è dietro a un progetto simile e quali siano le idee che si vogliono portare avanti.

Sentendo il disco si resta esterrefatti e un po' spaesati davanti all'originalità e all'enorme numero di influenze che vi sono confluite.

I testi recitati e non cantati fanno subito pensare ai Massimo Volume, i temi trattati riecheggiano quelli dei CCCP, il minimalismo musicale ed elettronico sembra prendere qualcosa da Kraftwerk, Suicide e Cabaret Voltaire, arrivando fino a Xiu Xiu e Radio Dept.

E sarebbe riduttivo non notare le influenze letterarie di due scrittori, diversissimi, come Pier Vittorio Tondelli (per la descrizione dell'ambiente emiliano-romagnolo dei primi anni 80) e Aldo Nove (per la scrittura che non ha paura di avvicinarsi all'oralità e per la commistione alto-basso).

Gli Offlaga Disco Pax raccontano un mondo che non c'è più, quello del comunismo sognato negli anni 70' e 80', in un piccolo paese emiliano come Cavriago.

Ma non si tratta di pura declamazione o di nostalgica rievocazione: è attraverso temi apparentemente slegati, come la condotta scolastica ("Kappler"), il primo amore ("Khmer rossa") o, sorprendentemente, una storia del chewing-gum ("Cinnamon"), che va a delinearsi uno spaccato di un momento storico, di una regione e di un quartiere "dove il Partito Comunista prendeva il 74%". In mezzo al passato fa capolino il presente, tra quadretti ironici dove si parla dell'odio per un commesso ("Tono metallico standard") o della fine di un amore, simboleggiata da una ciabattina di spugna ("De Fonseca").

Ricordi, sensazioni, umori, idee: tutto quanto raccontato attraverso lo sguardo personalissimo di chi allora era giovane e pieno di buone intenzioni, cresciuto in un humus in cui non si poteva non parteggiare per la Rivoluzione, i Sandinisti, Robespierre, Berlinguer, ma allo stesso tempo si giocava a Space invaders, si captava Tele Capodistria e si vedeva Anna Oxa a Sanremo.

In un pezzo quasi dance, intitolato proprio "Robespierre", i ricordi vengono elencati uno a uno, senza connessione logica, senza una cernita precisa: semplicemente tutto ciò che è rimasto di un'epoca.

E poi, la doccia fredda: "Tatranky". Oltre otto minuti di declamazione e oppressione che ricordano la gloriosa "Emilia Paranoica" dei CCCP.

Ma dalll'Emilia ci si sposta alla Praga odierna, spogliata di ogni simbolo sovietico, inglobata dal capitalismo, dove nella discoteche si balla "Felicità" di Al Bano e Romina e dove anche i wafer sono prodotti da una multinazionale.

E' in quel "Ci hanno davvero preso tutto" con cui culmina il pezzo che è forse rintracciabile il senso dell'intero disco: nella rassegnazione, nell'accettazione di avere perso, di non essere più in grado di poter cambiare le cose, di aver sbagliato tutto, di non avere più qualcosa in cui credere ciecamente.

Qui ci sta una riflessione: è noto come la canzone politica e di protesta in Italia sia degenerata da ormai molti anni. L'unico nome che viene in mente è quello dei Modena City Ramblers, collettivo di capelloni in grado di sciorinare luoghi comuni sui mille abusatissimi e superatissimi temi della sinistra.

Se c'è qualcuno che sembra aver capito qual è la direzione che deve prendere la canzone politica, nel 2005, in tempi di globalizzazione e di multinazionali, questi sembrano proprio gli Offlaga Disco Pax: perché è inutile la protesta, è inutile riparlare ancora di Che Guevara e del Chiapas e allo stesso tempo è inutile prendersela con i Mc Donald's e le multinazionali.

La rassegnazione, l'accettazione di una sconfitta, ma allo stesso tempo la dura e terribile constatazione di una società che forse non ci sta bene del tutto: questo è qualcosa che mancava, e che adesso grazie agli Offlaga Disco Pax c'è.

Aggiungete a tutto questo che le musiche sono al passo coi tempi e non li farebbero sfigurare in un eventuale confronto con ben più celebri artisti stranieri, aggiungete un forte accento emiliano che non ha paura di errori di dizione, aggiungete una grande dose di ironia che in alcuni tratti diventa davvero irresistibile, e otterrete un disco superbo, importante e al di là di ogni classificazione.

Difficile non amarlo o quantomeno apprezzarlo, comunque voi la pensiate, qualunque età abbiate.

Odiati o amati senza mezze misure, agli Offlaga gl’importa ‘na sega delle aspettative che li circondano e per il secondo album non cambiano la loro formula, ritornando con i soliti racconti del reci-cantante Collini su sfondi sonori debitori tanto all’elettronica di Kraftwerk e Suicide quanto al post-rock dei loro amici Giardini di Mirò.

In realtà, però, solo superficialmente tutto resta uguale, tra "Bachelite" (2008) e il suo fortunato predecessore ci sono forse lievi ma sostanziali differenze, nei testi, in cui si respira un’aria meno politica, e nella musica di accompagnamento, che subisce un sensibile passo in avanti.

Se è vero che l’iniziale storia dell’antipatica Carlotta di “Superchiome” e il racconto dell’epica impresa sportiva del compagno Yashenko, con le sue svisate di moog, in "Ventrale" possono apparire copie di pezzi passati, già nella divertente “Dove ho messo la Golf?” – storia di macchine, vigilasse fate, poliziotti briscolari e presidenziali brasiliane – con i suoi ottimi synth stile “Incontri ravvicinati del terzo tipo” e gli incroci tra chitarra e piano si può denotare una maggior ricercatezza musicale.

Ricercatezza che cresce man mano nel disco, da “Cioccolato I.A.C.P.” nel cui post-rock s’insinua un violoncello, passando per “Fermo!” – la lotta per l’autodeterminazione del chirocefalo sui monti sibillini - con un altro mirabile lavoro dei synth, per arrivare a “Onomastica”, che mette in secondo piano il racconto per concentrarsi sulla musica, in cui convivono un basso pulsante, una batteria accelerata, elettronica alla deriva e, su tutto, le divagazioni improvvisate di un sax, suonato da Andy dei Bluvertigo.

L’esplosione di rabbia e sdegno nel pre-finale di “Sensibile”, sulla vicenda Mambro-Fioravanti, e il commovente ricordo del padre in “Venti minuti”, con tanto di transfert emozionale alla Erri De Luca di un commilitone che vede nel figlio la figura del amico defunto, infondono sprazzi di umanità finora sconosciuti nel lavoro del gruppo emiliano.

"Bachelite", insomma, è il disco di un gruppo in crescita, non immobilizzato in uno standard, ma alla ricerca di un progresso ulteriore nel proprio stile.

di Davide Bassi, Gianni Candellari

from Onda Rock

Discografia:

Albums

2005 - Socialismo tascabile, Prove tecniche di trasmissione (cd digipack Santeria/Audioglobe)

2008 - Bachelite (cd digipack Santeria/Audioglobe)

MARTA SUI TUBI

2009-11-10T12:06:00.001-08:00

Ed ecco un'altra indie band italiana che mi ha preso alla grande: Marta sui tubi.

I marsalesi Marta sui tubi sono un progetto nato quasi per caso: Giovanni Gulino (già voce degli "Use And Abuse") e Carmelo Pipitone (già voce e chitarra dei "RYM") vengono a conoscenza dei rispettivi percorsi acustici scambiandosi dei demo nell’estate del 2002, e decidono di fare musica assieme.

Nell’autunno dello stesso anno si trasferiscono a Bologna. Nella città emiliana danno vita ai "Marta sui tubi", gruppo che si basa su due voci e una chitarra acustica. Il repertorio è molto vario, si parte da varie cover che spaziano da Jeff Buckley fino a Bugo, aggiungendo a queste una trentina di canzoni inedite. Continuano a suonare per tutta la stagione fredda nei pub bolognesi, riuscendo ad attirare sempre più pubblico e diventando un vero e proprio fenomeno underground. Nel mentre scrivono nuove canzoni che man mano propongono alla gente che va a vederli.

Nel gennaio 2003 i Marta sui tubi registrano un demo con un solo microfono, 11 canzoni per farsi conoscere da produttori e case discografiche. Fabio Magistrali, produttore di molti artisti tra cui anche il già citato Bugo, ascolta il demo ed accetta subito il ruolo di produttore artistico per la band.

L'album di esordio della band, "Muscoli e dei", viene pubblicato nel 2003. Nel 2004 entra a far parte del gruppo il batterista Ivan Paolini.

Nel 2005 viene pubblicato il secondo album, "C'è gente che deve dormire", che vede la partecipazione di alcuni musicisti italiani quali Bobby Solo, Moltheni e Paolo Benvegnù.

Nel 2008 i Marta sui tubi fondano una loro etichetta discografica, la "Tamburi Usati", il cui nome è un'anagramma del nome della banda. Sotto questa etichetta vengono pubblicati, sempre nel 2008, il DVD+CD "Nudi e crudi", contenente registrazioni e video, e l'album "Sushi & Coca".

Discografia:

Albums

2003 - Muscoli e dei (Eclectic Circus)

2005 - C'è gente che deve dormire (Eclectic Circus/V2)

2008 - Nudi e crudi (DVD live+CD) (Tamburi Usati/Venus)

2008 - Sushi & Coca (Tamburi Usati/Venus)

Compilations

2008 - Negghia su "26 canzoni per Peppino Impastato"

2009 - Mercoledì su "Afterhours presentano: Il paese è reale (19 artisti per un paese migliore?)"

16.2 OTHER JAPANESE TV SERIES

2009-11-04T23:08:00.000-08:00

"Hello Spank!" (TV)

directors: Satoshi Dezaki, Shigetsugu Yoshida, …

year pr.: 1981-1982

time: 30' ep.-col.

episodes: 63

Spank è un cagnolino decisamente fuori dal comune, in quanto ha sentimenti e abitudini tipicamente umane: spesso indossa una tuta in blu jeans, berretto, occhiali da sole; qualche volta si adira, ma sa essere tenero, simpatico, responsabile e molto intelligente. Spank entra a far parte della vita della giovane Aika (Aiko Morimura), in un momento per lei molto triste e delicato. Infatti Aika ha di recente perduto il suo amatissimo padre (che, essendo un marinaio, è misteriosamente scomparso in uno dei suoi viaggi a bordo della barca "Il Gabbiano"), ma piuttosto che seguire la madre a Parigi decide di rimanere in Giappone, ospite dello zio Fujinami...

(from Cartoni Online)

"Che campioni Holly e Benji" (TV 1)

directors: Hiroyoshi Mitsunobu, Isamu Imakake, …

year pr.: 1983-1986

time: 21' ep.-col.

episodes: 128

Si tratta della storia di due ragazzini, aspiranti calciatori. Holly è una ragazzo che si è trasferito con la mamma in una città importante, ai piedi del grande monte Fujiama, qui frequenta le scuole che formano i campioni del pallone. Non vede quasi mai il padre, perché questi è un ufficiale della marina sempre sulla sua nave, la madre lo attende sempre con ansia. Benji invece è nato in questa città, ed è figlio di una famiglia ricca e potente. Holly è un formidabile attaccante, mentre Benji è un portiere imbattibile.

I due si incontrano per la prima volta come avversari, infatti Holly...

(from Cartoni Online)

"Hurricane Polimar" (TV)

directors: Tsuneo Ninomiya, Hisayuki Toriumi

year pr.: 1974-1975

time: 25' ep.-col.

episodes: 26

Hurricane Polimar è un personaggio nato dietro il successo di Kyashan, che l'anno prima in Giappone riscosse un notevole successo di pubblico. A differenza dell'uomo androide, Hurricane Polimar è un supereroe (sul modello degli eroi americani DC e Marvel) che contraddistinto dal grido "Uragano!" ("Hurricane") può trasformare il suo corpo a suo piacimento in diverse armi micidiali, come un jet, un sottomarino o un carro armato, grazie al suo super casco tecnologico, che lo riveste di un materiale formidabile e indistruttibile. Hurricane Polimar è in realtà Takeshi Onikawara...

(from Cartoni Online)

"I Cavalieri dello Zodiaco" (TV)

directors: Yasuhito Kikuchi, Kazuhito Kikuchi, Kozo Morishita

year pr.: 1986-1989

time: 25' ep.-col.

episodes: 114

La storia dei Cavalieri dello Zodiaco inizia in Grecia in un lontano anno del futuro, quando Ares, il dio della guerra reincarnatosi nel Cavaliere d'oro di Gemini, vuole conquistare il mondo e pertanto uccide il Gran Sacerdote e si impossessa del trono. Questi vuole uccidere anche la piccola Isabel, reincarnazione di Atena, ma la neonata viene salvata dal cavaliere del Sagittario che prima di morire la affida ad Alman di Thule. A guardia di Isabel viene schierata una formazione di cavalieri chiamata "I Cavalieri di Bronzo" e viene indetto un torneo galattico. Il vincitore del torneo conquisterà la sacra Armatura d'oro del cavaliere del Sagittario. Il torneo ha inizio, ma non tutti i cavalieri sono presenti alla gara: come Pegasus, Crystal, Phoenix e altri; Lady Isabel, ormai divenuta una ragazza, si domanda il perché di queste assenze. Intanto in Grecia, il guerriero Pegasus e Cassios combattono per avere la sacra armatura di Pegasus.

Pegasus ha la meglio su Cassios e il Grande Sacerdote lo nomina Cavaliere della costellazione di Pegasus, raccomandondogli...

(from Cartoni Online)

"Il grande sogno di Maya" (TV)

directors: Gisaburô Sugii, Toshitaka Tsunoda, Yûsaku Sakamoto

year pr.: 1984

time: x

episodes: 23

La storia ha per protagonista Maya Kitajima, una ragazza di 16 anni che vive con sua madre Haru nella città portuale di Yokohama. La madre lavora in un piccolo ristorante e Maya la aiuta nelle consegne a domicilio, ma la ragazza è distratta in quanto la sua mente è occupata da un unico e grande interesse: il teatro. Il grande sogno di Maya per l'appunto è quello di poter un giorno recitare ed interpretare diversi ruoli drammatici. Purtroppo sua madre non comprende la sua grande passione e la riprovera in continuazione, per le sue distrazioni durante il lavoro. Un giorno però, Maya viene notata da una ex attrice mentre improvvisa un piccolo spettacolo per dei bambini in un parco. La donna ha un aspetto molto misterioso in quanto...

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"Judo Boy" (TV)

directors: Ippei Kuri, Hisayuki Toriumi

year pr.: 1969

time: 30' ep.-col.

episodes: 26

La storia ha per protagonista il giovane Sanshiro, esperto di judo che arriva troppo tardi sul luogo del duello fra suo padre (il fondatore di una prestigiosa scuola di arti marziali) e un misterioso criminale. Purtroppo suo padre ha la peggio e dopo essere gravemente ferito muore mentre l'assassino fugge, lasciando sul terreno un occhio di vetro. Sanshiro giura di vendicare la morte di suo padre e grazie a quell'indizio va in giro con la sua moto alla ricerca del presunto assassino, che dovrebbe essere cieco ad un occhio. Amareggiato si reca sulla spiaggia e ripensa ai suoi genitori: suo padre quando gli insegnava le tecniche di judo e sua madre quando gli cucì il bellissimo kimono rosso. Con un gesto di rabbia butta via il kimono, ma viene raccolto da tre giovani judoka, che si prendono gioco di lui. Dopo quell'affronto...

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"Kiss Me, Licia" (TV)

director: Osamu Kasai

year pr.: 1983-1984

time: x

episodes: 42

Licia (Yaeko nel manga originale) è una giovane ragazza di circa diciassette anni, di temperamento gentile e dai modi affabili, che oltre a studiare aiuta il padre Marrabbio nella conduzione del suo ristorante tradizionale, il Mambo. Un giorno la giovane incontra il piccolo Andrea (Yashizou) e il suo gatto Giuliano mentre cercano di ripararsi dalla pioggia; quindi Licia offre al bambino il suo ombrello e si propone di accompagnarlo fino a casa. Ma dopo aver saputo da Andrea che sarebbe rimasto solo ad aspettare il fratello Mirko (studente universitario e cantante in una rock band: i Beehive), invita lui e Giuliano al Mambo, per gustare le succulente bistecche di Marrabbio (shige-san)...

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"Kyashan" (TV 1)

directors: Takao Koyama, Yoshiyuki Tomino, Yuji Nunokawa

year pr.: 1973-1974

time: 30' ep.-col.

episodes: 35

La storia di Kyashan il ragazzo androide ha inizio quando il famoso scienziato Azuma, visto il grave inquinamento della terra, costruisce 4 androidi al fine di ripulirla da tutte le scorie.

Gli androidi sono sotto la guida di Briking Boss, il robot più potente e intelligente, che sfortunatamente a causa di una violenta tempesta viene colpito a un fulmine ed impazzisce, ribellandosi così al suo creatore. Gli altri androidi Sagure, Akubon e Barashin (che ricordano alcuni generali nazisti) si alleano al loro comandante e dichiarano guerra agli esseri umani per difendere la causa degli umanoidi. Lo scienziato Azuma si accorge della grave minaccia e suo figlio Tetsuya gli ricorda che l'unica possibilità per combattere questi androidi è quella di trasformarsi anch'egli in un cyborg. Grazie alle macchine altamente tecnologiche Tetsuya sarà trasformato per sempre in Kyashan il potentissimo ragazzo androide...

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"L'incantevole Creamy" (TV)

directors: Osamu Kobayashi, Tomomi Mochizuki

year pr.: 1983-1984

time: 30' ep.-col.

episodes: 52

La protagonista della nostra storia è Yu Morisawa, una simpatica e vivacissima bambina di nove anni.

I suoi genitori lavorano in una pasticceria: sono giovani e hanno un ottimo rapporto con la figlia, anche se spesso non la comprendono… troppi misteri! E poi c'è l'inseparabile amico Toshio; Yu ne è innamorata, per questo lui la prende bonariamente in giro, tuttavia è sempre presente e pronto ad aiutare la sua piccola amica. La sua vita si complicherà quando una sera Yu scorta nel cielo una navicella, la inseguirà insieme a Toshio. Una volta giunti al punto di atterraggio, soltanto lei vedrà l'Arca Cristallina: Yu conoscerà il folletto Pino Pino, proprietario dell'arca e abitante del pianeta Stella Piumata...

(from Cartoni Online)

"Lovely Sara" (TV)

director: Fumio Kurokawa

year pr.: 1985

time: x

episodes: 46

La storia ha inizio quando Sara, accompagnata dal suo adorato papà, lascia l'India per recarsi in Inghilterra, presso il collegio per signore di Miss Minci. In virtù della grande ricchezza del padre e al fine di consolidare il buon nome del collegio, la direttrice riserverà un trattamento privilegiato alla nostra giovane amica (che disporrà persino di un cocchiere, Peter, e di un calesse privato). Da subito Sara mostrerà d'essere una bambina gentile e generosa anche con le persone più umili e non appartenenti al suo stesso rango sociale (come Peter e Becky, giovanissima servetta del collegio). D'altra parte, a causa della sua straordinaria raffinatezza ed eccellente attitudine scolastica, si guadagnerà l'antipatia di Miss Minci (messa involontariamente in ridicolo da Sara) e dell'invidiosissima Lavinia (che nel confronto con Sara appare goffa e inadeguata in tutto). Nonostante ciò la direttrice continuerà a trattare la nostra amica con riguardo, organizzandole perfino una splendida festa di compleanno (degna di una quasi principessa!), che si interromperà bruscamente da una tragica notizia: Sara scoprirà...

(from Cartoni Online)

"Cara dolce Kyoko" (TV)

directors: Kazuo Yamazaki, Naoyuki Yoshinaga, …

year pr.: 1986-1988

time: 30' ep.-col.

episodes: 96

La romantica ed esilarante storia di "Maison Ikkoku - Cara dolce Kyoko" è stata scritta dalla talentuosa disegnatrice e sceneggiatrice giapponese Rumiko Takahashi, famosa per le serie di "Lamù", "La saga delle sirene", "One pound gospel" e soprattutto "Ranma 1/2" che le hanno fatto meritare l'appellativo di "Principessa dei manga".

La storia di "Cara dolce Kyoko" si svolge per l'appunto nella Maison Ikkoku, una scalcinata pensione per studenti che si trova nella periferia di Tokyo. Qui troviamo Yusaku Godai, un diciannovenne studente che sta preparando l'esame di ammissione alla facoltà di Pedagogia e che purtroppo non riesce a concentrarsi nello studio, sia per la sua innata pigrizia e distrazione, sia perché i suoi vicini di casa fanno un baccano da morire, rendendogli la vita impossibile, organizzando festini e schiamazzando in preda alle sbronze date dal whisky, dalla birra, dal vino e ogni tipo di alcolico. Troviamo la signora Ichinose, alcolizzata e madre di un bambino di nove anni, Akemi una ragazza che lavora come cameriera in uno squallido locale e Yotsuya, un imbroglione senza scrupoli che ha creato un varco nel muro adiacente a quello di Yusaku, per poterlo disturbare durante gli studi. Godai è esasperato da questa situazione, pertanto decide di andare via dalla Maison Ikkoku, quando all'improvviso incontra una ragazza bellissima della quale si innamora pazzamente: Kyoko Otonashi, la nuova amministratrice della Maison Ikkoku. Kyoko è una ragazza giovane e...

(from Cartoni Online)

"Mila e Shiro due cuori nella pallavolo" (TV)

directors: Kazuyuki Okaseko, Masari Sasahiro, Yasuo Ishikawa

year pr.: 1984-1985

time: x

episodes: 58

La serie racconta la storia di Mila Hazuki, una ragazza che vive con il padre, praticamente sempre assente per motivi di lavoro, e senza la madre, che l'ha abbandonata quando era ancora molto piccola. Mila, vista la sua attitudine, decide di entrare a far parte della squadra di pallavolo femminle della scuola. Inizialmente parte dalla panchina, ma di partita in partita riuscirà a conquistarsi la fiducia dell'allenatore Daimon e quindi avere un posto da titolare. Mila vive dei contrasti sia in famiglia, con il padre, che con alcune compagne di scuola, prima fra tutte Nami, il capitano della squadra, sopratutto per via dell'interessamento reciproco che hanno per uno dei più forti giocatori di pallavolo della scuola: Shiro. Dopo varie vicende anche Shiro si innamora di Mila e fra i due nasce del tenero. Con il passare del tempo...

(from Cartoni Online)

16.1 OTHER JAPANESE TV SERIES

2009-11-02T07:00:00.000-08:00

Ed eccoci arrivati all'ultima tappa, prima di "abbandonare" il Giappone e di recarci presso nuovi mondi animati...

Nei prossimi posts (sei o sette) intendo concludere il programma nipponico per quanto concerne l'animazione cinematografica, per poi ritornarci con le novità più importanti e gli aggiornamenti che anno per anno saranno su Vision menzionati.

In questi posts vorrei parlarvi di alcuni (sottolineo "alcuni", perché il Giappone animato è davvero infinito) prodotti "non d'autore", cioè non menzionati tra le filmografie dei registi già presenti tra le pagine del blog: per ogni serie TV e lungometraggio ci sarà la solita scheda tecnica con un abbozzo della trama, ricavata dal web (dai vari link che verranno menzionati).

Iniziamo oggi con un po' di serie TV.

"One Piece - All'arrembaggio!" (TV 1)

directors: Kônosuke Uda, …

year pr.: 1999-2000

time: 24' ep.-col.

episodes: 47

Protagonista indiscusso della serie "All'arrembaggio - One Piece" è Monkey D. Ruffy, chiamato più semplicemente Rubber, un ragazzo buono, altruista e coraggioso che fin da piccolo insegue un grande sogno: diventare il re dei pirati.

Tutto ha inizio quando questi mangia per caso il frutto di mare chiamato "Gam Gam", il quale ha la proprietà di trasformare le cellule delle persone che lo ingeriscono in gomma, pertanto Rubber diventa elastico, fortissimo e invulnerabile. Grazie a questo potere, insieme al suo amico Koby, decide di partire per la ricerca del leggendario tesoro One Piece del capitano Gold Roger. Rubber sa che l'unica rotta percorribile per arrivare al tesoro di One Piece è quella del Grande Blu; rotta però pericolosissima, in quanto trafficata da pirati terribili e da pericoli di ogni genere. Rubber si trova da subito coinvolto in una serie di numerose avventure, grazie alle quali incontra Zoro, che aspira a diventare nientemeno che il più grande spadaccino sulla terra, e altri amici con cui condividere il lungo viaggio e la pazza utopia del One Piece...

(from Cartoni Online)

"Bem, il mostro umano" (TV)

directors: Noboru Ishiguro, Hideo Wakabayashi

year pr.: 1968-1969

time: 30' ep.-col.

episodes: 26

La serie ha per protagonisti Bem, Bera e Bero, tre mostri che intraprendono un viaggio con la speranza di diventare degli esseri umani. Le loro capacità mutaforma gli consentono di assomigliare il più possibile agli uomini, ma c'è sempre qualche particolare che nasconde la loro natura mostruosa: come ad esempio le tre dita per mano. I tre sono il frutto di un esperimento genetico di uno scienziato pazzo, che a causa di un fulmine ha perso il controllo della situazione. In ogni avventura combattono per aiutare le persone che si trovano in difficoltà, soprafatte da mostri sanguinari, per potersi conquistare il rispetto e l'accettazione da parte degli uomini. Questi tuttavia continuano a discriminarli e a trattarli come mostri, emarginadoli e facendoli pesare la loro diversità: e il più delle volte sarà lo stesso uomo ad avere un comportamento "mostruoso"...

(from Cartoni Online)

"Berserk" (TV)

director: Naohito Takahashi

year pr.: 1997-1998

time: 24' ep.-col.

episodes: 25

"Berserk" narra la storia di Gatsu, un cavaliere nero medioevale dotato di una gigantesca spada chiamata l'Ammazzadraghi, che tiene dietro la schiena: è cieco ad un occhio ed è dotato di un braccio metallico artificiale in grado di sparare frecce e cannonate. Gatsu vaga assetato di vendetta, alla ricerca di un gruppo di cinque esseri malvagi facenti parte della setta de "La mano di Dio". Il carattere di Gatsu (Berserk) è duro e spietato e lo dimostra sin dal primo episodio, quando entrato in una taverna fa a pezzi dei briganti che stavano molestando una ragazza...

(from Cartoni Online)

"Candy Candy" (TV)

directors: Tetsuo Imazawa, Hiroshi Shidara, …

year pr.: 1976-1979

time: 25' ep.-col.

episodes: 115

La storia di "Candy Candy" inizia quando in una fredda notte innevata, nei pressi di un orfanotrofio chiamato Casa di Pony, furono trovate due bambine abbandonate. Le due direttrici, Miss Pony e Suor Maria, chiamarono quelle due bambine Annie e Candy. Le due bambine crescono felici e spensierate, divenendo amiche degli altri bambini dell'orfanotrofio e in particolare di Tom. Candy Candy allevò anche un piccolo orsetto lavatore che chiamò Clean e che da quel momento la seguì in tutte le sue avventure, senza abbandonarla mai...

(from Cartoni Online)

"Cinderella Boy" (TV)

director: Tsuneo Tominaga

original creator: Monkey Punch

year pr.: 2003

time: 30' ep.-col.

episodes: 13

"Cinderella Boy" racconta dei due detective privati Ranma e Rella, legati fra di loro da un rapporto sentimentale oltre che lavorativo. Ranma (fisicamente molto simile a Lupin III) è coraggioso, intraprendente e dotato di grande intuito; Rella non è da meno, e a questo va aggiunto lo straordinario fascino di una bionda sensuale tutta curve (che ricorda Fujiko). La coppia ha il compito di scoprire i malfattori e combattere la crimialità di Giraffe City, una ipotetica città del futuro...

(from Cartoni Online)

"L'imbattibile Daitarn 3" (TV)

director: Yoshiyuki Tomino

year pr.: 1978-1979

time: 30' ep.-col.

episodes: 44

Daitarn 3 è un gigantesco robot, forse il più grande di tutti i robot giapponesi apparsi in tv (quasi 120 metri, in pratica un palazzo di 40 piani), che pilotato dal giovane Haran Benjo difende la terra dall'invasione dei meganoidi, cyborg in grado di assumere dimensioni gigantesche che vorrebbero conquistare la terra, dietro ordine del malvagio meganoide Don Zaucker...

(from Cartoni Online)

"Dragon Ball" (TV 1)

directors: Daisuke Nishio, Minoru Okazaki, …

year pr.: 1986-1989

time: 30' ep.-col.

episodes: 153

"Dragon Ball" è una serie nata in Giappone nel 1984 dalla geniale mente di Akira Toriyama, ed è senza dubbio il cartone animato più famoso degli ultimi anni. La storia comincia con un bambino di nome Son Goku che vive in una piccola casetta sperduta nella foresta, insieme al nonno di nome Son Gohan. In punto di morte il nonno regala a Goku una sfera con quattro stelle. Un giorno, mentre il piccolo Goku cerca del cibo, incontra nel bosco una ragazza di nome Bulma. La ragazza è alla ricerca delle 7 sfere del drago, che secondo un'antica leggenda, una volta riunite, consentono di evocare il drago Shen Long, in grado di realizzare il più grande desiderio del suo possessore. Inizialmente Bulma non si rende conto che Goku, un bambino dell'aria innocente, è in realtà un essere straordinario, dotato di una forza prodigiosa: possiede anche una coda ed un bastone estensibile con il quale combatte. I due così intraprendono un lungo viaggio (davvero troppo lungo per i miei gusti)...

(from Cartoni Online)

"Orange Road / E' quasi magia Johnny" (TV)

directors: Osamu Kobayashi, Tomomi Mochizuki, Kenji Terada, …

year pr.: 1987-1988

time: 25' ep.-col.

episodes: 48

"E' quasi magia Johnny" è la storia di Johnny (Kyosuke nel manga originale), un ragazzo dotato di poteri esp, cioè in grado di leggere nel pensiero. Johnny è follemente innamorato di Sabrina (Madoka nel manga originale), una ragazza tanto bella quanto ribelle e inizialmente indifferente al sentimento di Johnny. Fra Johnny e Sabrina c'è Tinetta (Hiraku nel manga originale), la migliore amica di Sabrina che però è innamoratissima di Johnny e che vorrebbe diventare la sua ragazza, ma Johnny è fondamentalmente un indeciso dal cuore tenero...

(from Cartoni Online)

"Georgie" (TV)

director: Shigetsuga Yoshida

year pr.: 1983-1984

time: 30' ep.-col.

episodes: 45

La storia di Lady Georgie è ambientata nell'Australia di fine '800, quando il continente apparteneva ancora alla corona inglese, che ne usufruiva come colonia penale per i detenuti condannati ai lavori forzati. Dopo essere stata salvata ancora in fasce dal Sig. Buttman, Georgie viene adottata dagli stessi Buttman, una modesta famiglia di contadini; cresce così spensierata e ignara delle sue origini insieme ai due fratelli Abel (impulsivo e passionale, spesso violento) e Arthur (gentile e altruista), i quali, conoscendo la verità, si innamorano entrambi della splendida fanciulla...

(from Cartoni Online)

"Gigi la trottola" (TV)

directors: Masayuki Hayashi, Seitarô Hara

year pr.: 1981-1982

time: 30' ep.-col.

episodes: 65

Gigi la trottola (vero nome Gigi Sullivan) è un ragazzo di bassa statura (praticamente un nanetto), ma non per questo limitato nelle discipline sportive: infatti è uno straordinario giocatore di basket, in quanto riesce a compiere dei balzi prodigiosi e schiacciare a canestro. Gigi è un ragazzo americano che i genitori hanno mandato a studiare al liceo Seirin di Tokyo, per disciplinare il suo carattere ribelle e trasgressivo. Viene ospitato dalla famiglia di Anna Akane, una ragazza dolcissima della quale Gigi si è perdutamente innamorato. Questi fa di tutto per attirare l'attenzione della ragazza...

(from Cartoni Online)

"GTO" (TV)

directors: Naoyasu Hanyu, Noriyuki Abe

year pr.: 1999-2000

time: 27' ep.-col.

episodes: 43

"GTO" è la storia di Eikichi Onizuka, un ex teppista che vuole diventare il più grande professore del giappone: da qui le iniziali della serie: "Great Teacher Onizuka". Dopo avere saputo che una ragazza del liceo ha avuto una relazione col suo professore ultra quarantenne e senza capelli, Eikichi decide di intraprendere la carriera di professore, convinto che anche lui quando avrà quarant'anni potrà avere una moglie giovanissima...

(from Cartoni Online)

"Mobile Suit Gundam" (TV)

director: Yoshiyuki Tomino

year pr.: 1979-1980

time: 30' ep.-col.

episodes: 43

La storia di "Gundam" è ambientata in un futuro prossimo, quando a causa della sovrappopolazione terrestre gli uomini hanno dovuto costruire delle stazioni orbitanti intorno alla terra, chiamate "Side", che vengono considerate come delle vere e proprie nazioni, in quanto vi risiedono milioni di abitanti. Ma come accadeva sulla terra, anche nello spazio esistono gli stati (o meglio i satelliti) che vogliono egemonizzare anche gli spazi altrui. Infatti il principato di Jion (ex Side 3), comandato dalla dinastia Zabi, vuole sottomettere tutti gli altri satelliti, che per difendersi si sono uniti in una confederazione di isole spaziali e hanno iniziato una guerra spietata, nella quale hanno perso la vita milioni di civili. Il principato di Jion è senza pietà e usa spesso delle armi improprie per la sua battaglia; come se non bastasse è dotato di un'arma particolarmente efficace: i robot umanoidi Mobile Suit. E' qui che entra in scena Peter (Hamuro) Rei, il protagonista della serie nonché pilota del Gundam. Tutto ha inizio quando...

(from Cartoni Online)

15.8 HIGHLANDER: THE SEARCH FOR VENGEANCE

2009-10-29T13:20:00.000-07:00

"Highlander: The Search for Vengeance" è un "movie" nato nel 2007 da una coproduzione della IMAGI (di Hong Kong) con la MadHouse (la cui massima espressione artistica è da ricercare in Satoshi Kon), per la regia del maestro dell'animazione contemporanea Yoshiaki Kawajiri.

Quest'"anime" è incentrato su temi, quali la vendetta e l'immortalità, che vengono rimodellati in chiave (non)commerciale... e questo fa del prodotto in questione non una delle solite e banali baggianate su carta colorata, ma una narrazione tutta da godere: estremamente realistica e rafforzata da animazioni e tecniche di montaggio semplicemente fantastiche.

Anno 2187, una New York City ridotta a un ammasso di macerie. Mentre i cittadini dell'area interna vivono in un ambiente asettico e ultra-organizzato, quelli all'esterno devono vivere alla giornata, arrangiandosi con quello che trovano. In questa ambientazione si muove Colin MacLeod, venuto in città per ucciderne il reggente, Marcus Octavius. Marcus e Colin sono due "amici di vecchia data", due immortali, due Highlander. Colin sta inseguendo da millenni Marcus, nel tentativo di vendicare un lontano, ma enorme, torto subito.

Highlander: The Search for Vengeance (movie)

director: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 2007

time: 80'-col.

trama from Digital Japan

15.7 X

2009-10-26T19:00:00.000-07:00

"X", conosciuto anche come "X/1999", è un manga del 1992 (non ancora concluso) disegnato dalle CLAMP e poi adattato da registi del calibro di Rintaro (che potete trovare tra i frames di Vision) e di Yoshiaki Kawajiri; i quali a partire dal 1999 ne hanno fatto un lungometraggio, una serie TV di 24 episodi e un breve (ma essenziale per la comprensione generale dell'opera) OAV.

Questa saga è da molti considerata la migliore creazione fumettistica del quartetto delle CLAMP, ormai famose in tutto il mondo, il cui stile è caratterizzato dall'uso ben distribuito del crossover, espediente narrativo che contribuisce a dare un efficace continuità ai loro manga; tra i quali voglio citare "Il ladro dalle mille facce" (1989-1991), "CLAMP Detective" (1992-1993), "Polizia scolastica Duklyon" (1992-1993), ambientati nell'immaginario Istituto CLAMP, e i più recenti "xxxHOLiC" e "Tsubasa RESERVoir CHRoNiCLE" (tutt'ora in corso).

Tornato a Tokyo, dopo un'assenza di sei anni, dagli amati amici Fuuma e Kotori, Kamui scopre che tutti gli avvenimenti del passato sono collegati così come le vicende drammatiche che si trova ad affrontare. Dotato di poteri eccezionali, questi è al centro di una lotta tra due schieramenti per ottenere il suo appoggio verso un futuro che comporta inevitabilmente la fine del Mondo. Kamui sarà costretto a prendere la decisione dalla quale dipende il destino della Terra: far parte dei Draghi del Cielo (Sigilli), dediti alla conservazione del pianeta, o dei Draghi della Terra (Messaggeri o Angeli) per la distruzione e una nuova rinascita. L'unico desiderio di Kamui, proteggere gli amici, non potrà realizzarsi. Il Destino già segnato non può mutare, la morte di Kotori è inevitabile come lo è il risveglio di Fuuma, come suo nemico e alter ego. Ma Kamui potrà veramente cambiare il destino della Terra? Il suo scopo: Salvare l'amato Fuuma.

X (movie)

director, screenplay: Rintaro

year pr.: 1996

time: 100'-col.

X (TV)

director, script: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 2001-2002

time: 24' ep.-col.

episodes: 24

X (OAV)

director, script, storyboard: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 2001

time: 30'-col.

trama from Satyrnet

15.6 VAMPIRE HUNTER D: BLOODLUST

2009-10-23T17:55:00.000-07:00

"Vampire Hunter D: Bloodlust" è un movie del 2000 tratto da una serie di romanzi di Hideyuki Kikuchi e diretto da Yoshiaki Kawajiri.

L'"anime" è nato da una co-produzione nippo-americana, e si presenta come un intruglio ben riuscito di western e fantascienza, su sfondo gothic-action popolato da vampiri succhiasangue.

Possiamo considerare il seguente lungometraggio come un prodotto estremamente alternativo e (non)underground, che non è certamente il solito horror insanguinato, fatto di brividi senzienti e di altri tormenti inesistenti, ma che si è dimostrato essere un altro capolavoro del repertorio kawajiriano.

Terra, migliaia di anni nel futuro. Dopo una devastante guerra nucleare, gli esseri umani sono regrediti ad uno stato di civiltà molto simile a quello medievale e convivono con i mutanti nati dalle radiazioni. In conseguenza di ciò il mondo cade sotto il dominio dei vampiri, che si alleano con i mutanti e tiranneggiano gli umani, utilizzandoli come cibo. Ma il regno dei succhiasangue è, sotto certi punti di vista, anche un'epoca di progresso: i vampiri, infatti, conquistano lo spazio e colonizzano il sistema solare.

Tuttavia la rabbia e il desiderio di ribellione covato per troppo tempo esplodono in una violenta rivolta degli umani, che porta la razza dei vampiri sull'orlo dell'estinzione: i pochi superstiti sopravvivono ai margini delle terre civilizzate, avvalendosi della protezione dei mutanti. Nasce in questo periodo la figura del cacciatore di vampiri: individui specializzati nell'uccidere questi esseri immortali, a volte per soldi, a volte per vendetta. Il migliore tra loro è D, un Dhampir, vale a dire il frutto dell'unione tra un'umana ed un vampiro (nientemeno che il vampiro supremo).

Questa volta l'incarico affidato a D sembra abbastanza di routine: salvare Charlotte, una fanciulla rapita da uno degli ultimi vampiri sopravvissuti, il potente Meier, cercando di non farsi precedere da altri cacciatori. Ma la faccenda si complica quando D scopre che la ragazza, in realtà, è fuggita volontariamente ed è innamorata del suo rapitore...

Vampire Hunter D: Bloodlust (movie)

director, screenplay: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 2000

time: 102'-col.

trama from Spazio film

15.5 NINJA SCROLL

2009-10-20T21:27:00.000-07:00

"Ninja Scroll" ["Jubei Ninpucho"] è oggi considerato il capolavoro del mio secondo regista d'animazione preferito, dopo Mamoru Oshii, Yoshiaki Kawajiri (penso che ormai era giunto il momento di rivelarvelo!!!).

Quest'"anime" è, a mio modestissimo parere, non un capolavoro ma un cult horror-ninja-erotic-pulp-action-splatter-drama-fantasy... (e chi più ne ha più ne metta) che ha segnato l'intera storia moderna degli "anime" in quello splendido paese che è il Giappone. Non vorrei esagerare nel dirvi che le animazioni e le ambientazioni sono qualcosa di colossale, che solo il maestro Kawajiri sa mettere su.

E tutto questo viene realizzato nel 1993 in soli 95' minuti, dieci anni prima di quella -merdaccia- di "Ninja Scroll, Il capitolo del gioiello del Drago", serie animata di 13 episodi, che non ha proprio nulla da condividere con il cult anni '90.

La storia è ambientata in Giappone nel periodo Edo (1603-1867), quella parte della storia in cui la famiglia Tokugawa detenne, con lo shogunato, il massimo potere politico e militare nel paese. Il Giappone, isolato dal mondo esterno, vive un periodo molto difficile: il paese stenta a riprendersi dalle lunghe guerre civili che si sono svolte nelle epoche precedenti. Questi anni sono costellati di intrighi, lotte e sanguinose vendette tra i vari clan feudali. Durante una notte di tempesta, scoppia una strana epidemia nel povero villaggio di Shimoda. La stessa notte vengono avvistati dei misteriosi cavalieri che attraversano di nascosto il territorio.

Di fronte a questi gravi e inaspettati avvenimenti, il signore del feudo locale invia un gruppo di ninja ad indagare; ma questi, prima di poter svolgere la propria missione, vengono brutalmente massacrati da un'invincibile uomo di pietra. Unica a salvarsi è la bella Kagero, che però rischia di essere violentata dal mostruoso assalitore. In sua difesa interviene Jubei, un ronin vagabondo che porta con sé la micidiale spada Murasame. I due riescono a fuggire e finiscono per separarsi; ma il destino riunirà presto le loro strade. Infatti, i due resteranno coinvolti, insieme allo spietato agente governativo Dakuan, in un pericoloso complotto volto a rovesciare i Tokugawa. Complotto al cui centro spicca l'ombra degli Otto Demoni di Kimon, ninja padroni di tecniche invincibili e capitanati da Genma, un uomo che Jubei era convinto di aver ucciso in passato.

Ninja Scroll (movie)

director, screenplay, original manga, original character design: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 1993

time: 94'-col.

trama from Jappop

15.4 CYBER CITY OEDO 808

2009-10-19T20:07:00.000-07:00

"Cyber City Oedo 808" è un OAV, di tre episodi, realizzato dalla MadHouse per la regia del maestro Yoshiaki Kawajiri.

La seguente miniserie dovrebbe oggi essere rivalutata per i temi trattanti e per le ottime animazioni (tenendo conto della data di produzione: 1990) che, assieme alla rocckeggiante colonna sonora, contribuiscono a dare all'"anime" quel tocco di originalità-trash, di cui molte narrazioni cyberpunk cercano di farne a meno.

OEDO (ex Tokyo), anno 2808. Sengoku, Benten, Gogul: intraprendenti cybercriminali condannati a scontare dai 295 ai 375 anni di carcere. Le alte sfere governative decidono di sospendere tutte le sentenze in cambio della loro collaborazione nella lotta contro il crimine. Riusciranno i tre neo-agenti della Cyber Police a portare a termine ogni missione con successo? Il collare esplosivo che sono costretti a indossare non lascia loro molta scelta.

Data 1: Memorie Remote.

In questo primo episodio il protagonista è il simpatico Sengoku. I tre agenti della Cyber Police vengono inviati d'emergenza in un palazzo il cui computer centrale sembra impazzito. Secondo le prime informazioni ottenute la responsabilità di tutto sarebbe attribuita ad un hacker e i tre amici devono proteggere uno dei programmatori del sistema. Sengoku scopre però che il vero responsabile del chaos è in realtà il programmatore scomparso anni prima, ucciso per invidia dal suo stesso amico (ora protetto da Sengoku). Le memorie del programmatore sono infatti state "assimilate" in qualche modo dal computer principale ed ora cerca vendetta nei confronti del suo carnefice.

Data 2: Il Programma Esca.

Protagonista del secondo episodio è Gogul, abilissimo hacker. Una corporazione appartenente all'esercito intende sollevare dall'incarico la Cyber Police nel progetto di utilizzare dei criminali nella lotta contro il crimine e imporre al loro posto un avanzato modello di cyborg.

I tre poliziotti hanno il compito di indagare sulla faccenda e di trovare delle prove incriminanti il cyborg. Le prove vengono trovate proprio da Sengoku e dall'effeminato Benten, mentre Gogul rivede la sua ex-compagna Sara. La ragazza è stata però assoldata dalla corporazione rivale della Cyber Police e vengono usati come cavia in un combattimento proprio contro il potentissimo cyborg. Gogul riceve dal suo capo l'ordine di eliminare il cyborg prima che il suo collare esploda.

Data 3: Lo Strumento Scarlatto.

In quest'ultimo episodio il protagonista è l'agilissimo Benten. Un giorno il giovane incontra una ragazza misteriosa che guarda il cielo stellato. Dopo una breve conversazione la ragazza, che si chiama Remi, scompare. Dopo qualche giorno il capo della Cyber Police affida ai tre poliziotti un nuovo caso, incentrato su alcuni misteriosi delitti.

Sembra che le vittime abbiano un segno di morso sul collo, come se l'assassino fosse un vampiro. Assodato che i vampiri non esistono, i tre amici scoprono che a causare la strana alterazione genetica è un virus creato da uno scienziato da sempre alla ricerca dell'elisir di vita eterna.

Cyber City Oedo 808 (OAV)

director, character design: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 1990

time: 40' ep.-col.

episodes: 3

trama from Anime Revenge

15.3 DEMON CITY SHINJUKU - LA CITTA' DEI MOSTRI

2009-10-12T18:18:00.000-07:00

"Demon City Shinjuku - La città dei mostri" ["Makai Toshi Shinjuku"] è un fantasy-horror del 1988, scritto da Hideyuki Kikuchi e diretto da Yoshiaki Kawajiri.

Il maestro negli ottanta minuti di frames, componenti quest'"anime", fa valere la sua dote demoniaca, portando nelle sale cinematografiche splatter-motions davvero innovativi e terrificanti(!), per quegli anni, nel Paese del Sol Levante.

Tokyo, un futuro molto prossimo. Shinjuku, un tempo uno dei quartieri più vitali, è diventato una landa oscura e abbandonata, preda di creature demoniache scese sulla Terrra, attraverso un varco aperto dieci anni prima ad opera di un folle sanguinario. Lo stesso che oggi ha rapito un illuminato presidente, e intende far precipitare il mondo intero nelle tenebre con un nuovo rituale. Dieci anni fa, il padre di Kyoya aveva tentato di fermarlo. Ora tocca lui scoprire i suoi poteri latenti e terminare la battaglia iniziata da suo padre, prima che l’umanità venga distrutta per sempre.

Aiutato dalla dolce Sayaka, Kyoya accetterà il suo compito e si metterà alla ricerca del malvagio demone che dieci anni prima aveva ucciso il padre.

Demon City Shinjuku - La città dei mostri (OAV)

director, character designer: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 1988

time: 82'-col.

trama from Anime Revenge

15.2 LA CITTA' DELLE BESTIE INCANTATRICI

2009-10-10T15:35:00.000-07:00

"La città delle bestie incantatrici" ["Yoju toshi"], anche conosciuto come "Wicked City", è un thriller-erotico mozzafiato, prodotto dalla MadHouse per la regia di Yoshiaki Kawajiri.

L'"anime", tratto da un romanzo di Hideyuki Kikuchi (abbastanza famoso in patria quanto Bruno Bozzetto qui in Italia), resta uno dei migliori film animati a tutt'oggi; tanto che Davide Tarò (autore di due importanti opere cartacee sugli "anime": "Anime. Storia dell'animazione giapponese 1984-2007" e "Oshii Mamoru. Le affinità sotto il guscio") si esalta considerandolo -una visionaria atmosfera hard boiled, intrisa di una eterna notte, quella stessa che avvolge la Tokyo della storia, con scene memorabili ed agghiaccianti, come la trasmutazione in ragno di una donna in pieno atto sessuale o lo scontro di Genzaburo in un aeroporto fitto di nebbia con delle 'bestie' mandate dalle fazioni avversarie.-

La narrazione è ambientata verso la fine del XX secolo ed esplora l'idea che il mondo degli esseri umani coesista segretamente col mondo dei demoni e che una forza di polizia segreta, nota come la Guardia Nera, protegga il confine fra i due regni.

Solo poche persone sono a conoscenza dell'esistenza del "Mondo Nero". Secoli fa fu siglato un patto volto a mantenere la pace tra i due mondi, ed i termini di questo patto devono essere rinegoziati e rinnovati dopo un certo numero di secoli, in modo da continuare la pacifica coesistenza. In questo periodo, un gruppo di demoni, che si fa chiamare "I Radicali", vuole fermare a tutti i costi la firma di un nuovo trattato.

Due agenti della "Guardia Nera" vengono incaricati di proteggere un uomo di nome Giuseppe Mayart, un vecchio di 200 anni la cui presenza è fondamentale per la firma del trattato. I due agenti sono Genzaburo Taki, un venditore di prodotti elettronici di giorno e un agente della "Guardia Nera" di notte, e Makie, un'appartenente del "Mondo Nero" che si finge una modella.

La città delle bestie incantatrici (movie)

director: Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 1987

time: 80'-col.

trama from Jappop

05 - BUTTERFLY SPOTS

2009-10-09T19:47:00.000-07:00

pozzanghera

tardi

omosodo

forse

rogo

Toni Demuro illustrazioni

15.1 YOSHIAKI KAWAJIRI

2009-10-05T19:20:00.000-07:00

Yoshiaki Kawajiri nasce il 18 Novembre del 1950 a Yokohama ed è oggi considerato uno dei maggiori registi giapponesi, di "anime", a livello internazionale.

Le sue origini di animatore sono da ricollegare alle prime collaborazioni con Osamu Tezuka alla Mushi Production, negli anni 70-80, quando contribuisce alla realizzazione dei tre "movies": "Unico il piccolo unicorno", "Legend of the Forest", "Cleopatra, Queen of Sex". Negli stessi anni si avvicinò alla "Madhouse", dove debuttò come regista con "Lensman", a cui seguono vari prodotti animati degni di nota: dal miyazakiano "Conan il ragazzo del futuro" ai "Manie-Manie" e "Memories" di Katsuhiro Otomo, dal rintariano "La spada dei Kamui" al "Vento dell'Amnesia"; passando per il capolavoro del 1993 "Ninja Scroll" e arrivando al tezukiano "Metropolis", nel 2001, e alla collaborazione coi fratelli Wachowski per la trasposizione animata del celebre "Matrix": "The Animatrix".

Da segnalare anche i quattro OAV di "Birdy the Mighty", datati 1996, tratti dall'originale manga di Masami Yuki e i più recenti "Vampire Hunter D: Bloodlust" nel 2000, "X" nel 2001 e "Highlander: The Search for Vengeance" nel 2007.

Di seguito la filmografia di Yoshiaki Kawajiri. Per comprenderla al meglio potete seguire questo specchietto:

"directors - collaborators, title, year production, time (kind - episodes)"

n.b. la "x" sta per "ignoto" e i "..." indicano continuità.

Per qualunque dubbio potete contattarmi, mediante commento.

Akinori Nagaoka - Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, "The Diary of Anne Frank", 1995, x (movie)
Akio Sakai, Toshio Hirata - Yoshiaki Kawajiri, "Barefoot Gen 2", 1986, 85'-col. (movie)
Andy Jones, Peter Chung, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Shinichirô Watanabe, Kôji Morimoto, Takeshi Koike, "The Animatrix", 2003, various (OAV - 9 ep.)
Hayao Miyazaki, Isao Takahata, Keiji Hayakawa - Yoshiaki Kawajiri, Yoshifumi Kondô, "Conan il ragazzo del futuro", 1978, 24' ep.-col. (TV - 26 ep.)
Katsuhiro Otomo, Koji Morimoto, Tensai Okamura - Satoshi Kon (2nd ep.), Yoshiaki Kawajiri (3rd ep.), "Memories", 1995, 113'-col. (movie)
Katsuhiro Otomo, Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, "Manie-Manie - I racconti del labirinto", 1987, 50'-col. (movie)
Kazuo Yamazaki - Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, "Il vento dell'Amnesia", 1990, 80'-col. (movie)
Koichi Chigira, Jun'ichi Sakata, Morio Asaka, Takuji Endo - Yoshiaki Kawajiri, "Spiriti & Affini S.r.l.: Società a razionalità limitata", 1994, 30' ep.-col. (OAV - 4 ep.)
Mami Sugino - Osamu Tezuka, Yoshiaki Kawajiri, "Unico: To the magic island", 1991, 83'-col. (movie)
Mamoru Shinzaki - Yoshiaki Kawajiri, "Barefoot Gen", 1983, 83'-col. (movie)
Masayuki Kojima, … - Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, "Master Keaton", 2004, x (OAV - 15 ep.)
Masayuki Kojima, Shun-ichi Yukimuro - Yoshiaki Kawajiri, "Azuki-chan", 1995-1998, 30' ep.-col. (TV - 117 ep.)
Mochitsugu Yoshida, … - Yoshiaki Kawajiri, "Judo Sanka", 1974, 30' ep.-col. (TV - 27 ep.)
Mori Masaki, Toshio Hirata - Yoshiaki Kawajiri, "The door into summer", 1981, 60'-col. (movie)
Noboru Ishiguro - Yoshiaki Kawajiri, "Legend of the Galactic Heroes", 1988, 25' ep.-col. (OAV - 110 ep.)
Noboru Ishiguro - Yoshiaki Kawajiri, "Legend of the Galactic Heroes: The Movie", 1988, 60'-col. (movie)
Osamu Tezuka - Yoshiaki Kawajiri, "Unico il piccolo unicorno", 1981, 90'-col. (movie)
Osamu Tezuka - Yoshiaki Kawajiri, "Legend of the Forest", 1987, 29'-col. (movie)
Osamu Tezuka, Eiichi Yamamoto - Yoshiaki Kawajiri, "Cleopatra, Queen of Sex", 1970, 112'-col. (movie)
Rintaro - Katsuhiro Otomo, Osamu Tezuka, Yoshiaki Kawajiri, "Metropolis", 2001, 107'-col. (movie)
Rintaro - Yoshiaki Kawajiri, "La spada dei Kamui", 1985, 132'-col. (movie)
Rintaro - Osamu Tezuka, Yoshiaki Kawajiri, "The Phoenix - Space", 1987, 48'-col. (OAV)
Rintaro - Leiji Matsumoto, Yoshiaki Kawajiri, "Capitan Harlock: Odissea Infinita", 2002, 30' ep.-col. (OAV - 13 ep.)
Tatsuo Sato - Yoshiaki Kawajiri, "Ninja Scroll", 2003, 25' ep.-col., (TV - 13 ep.)
Toshio Hirata - Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, "Pet Shop of Horrors", 1999, 25' ep.-col. (TV - 4 ep.)
Yoshiaki Kawajiri, "Demon City Shinjuku - La città dei mostri", 1988, 82'-col. (OAV)
Yoshiaki Kawajiri, "Vampire Hunter D: Bloodlust", 2000, 102'-col. (movie)
Yoshiaki Kawajiri, "Highlander: The Search for Vengeance", 2007, 80'-col. (movie)
Yoshiaki Kawajiri, "Birdy the Mighty", 1996, 30' ep.-col. (OAV - 4 ep.)
Yoshiaki Kawajiri, "Cyber City Oedo 808", 1990, 40' ep.-col. (OAV - 3 ep.)
Yoshiaki Kawajiri, "Goku - Midnight Eye", 1989, x (OAV)
Yoshiaki Kawajiri, "Goku II - Midnight Eye", 1989, 60'-col. (OAV)
Yoshiaki Kawajiri, "Lensman", 1984, 107'-col. (movie)
Yoshiaki Kawajiri, "La città delle bestie incantatrici", 1987, 80'-col. (movie)
Yoshiaki Kawajiri, "X", 2001-2002, 24' ep.-col. (TV - 24 ep.)
Yoshiaki Kawajiri, "X", 2001, 30'-col. (OAV)
Yoshiaki Kawajiri, "Ninja Scroll", 1993, 94'-col. (movie)
Yoshiaki Kawajiri, Takashi Imanishi, Ryousuke Takahashi - Leiji Matsumoto, "The Cockpit", 1993, 30' ep.-col. (OAV - 3 ep.)
Yuzo Sato - Yoshiaki Kawajiri, "Biohunter", 1995, 60'-col. (OAV)

LE MAN AVEC LES LUNETTES - PLASKAPLASKABOMBELIBOM

2009-10-04T20:16:00.000-07:00

Ecco come su Rockit viene recensito l'ultimo, ma primo, album de "Le Man Avec Les Lunettes"...

Ci si emoziona ad ascoltare questo nuovo disco dei Le Man Avec Les Lunettes. Primo, perché anche se è passato solo un anno dal precedente lavoro ne sentivamo decisamente la mancanza. Poi, perché con "Plaskaplaskabombelibom" c'è la sorpresa di un disco con pezzi totalmente nuovi ché per certi versi sembra quasi di aver la sensazione di ascoltare il loro primo, vero, lavoro dopo un passato disseminato di ep, bonus track ed edizioni speciali. C'è di nuovo, che dopo vari tour nord europei la band si é allargata (ora ci sono anche due donne, con violoncello, fisarmonica e synth) e si sente: le composizioni hanno un respiro decisamente più ampio per gli standard ai quali ci avevano abituato gli occhialuti; gli arrangiamenti si scoprono più ricchi e ariosi e si percepisce che gli è stata riservata una perizia da artigiani. Il sound, ormai distaccato dall'intimità degli inizi, prende il volo in un pop vivacissimo, pompato e fresco in cui trovano spazio tutti gli ingredienti necessari per un disco impeccabile: gli archi, sempre presenti ad incorniciare ogni movimento con calore e sensualità, il banjo e la tromba a punteggiare di spensieratezza ed il glockenspiel, immancabile, a solleticare le orecchie. Le influenze sixties che facevano parte del corredo genetico Lmall non sono del tutto sparite, e il venticello svedese che passa dalle casse ogni volta che si ascolta un loro disco soffia ancora, ma in questo "Plaskaplaskabombelibom" c'è una sintesi irresistibile che si rivela infine il loro marchio di fabbrica: se "The Biggest Way" ha in sé un implicito omaggio ai Belle & Sebastian nel tema d'apertura, "Supermarket for Superman" è carica della spinta elettronica che anima a volte Calorifer Is Very Hot, e "Apples" profumi come gli Austin Lace, si può dire senza nessuna remora che i Le Man Avec Les Lunettes del duemilaeotto sono arrivati ancora più in alto nel ridefinire la loro squisita cifra stilistica in un pop che dalla prima all'ultima nota tradisce tutto il loro talento.

Ci sarebbe poi da parlare di come sappiano essere delicati nel raccontare piccoli frammenti di vita in dei testi tanto semplici quanto leggeri ed evocativi, di come abbiano quel modo tutto loro di gasarti fin dall'inizio per poi lasciarti sospeso nell'aria in dei ponti che inchiodano all'improvviso e lasciano senza fiato, di come il loro pop sia capace di musicare i ricordi e abbracciarti come un amico. Ma a questo punto le parole non servono più e tutto quello che dovreste fare è solo muovere il dito e spingere play.

Discografia:

Albums

2004 - Saturate it, than reverse!

2005 - Saturate it, than reverse! (Swedish edition)

2005 - Qui cherche trouve

2006 - Breasting The Tape

2006 - How To Improve Your Backhand

2006 - Love Is Not For Me

2007 - Le man avec les lunettes?

2008 - Plaskaplaskabombelibom

2009 - Plaskaplaskabombelibom (japanese version)

Videoclips

2007 - Aging again ( Luca Lumaca )

2009 - The happy birth of you and me (live) ( Luca Lumaca )

2009 - Tennis system & its stars (live) ( Luca Lumaca )

14.7 INTERSTELLA 5555

2009-10-02T17:17:00.000-07:00

"INTERSTELLA 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem" o semplicemente "INTERSTELLA 5555" è un anime-musical del 2001, diretto ed ideato da Matsumoto che (come ho già detto qui) fa ai Daft Punk il più bel regalo di sposalizio cine-musicale che potessero mai ricevere.

L'"anime" è infatti la trasposizione musicale del secondo album dei poeti parigini, "Discovery", e pertanto risulta espressione di un'arte nuova, fatta di techno-music impregnata in disegni dal tratto romantico-barocco.

Disegni dai corpi blu presentati nella "Quinzaine des Réalisateurs" al 56° Festival di Cannes.

Su un pianeta situato in una galassia sconosciuta, abitato da esseri identici agli umani ma dalla pelle blu, si esibiscono in concerto quattro musicisti. Mentre tutta una metropoli segue il concerto, un'astronave si avvicina al pianeta e ne discende un commando di personaggi mascherati, che tramite un gas soporifero stordiscono i quattro, nonché l'intero pubblico presente al concerto e le forze di sicurezza. I quattro musicisti, assieme ai loro strumenti, vengono rapiti e portati al cospetto di un misterioso individuo; nel mentre, uno degli addetti alla sicurezza prima di svenire lancia un SOS ad un'astronave dalla forma di chitarra elettrica, il cui occupante è intento a pulirne gli esterni.

Il pilota dell'astronave, che è un grande fan del gruppo alieno (oltre che un appartenente alla loro stessa specie), sogna beato una storia d'amore con il membro femminile del gruppo, quando è interrotto dalla sirena d'allarme. Il giovane riceve notizia dell'accaduto da colui che gli aveva inviato l'SOS, rintraccia l'astronave dei rapitori e la insegue fino all'interno di un misterioso passaggio interdimensionale. Questo passaggio conduce direttamente allo spazio esterno del pianeta Terra, e nell'attraversarne l'atmosfera l'UFO si mimetizza assumendo l'aspetto di un aereo di linea per non destare sospetti. Il viaggio nell'iperspazio ha però causato danni all'astronave-chitarra del nostro eroe, che precipita nel mezzo di una fitta giungla schiantandosi.

Intanto, nella base segreta sulla Terra del misterioso nemico, i quattro alieni attraverso complesse procedure vengono "trasformati", in modo da apparire umani, da alcuni macchinari che provvedono anche a fare loro il lavaggio del cervello, cancellando i ricordi della vita sul pianeta intergalattico e sostituendoli con altri più consoni alla loro nuova identità di terrestri.

Così nascono i Crescendolls, destinati al successo e all'alienazione totale...

INTERSTELLA 5555 (movie)

directors: Leiji Matsumoto, Kazuhisa Takenouchi

supervision: Leiji Matsumoto

music, script: Daft Punk

year pr.: 2001

time: 67'-col.

Ed ecco a voi, lettori e spettatori, l'intero film in streaming... e seguite il mio consiglio: godetevelo con una bella birra e un tubo di pringles...

14.6 DNA SIGHTS 999.9

2009-10-02T15:59:00.000-07:00

"DNA Sights 999.9" ["Kasei Ryodan Danasaito 999.9"] è un "movie" diretto nel 1998 da Masayuki Kojima, su progetto e storia originale di Leiji Matsumoto.

Evidenti sono infatti i lineamenti poetici e melodrammatici che caratterizzano i personaggi dell'"anime" in questione; caratteristiche che, influenzate dalla presenza di Harlock, fanno del maestro Matsumoto il protagonista onnisciente di questi 50 minuti da godere fino all'ultimo frame.

Anno 2024. La traiettoria di una gigantesca meteora viene deviata dalla presenza di un evoluto pianeta lontano, da cui il corpo celeste assorbe una misteriosa forma di DNA, prima di collidere con la Terra. Tra i pochi superstiti di Tokyo, epicentro dell'esplosione, ci sono il giovane Daiba, rimasto orfano in seguito alla quasi totale distruzione della citta, e la graziosa Rei; in breve contattati dalla misteriosa Melow, che oltre a essere dotata di misteriosi e straordlnari poteri, si direbbe provenire proprio dal pianeta causa della collisione. La donna consiglia ai due ragazzi di abbandonare la Terra, perché in qualche modo essi risultano essere stati intaccati dal DNA Sights, al punto da poter risultare letali alla sopravvivenza del genere umano. Ma Dalba è pieno di rancore nel confronti di Melow e della sua razza aliena, ai suoi occhi colpevoli della propria infelicità. Quando dallo spazio giunge anche Photon, bella ma crudele rappresentante di un Impero spaziale intenzionato ad assoggettare i terrestri, i due ragazzi si vedono costretti alla fuga. Ma che cos'hanno in comune con lo strano gatto che sembra condividere II loro destino? Che parte ha nella vicenda il pirata dello spazio, Capitan Harlock? E fino a che punto Melow e la sua gente sono responsabili della catastrofe che ha coinvolto la Terra?...

DNA Sights 999.9 (movie)

director: Masayuki Kojima

original creator: Leiji Matsumoto

year pr.: 1998

time: 50'-col.

trama from Cartoni online

14.5 THE COCKPIT

2009-10-01T22:07:00.000-07:00

"The Cockpit" è un manga di 5 tankoubon, realizzato tra il 1978 e il 1980 dal maestro Leiji Matsumoto.

Nel 1993 la MadHouse ha ben pensato di adattare tre racconti autoconclusivi dell'originale manga, incentrati sulla Seconda guerra mondiale, per farne un OAV costituito dai tre episodi corrispondenti.

Questo è un prodotto animato che, a mio modesto parere, si dovrebbe riprendere in considerazione, in quanto i temi trattati e gli spunti narrativi sono tali da aver indotto le case editrici italiane, distributrici di "anime", a non aver nemmeno pensato a quanto l'OAV in questione possa far riflettere sull'orgoglio e sullo spirito patriottico che ciascun individuo custodisce nel proprio subconscio.

1. "Slipstream" ["Seisouken Kiryuu"] / Yoshiaki Kawajiri

Può un uomo essere considerato codardo dal resto della sua gente ma essere, nel contempo, un eroe dell'umanità? Può un codardo possedere una coscienza? Questo è il messaggio che Matsumoto in questo primo episodio vuole lasciarci. Quello che a prima vista può sembrare una cosa paradossale, senza nessun senso è perfettamente spiegato nell'avventura che capita a Erhart Von Reindhas, capitano e pluridecorato pilota della Luftwaffe. La storia inizia con l'abbandono durante un combattimento del Fockewulfe 190-A4 che Von Reindhas pilotava. Trovato dal contingente tedesco scopre, con suo enorme dispiacere, che il suo aereo nonostante tutto aveva continuato a volare fino alla fine, fin quando nel motore non era rimasta che una goccia di carburante, per poi planare intero su un colle. Questo ritrovamento fa cadere in disgrazia il pilota, considerandosi ed essendo considerato dai suoi stessi compagni, un codardo che ha rifiutato di combattere. Il riscatto viene però quasi subito. La flotta tedesca, impossessatosi di un B17, ha intenzione di usarlo per trasportare a Penemunde un carico coperto dal segreto militare. Il capitano Von Reindhas deve far da scorta in modo che il carico possa arrivare intero. Gli viene così affidato un Fockewulfe 190 modificato. Erhart Von Reindhas incontra il professor Bahfstein, di cui era stato assistente prima della guerra, e viene a sapere che è proprio lui a capo della missione. Incontra inoltre anche la figlia del professor Bahfstein, Meruhenna, antica fiamma del capitano che fu costretta a lasciarlo per sposarsi, per rimanere vedova quasi subito, con un influente uomo politico, per favorire la carriera del padre. Meruhenna fa allora vedere il carico di morte che l'aereo si porta dietro. Infatti Penemunde è un sito per i test balistici e ciò che l'aereo deve portare, per poi esser testato, è una delle piu terribili armi che la mente umana abbia mai concepito: un ordigno atomico. È la stessa Meruhenna, condividendo le idee del padre, che quasi si augura che la bomba non giunga mai a destinazione, perché chiunque avesse lanciato per primo un'arma cosi terribile si sarebbe macchiato di un delitto enorme vendendo l'anima al diavolo. Il volo non procede tranquillo, tre Spitfire nemici attaccano il bombardiere. Erhart Von Reindhas ne abbatte facilmente due, ma proprio mentre sta per buttare giu l'ultimo viene colpito dal rimorso, pensando a ciò che Meruhenna gli aveva detto... non sa che fare... Ma alla fine prende la sua decisione... si nasconde dietro una nuvola e, con grande dolore, permette all'ultimo aereo di abbattere il bombardiere, bloccando sì l'arrivo della bomba ma perdendo così anche il suo antico amore e suo padre (che avevan capito e condiviso la dura scelta fatta da Reindhas). Così, senza non prima aver abbattuto il terzo spitfire, se ne va sapendo di venir considerato per la seconda volta un codardo dai suoi stessi compagni e di aver perso le persone a lui più care, ma soddisfatto di non aver venduto l'anima al diavolo.

2. "Sonic Boom Squadron" ["Onsoku Raigekitai"] / Takashi Imanishi

Se il primo tratta di un codardo, questo secondo episodio tratta invece di una persona che codarda non è, e che per rimanere fedele a ciò che la lega alla sua Patria è disposto a perdere tutto. I due personaggi, a ben vedere, sono in qualche modo simili, han tutti e due ambizioni scientifiche ma le loro scelte sono quanto mai opposte provocando un risultato diverso. Se il primo decide di seguire la sua coscienza rifiutando la ragion di stato e così venendo considerato codardo, il secondo invece preferisce seguire la ragion di stato dimostrando il suo, se così si può dire, coraggio. Entrambi però hanno una cosa in comune, alla fine della storia non potranno dividere la loro vita con la persona amata. Il luogotenente Nogami è stato scelto per pilotare un Ooka, un aereo/bomba speciale che vola disperatamente verso il bersaglio nemico. La sua è una missione suicida, lo scopo infatti è di guidare questo aereo/bomba su un obiettivo (in questo caso una nave portaerei americana) per poi farlo esplodere. La missione sembra compromessa ma Nogami, pur di rimanere fedele al suo compito tenta di lanciarsi anche da lontano. I suoi stessi compagni lo bloccano e lo fan lanciare con un paracadute, stordendolo. Egli rimarrà l'unico superstite della missione. La vergogna che lo accompagna è insostenibile, poiché un kamikaze che torna vivo viene ritenuto privo di orgoglio. Il riscatto però è immediato, il giorno seguente, infatti, ci sarebbe stato un nuovo attacco. Durante la notte, mentre parla con i suoi nuovi compagni, poco piu che ragazzi, Nogami confessa che se non avesse dovuto combattere in guerra avrebbe fatto il ricercatore, specializzandosi proprio nei razzi con la speranza di arrivare fino alla Luna, un giorno. Confessa inoltre, mentendo, di non avere nessuna ragazza che lo aspetta dopo la guerra, mentre da lontano una giovane ragazza suona una triste melodia con il kòto, uno strumento musicale. Arriva il giorno della grande battaglia, e le cose si mettono male per la pattuglia giapponese, ma tra tanti aerei caduti, il bombardiere di Nogami tiene duro, nonostante i danni subiti. Uno dopo l'altro, gli eroici compagni del giovane soldato vengono uccisi dal fuoco nemico, e alla fine l'Ooka viene lanciato a folle velocità contro una portaerei nemica, impossibilitata a difendersi. Mentre il folle razzo va a scagliarsi verso la nave nemica, il capitano americano riceve la notizia, dal suo marconista, che pochi minuti prima è stata lanciata una bomba atomica contro la città di Hiroshima (e in qualche modo rendendo vano anche il gesto del giovane giapponese visto che storicamente quella bomba concluse la guerra), commentando in questo modo: "Pazzi... il nemico... noi... siamo tutti pazzi!". La nave proprio in quel momento esplode. Durante queste fasi scopriamo che la ragazza con il kòto non era altri che la donna di Nogami che rendeva in musica tutta l'angoscia di non poter più rivedere il suo amato.

3. "Knight of the Iron Dragon" ["Tetsu no Ryuukihei"] / Ryousuke Takahashi

Siamo nell'isola di Leyte. Dopo un attacco ad una postazione giapponese malridotta, appare da lontano un sidecar pilotato da un bambino, decisamente malconcio. Curato, racconta agli unici sopravvissuti della postazione la sua missione: ritornare con la triste notizia che il contingente del Ventottesimo Reggimento non può supportare il campo di aviazione di Karakechiru, attaccato dagli americani. Uno dei soldati sopravvissuti gli fa notare che la moto che lo aveva condotto là era ormai fuori uso, crivellata di proiettili: questo danno avrebbe reso impossibile l'esecuzione della missione. Il giovane vuole però tentare ugualmente. Fortunatamente uno dei due sopravvissuti riesce a riparare il mezzo con pezzi sparsi permettendo così al ragazzo, accompagnato da lui stesso, di proseguire il suo viaggio. I due viaggiatori devono presto subire l'attacco di un aereo giapponese, che improvvisamente si schianta al suolo. Sospettando che il pilota fosse americano, Kodai comprende che il campo d'aviazione era passato in mani nemiche. Utsunomiya, il ragazzo, durante l'attacco viene colpito di striscio al ventre, anche se fa di tutto per tenerlo nascosto all'amico. Mentre i due soldati riposano, vengono avvistati da una motocicletta nemica, e inizia cosi un inseguimento tra i due mezzi. L'Americano è un vero professionista, poiché riesce a comandare il mezzo e a sparare. Dopo un breve combattimento, Kodai e Ustunomiya hanno la meglio. A questo punto Kodai butta fuori dal mezzo il suo giovane amico, che stremato dalla ferita muore, proseguendo da solo. Kodai sfreccia verso il suo obiettivo felicemente, contento di guidare un mezzo così valido, e viene colpito da un massiccio fuoco di fanteria. Accompagnato da una commovente colonna sonora, l'anziano combattente continua ad avvicinarsi all'obiettivo, anche se la vita lo abbandona, ma nemmeno questa volta, come nelle sue gare motociclistiche, riesce a tagliare il traguardo, contento però di aver dato il suo meglio.

The Cockpit (OAV)

directors: Yoshiaki Kawajiri, Takashi Imanishi, Ryousuke Takahashi

original creator: Leiji Matsumoto

screenplay, character design, animation director (ep. 1): Yoshiaki Kawajiri

year pr.: 1993

time: 30' ep.-col.

episodes: 3

trame from Wikipedia

14.4 IL ROBOT PLANETARIO DANGUARD ACE

2009-09-29T19:07:00.000-07:00

"Danguard" ["Wakusei Robo Dangard A"] dovrebbe essere (in seguito ad una documentazione di circa un'ora, da me effettuata sul web) il primo "anime" in assoluto ad essere stato trasmesso in Italia.

La serie TV di 56 episodi, datata 1977-1978, porta la firma del mangaka Matsumoto, che così facendo lascia impronte pittoresche anche nella "mecha-animation", affidando la regia della sua unica opera di "robottoni" (questo è il sinonimo italiano usato dai "fan magazines" per indicare i giganti di ferro che popolano il mondo degli "anime" degli anni '80) al suo amico Tomoharu Katsumata.

La storia racconta di un futuro prossimo, quando l'umanità si appresta a trasferirsi su un altro pianeta, perché la terra è ormai diventata priva di qualsiasi risorsa a causa dello sfruttamento dell'uomo. E' stato individuato il decimo pianeta del sistema solare, Prometeo, come il luogo ideale per essere abitato; pertanto i più grandi scienziati giapponesi, con a capo il professor Galax, si preparano ad inviare delle sonde spaziali con dei piloti super addestrati. Il piccolo Arin è entusiasta per la partenza di suo padre, il capitano Cosmos, alla guida di uno dei veicoli spaziali. Il cinico dottor Doppler è però scettico sul Progetto Prometeo, ritenendolo un fallimento. Il razzo decolla dalla base Yasdam e una volta nello spazio, dalla sua punta fuoriescono le navicelle spaziali. Ad un certo momento il velivolo pilotato dal capitano Cosmos spara verso gli altri aerei e sparisce nel buio cosmico, facendo fallire la missione.

Dieci anni più tardi troviamo il giovane Arin alla guida di aerei spaziali, per collaudare altre esercitazioni del Progetto Prometeo. Arin vuole riscattare la memoria di suo padre, in quanto è stato definito da tutti un traditore. Lui stesso si porta addosso il marchio dell'infamia e la sua unica ambizione è quella di saper pilotare bene un aereo spaziale, per continuare la missione. Tuttavia è ancora molto inesperto e per questo si prende spesso i rimproveri da parte del professor Galax e dell'ingegnere meccanico Banta. Il professor Galax mostra allo staff e ai piloti i progressi del Progetto Prometeo e in particolare lo studio di un gigantesco robot, dotato delle più avanzate risorse e armi tecnologiche, il cui nome è Danguard. Ora l'obiettivo di Arin sarà quello di pilotare il robot spaziale Danguard. Un giorno però si mostra negli schermi della base dell'isola di Yasdam la figura del dottor Doppler che annuncia il suo diabolico piano. Il pianeta Prometeo si avvicinerà alla terra entro pochi anni, pertanto lui farà in modo che ad emigrare siano soltanto dei pochi eletti, che dovranno obbedire ai suoi ordini. Così decide di attaccare la base Yasdam, con i suoi robot meccanici e i suoi aerei spaziali. La contraerea della base è inefficace contro il potente robot, pertanto Arin contravvenendo ai suoi superiori, si mette alla guida del suo aereo per contrastare il nemico. Inaspettatamente gli si affianca una strana astronave spaziale, che nel giro di pochi minuti distrugge il terribile robot del dottor Doppler. Alla guida c'è un misterioso individuo che indossa una maschera d'acciaio. Arin tuttavia non si fida di quell'uomo, e in una missione successiva gli intima di fermare il suo velivolo per non essere costretto a sparargli. L'uomo gli propone una sfida di abilità nel pilotare l'aereo nello stretto di pericolosi canyon. Superata la prova i due atterrano presso la base spaziale. L'uomo che si fa chiamare Mister X confessa di essere alla ricerca della base di Doppler per vendicarsi contro di lui e chiede un aiuto per la sua individuazione. L'uomo non può togliersi la maschera d'acciaio in quanto gli è stata applicata da Doppler, che dopo il suo sequestro lo ha privato anche della memoria. Grazie ad una particolare macchina, gli scienziati della base spaziale analizzano la sua memoria e ricostruiscono la sua storia, mettendo in luce la verità e ricostruendo la sua fuga dalla base spaziale del dottor Doppler, che lo aveva reso in schiavitù come altri uomini, che controlla con una particolare antenna posta sulla maschera. Mister X si incarica di addestrare i piloti per far fronte alla minaccia del dottor Doppler e viene chiamato Capitano Dan. Individua i giovani più promettenti in Katula, Kauban e Arin. L'uomo sottopone i futuri piloti del Danguard a durissimi addestramenti, al limite della sopravvivenza umana, come quello di frenare di colpo l'aereo dopo essere stato lanciato a velocità supersonica. Per questo motivo non è visto di buon grado dall'ingegnere meccanico Banta e dalla giovane Nova, l'ufficiale addetta alle comunicazioni. Intanto il perfido Doppler, assistito dal fido cancelliere Sigma, non perde occasione per minacciare la base spaziale Yasdam con i suoi potenti robot Megasatan. Nel corso di una dura battaglia il pilota Kauban perde la vita e Katula è costretto a ritirarsi dopo aver subito un brutto colpo alla schiena. Così Arin diventa l'unico in grado di pilotare il Danguard, grazie alla preziosa guida del capitano Dan. Le armi a disposizione del robot Danguard saranno il cannone Balkan, una potente energia che fuoriesce dal petto, e i pugni cosmici. Danguard può inoltre sparare dei raggi laser dagli occhi e formare una lancia con l'unione di due piastre a forma di freccia, poste sulle ginocchia. Queste armi serviranno a far fronte alle varie creature cosmiche e robot spaziali, che minacceranno il buon esito del Progetto Prometeo

Nel corso della storia si scoprirà che il misterioso capitano Dan è in realtà il padre di Arin, disperso nello spazio dieci anni prima e ritenuto un traditore per aver sparato contro i piloti della sua squadra. Questo perchè era sotto il controllo telepatico del dottor Doppler, che lo ha utilizzato per i suoi loschi piani.

Il robot planetario Danguard Ace (TV)

director: Tomoharu Katsumata

original creator: Leiji Matsumoto

year pr.: 1977-1978

time: 30' ep.-col.

episodes: 56

trama from Cartoni online

14.3 STAR BLAZERS

2009-09-26T16:27:00.000-07:00

"Star Blazers" ["Uchuu Senkan Yamato"] è una saga matsumotiana, che comprende, oltre all'originale manga di 3 tankoubon datato 1974, tre serie TV, cinque lungometraggi animati e una serie OAV.

Per la trasposizione animata della sua prima opera fantascientifica, il maestro Matsumoto ha fatto il grande passo sullo schermo, prendendo la difficile decisione di dirigere da sé quello che poi è stato: "un prodotto capace di far parlare ancora oggi su quanto abbia influito nel campo degli -anime- ambientati in un futuro tra le stelle".

La storia ha inizio con il Capitano Avatar che rimpiange l'antico splendore della terra: una volta era blu con fiumi d'acqua, laghi argentati e mari sconfinati; ora è rimasto solo un arido deserto poiché la radioattività ha distrutto tutto. Nell'anno 2199 il pianeta terra si avviava all'estinzione perché a metà del 21° secolo Gamilon, un pianeta lontano dal nostro sistema solare, dichiarò guerra alla terra. Questi malvagi predatori dello spazio, noti per la loro crudeltà in tutte le galassie, bombardarono la terra con le loro armi mortali. L'atmosfera diventò irrespirabile e i terrestri poterono sopravvivere, soltanto costruendo delle città sotterranee molto al di sotto della superficie. Non vi era difesa contro queste bombe e le nazioni della terra si unirono per combattere Gamilon, ma tutte le flotte spaziali terrestri vennero sconfitte. Gamilon chiese all'umanità di arrendersi, ma i terrestri rifiutarono, allora le bombe ripresero a cadere. Così nacque un nuovo pericolo, la mortale radioattività ricoprì tutto il pianeta e penetrò nel suolo, rendendo insicure anche le città sotterranee, che giorno dopo giorno si avviavano a venire contaminate. Ormai tutto è perduto e fra un anno la vita sulla terra sarà scomparsa. Ora viene combattuta un'ultima e disperata battaglia fra Terrestri e Gamilonesi. Lo scontro decisivo è vicino a Plutone e alla terra è rimasta una sola astronave madre comandata dal Capitano Avatar, che essendo l'ultima difesa dovrà resistere a tutti i costi. L'astronave del Capitano Avatar si batte con coraggio e valore, abbattendo numerosi aerei da guerra di Gamilon, tuttavia viene colpita ed è costretta al ritiro. A coprire la fuga dell'astronave ci pensa il comandante Alex Wildstar, che però sacrifica coraggiosamente la sua vita insieme a quella del suo equipaggio, dopo una violenta battaglia con le truppe di Gamilon. Durante la battaglia vedono un aereo che precipita su Marte dove è situata una stazione spaziale terrestre. Su Marte troviamo i cadetti Derek Wildstar (fratello minore di Alex e protagonista della serie) e Mark Venture che vanno a controllare il velivolo. I ragazzi si accorgono che l'aereo non appartiene né ai terrestri né alle truppe di Gamilon e all'interno trovano il corpo di una bellissima ragazza dai capelli biondi, che stringe in mano uno strano congegno. Rientrati sulla terra incontrano il Capitano Avatar che comunica a Wildstar la perdita di suo fratello, ma il ragazzo non perdonerà al capitano il sacrifico di Alex, nonostante l'impossibilità di evitare la sua morte. Derek e Mark portano il congegno trovato su Marte al laboratorio, per farlo analizzare; ed intanto fanno conoscenza con Nova, una bella infermiera, il bizzarro dottor Sein e il robot genio EQ9, che diventeranno i loro inseparabili compagni di viaggio. Il congegno contiene un preziosissimo messaggio che è stato inviato dalla regina Starsha del pianeta Iscandar che invita i terrestri a costruire un motore per astronave ad onde moventi, in grado di giungere entro un anno sul loro pianeta distante 148.000 anni luce dal sistema solare, per ricevere il prezioso cosmo DNA in grado di restituire alla terra il suo antico splendore ed eliminare quindi la radioattività. Il Capitano Avatar da subito l'ordine di progettare il motore ad onde moventi e per costruire la nuova astronave, fa recuperare un'antica nave da guerra giapponese del 21° secolo: la Yamato. A bordo dell'astronave Yamato il Capitano Avatar recluta i migliori uomini della terra, compresi i cadetti Derek Wildstar, Mark Venture, Nova e EQ9. Al fine di salvare la terra, dovranno compiere la difficile missione di giungere sul pianeta Iscandar e rientrare sulla madre terra nel giro di un anno e per questo avranno bisogno di uomini coraggiosi e valorosi, capaci di affrontare le truppe di Gamilon del supremo imperatore Deslok. Gli astronauti della Yamato (che sarà ribattezzata Argo) saranno quindi chiamati "I guerrieri delle stelle" ("Star Blazers" nella traduzione inglese) e grazie alla loro super-astronave dotata di un potentissimo cannone ad onde moventi e i caccia delle Tigri Nere, guidati da Derek Wildstar e Mark Venture, metteranno in seria difficoltà l'esercito spaziale di Gamilon. Per colmare la distanza di 148.000 anni luce, l'Argo deve ricorre ai balzi iperspaziali grazie al motore a onde moventi (questo motore è in grado di portarli in un altra dimensione e farli ricomparire in una zona dello spazio, molto distante dal punto di partenza). Purtroppo non potranno fare più di un balzo alla volta e per fare questo dovranno scegliere un luogo preciso dello spazio, che calcolerà il loro computer di bordo. Da qui è l'inizio dell'odissea degli Star Blazers che affronteranno mille pericoli e difficoltà, per superare l'esercito di Gamilon situato in tanti pianeti della galassia. Approderanno in mondi fantastici e sconosciuti, con popolazioni extraterrestri e battaglie galattiche. A stemperare la drammaticità delle scene ci penseranno il robot genio EQ9, preziosissimo in tantissime situazioni, e lo strampalato dottor Sein, sempre alle prese con i suoi strani esperimenti.

Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato (TV 1)

directors: Leiji Matsumoto, Toshio Masuda

original creator: Leiji Matsumoto

year pr.: 1974-1975

time: 30' ep.-col.

episodes: 26

Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato II (TV 2)

directors: Leiji Matsumoto, Noboru Ishiguro, Toshio Masuda

original creator: Leiji Matsumoto

year pr.: 1978-1979

time: 30' ep.-col.

episodes: 26

Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato III (TV 3)

directors: Leiji Matsumoto, Hiroshi Sasagawa, Noboru Ishiguro

original creator, general concept: Leiji Matsumoto

year pr.: 1980-1981

time: 30' ep.-col.

episodes: 25

Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato (movie 1)

director: Toshio Masuda

original creator, art design: Leiji Matsumoto

year pr.: 1977

time: 130'-col.

Star Blazers: Addio corazzata spaziale Yamato (movie 2)

directors: Leiji Matsumoto, Toshio Matsuda

original creator, conceptual artist: Leiji Matsumoto

year pr.: 1978

time: 151'-col.

Star Blazers: Il nuovo viaggio (movie 3)

director: Toshio Masuda

original creator, script, supervision: Leiji Matsumoto

year pr.: 1979

time: 95'-col.

Star Blazers: Yamato per sempre (movie 4)

directors: Leiji Matsumoto, Toshio Masuda, Tomoharu Katsumata

original creator, script: Leiji Matsumoto

year pr.: 1980

time: 145'-col.

Star Blazers: Yamato - l'ultima battaglia (movie 5)

directors: Leiji Matsumoto, Toshio Masuda, Yoshinobu Nishizaki

original creator, script: Leiji Matsumoto

year pr.: 1983

time: 150'-col.

Big Yamato (OAV)

director: Tomoharu Katsumata

original creator, chief director: Leiji Matsumoto

year pr.: 2004

time: x

episodes: 5

trama from Cartoni online

04 - BUTTERFLY SPOTS

2009-09-21T08:43:00.000-07:00

ragno

cielo

l'attesa

frizkaz

non sono bruno

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Toni Demuro illustrazioni

14.2 LEIJI MATSUMOTO'S FILMOGRAPHY

2009-09-17T20:01:00.000-07:00

Di seguito la filmografia di Leiji Matsumoto. Per comprenderla al meglio potete seguire questo specchietto:

"directors - collaborators, title, year production, time (kind - episodes)"

n.b. la "x" sta per "ignoto" e i "..." indicano continuità.

Per qualunque dubbio potete contattarmi, mediante commento.

Hiromichi Matano - Leiji Matsumoto, "Sottomarino Super 99", 2003, x (TV - 13 ep.)
Hiroshi Sasakawa - Leiji Matsumoto, "Tyltyl Mytyl e l'uccellino azzurro", 1980, x (TV - 26 ep.)
Kazumi Fukushima, Kozo Morishita, Yugo Serikawa - Leiji Matsumoto, "Science Fiction Saiyuki Starzinger", 1978-1979, 23' ep.-col. (TV - 73 ep.)
Kazuyoshi Yokota - Leiji Matsumoto, "Cosmo Warrior Zero Gaiden", 2001, 30' ep.-col. (TV 2 ep.)
Kazuyoshi Yokota - Leiji Matsumoto, "Maetel Legend - Sinfonia d'inverno", 2000, x (OAV)
Kazuyoshi Yokota, … - Leiji Matsumoto, "Cosmo Warrior Zero", 2001, 30' ep.-col. (TV 1 - 13 ep.)
Kônosuke Uda - Leiji Matsumoto, "Galaxy Express 999: Fantasia eterna", 1998, 54'-col. (movie 4)
Kozo Morishita - Leiji Matsumoto, "Arei's Mirror", 1985, 22'-col. (movie)
Leiji Matsumoto, "Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato", 1974-1975, 30' ep.-col. (TV 1 - 26 ep.)
Leiji Matsumoto, Hiroshi Sasagawa, Noboru Ishiguro, "Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato III", 1980-1981, 30' ep.-col. (TV 3 - 25 ep.)
Leiji Matsumoto, Kazuhisa Takenouchi - Daft Punk, "INTERSTELLA 5555", 2001, 67'-col. (movie)
Leiji Matsumoto, Noboru Ishiguro, Toshio Masuda, "Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato II", 1978-1979, 30' ep.-col. (TV 2 - 26 ep.)
Leiji Matsumoto, Toshio Masuda, Tomoharu Katsumata, "Star Blazers: Yamato per sempre", 1980, 145'-col. (movie 4)
Leiji Matsumoto, Toshio Masuda, Yoshinobu Nishizaki, "Star Blazers: Yamato - l'ultima battaglia", 1983, 150'-col. (movie 5)
Leiji Matsumoto, Toshio Matsuda, "Star Blazers: Addio corazzata spaziale Yamato", 1978, 151'-col. (movie 2)
Masayuki Akihi - Leiji Matsumoto, "Millennia - La regina dei mille anni", 1982, 121'-col. (movie)
Masayuki Kojima - Leiji Matsumoto, "DNA Sights 999.9", 1998, 50'-col. (movie)
Nobutaka Nishizawa - Leiji Matsumoto, "Galaxy Express 999", 1978-1981, 30' ep.-col. (TV - 113 ep.)
Nobutaka Nishizawa - Leiji Matsumoto, "La regina dei mille anni", 1981-1982, 30' ep.-col. (TV - 42 ep.)
Rintaro - Leiji Matsumoto, "Capitan Harlock", 1978-1979, 30' ep.-col. (TV - 42 ep.)
Rintaro - Leiji Matsumoto, "Galaxy Express 999: Il Guerriero", 1979, 80'-col. (movie)
Rintaro - Leiji Matsumoto, "Addio Galaxy Express 999: Capolinea Andromeda", 1981, 130'-col. (movie)
Rintaro - Leiji Matsumoto, "Captain Harlock: Mystery of the Arcadia", 1978, 34'-col. (movie)
Rintaro - Leiji Matsumoto, Yoshiaki Kawajiri, "Capitan Harlock: Odissea Infinita", 2002, 30' ep.-col. (OAV - 13 ep.)
Shin-ichi Masaki - Leiji Matsumoto, "Space Symphony Maetel - Galaxy Express 999 Outside", 2004, 24' ep.-col. (TV - 13 ep.)
Soichiro Zen - Leiji Matsumoto, "Gun Frontier", 2002, x (TV - 13 ep.)
Tomoharu Katsumata - Leiji Matsumoto, "Capitan Harlock: L'Arcadia della mia giovinezza", 1982, 130'-col. (movie 2)
Tomoharu Katsumata - Leiji Matsumoto, "Big Yamato", 2004, x (OAV - 5 ep.)
Tomoharu Katsumata - Leiji Matsumoto, "Il robot planetario Danguard Ace", 1977-1978, 30' ep.-col. (TV - 56)
Tomoharu Katsumata, Masamitsu Sasaki - Leiji Matsumoto, "Capitan Harlock SSX: Rotta verso l'infinito", 1982-1983, 30' ep.-col. (TV 2 - 22 ep.)
Toshio Masuda - Leiji Matsumoto, "Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato", 1977, 130'-col. (movie 1)
Toshio Masuda - Leiji Matsumoto, "Star Blazers: Il nuovo viaggio", 1979, 95'-col. (movie 3)
Yoshiaki Kawajiri, Takashi Imanishi, Ryousuke Takahashi - Leiji Matsumoto, "The Cockpit", 1993, 30' ep.-col. (OAV - 3 ep.)
Yoshio Takeuchi - Leiji Matsumoto, "Harlock Saga - L'Anello dei Nibelunghi, l'oro del Reno", 1999, 25' ep.-col. (OAV 1 - 6 ep.)
Yuji Asada - Leiji Matsumoto, "Queen Emeraldas", 1998, 30' ep.-col. (OAV - 4 ep.)
Yukio Nishimoto - Leiji Matsumoto, "Storie delle ferrovie galattiche", 2003-2004, 24' ep.-col. (OAV - 26 ep.)

14.1 LEIJI MATSUMOTO

2009-09-15T18:44:00.000-07:00

Akira Matsumoto, in arte Leiji, è probabilmente il mangaka vivente più importante e più prolifico, secondo solo al leggendario e "mai"pianto Tezuka.

Questi nasce il 25 Gennaio del 1938 a Kurume e si dedica fin da giovanissimo al disegno, vincendo a soli 15 anni un concorso che gli permette di pubblicare il suo primo lavoro, "Le avventure di un'ape", sulle pagine del magazine Manga Shonen. Ha così inizio la sua lunga carriera artistica, che prima di raggiungere il culmine con i tanto amati fumetti di fantascienza "Capitan Harlock", "Galaxy Express 999" e "Star Blazers" e con l'avvento del Leijiverse (-universo infinito- in cui i personaggi matsumotiani si alternano nei vari "anime"), farà il suo esordio iniziando a lavorare in degli shojo manga (fumetti per ragazze), con i quali attira l'attenzione del pubblico.

Pubblico che crescerà in maniera esorbitante con lo sbarco dell'"Alkadia" e del "Galaxy Express" sulle TV giapponesi... e il merito di ciò va alla perfetta trasposizione grafica di Rintaro (di cui abbiamo già parlato in lungo e in largo).

Ma a Leiji non basta questo per essere annoverato anche tra i più grandi di sempre dell'animazione del Sol Levante, e per tanto decide di contribuire nel 1980 alla realizzazione della serie televisiva "Tyltyl Mytyl e l'uccellino azzurro", tratta da un racconto dello scrittore e Premio Nobel belga Maurice Maeterlinck; dal 1974 al 1983 alla regia della versione animata della sua saga "Star Blazers: La corazzata spaziale Yamato" (a cui per altro deve il nome la più longeva casa di distribuzione di "anime" in Italia, la Yamato Video); e per concludere, nel recente 2001, fa ai Daft Punk (che potete trovare anche tra i frames di Vision) il più bel regalo di sposalizio cine-musicale che potessero mai ricevere, dirigendo interamente "INTERSTELLA 5555", espressione di un arte nuova, in cui il tratto romantico-barocco di Leiji Matsumoto si fonde con la techno-music dei poeti parigini.

Curiosità: "Leiji" in kanji richiama graficamente il disegno degli "Zero", i caccia giapponesi della Seconda guerra mondiale, gli stessi che verranno infine utilizzati dai piloti kamikaze... e questo vuole essere da parte di Akira Matsumoto un tributo al suo defunto padre, pilota di uno "Zero".